Аннотация: Предметом исследования является гносеологическая специфика искусства сквозь «призму» палеолитической и современной эпох. Фокус исследования направлен на анализ феномена «эйдетизма», являющегося связующим звеном между современным и первобытным искусством. Целью статьи является осмысление гносеологической специфики искусства, начавшегося с «психофизиологии» первобытного мира и развившегося в формы «практического философствования» современной эпохи. Методология исследования включает обзор литературных источников, диалектический подход к историко-искусствоведческой реконструкции, анализ данных палеопсихологии, сравнительный анализ, элементы системной психологии и социологии. Элементом новизны является положение автора о том, что уже в нижних, ранних слоях своей эволюции статус искусства «как одной из самых древних форм человеческой жизнедеятельности» – обогащается статусом «формы практического философствования». Сделано обобщение в том, что искусство XX-XXI веков, с одной стороны отказалось и от мимесиса и от гуманизма, с другой – оно продолжило начатый еще в древности путь «практического философствования», основанного на перцептивно-эмпирическом методе познания действительности. Эволюция искусства от первобытных истоков через архаику, классику к современному его состоянию это, одновременно, и трансформация человеческого сознания, и осмысление посредством художественно-творческой деятельности своего бытия и места в мироздании и т.д. – развитие его «вглубь» (содержание искусства). Это и развитие искусства «вширь» (развитие художественной формы): разрастание его видов и жанров, нарастание стилистической и технологической полифонии и т.д. В результате, «искусство проделало» немалый путь от чисто психофизиологической своей ипостаси к «практическому философствованию». Сама художественно-творческая деятельность в целом продолжает оставаться важнейшей составной частью глобального «механизма» освоения и познания действительности.

Abstract: The subject of the study is the epistemological specificity of art through the «prism» of the Paleolithic and modern eras. The focus of the research is aimed at analyzing the phenomenon of «eidetism», which is a link between modern and primitive art. The purpose of the article is to comprehend the epistemological specifics of art, which began with the «psychophysiology» of the primitive world and developed into forms of «practical philosophizing» of the modern era. The research methodology includes a review of literary sources, a dialectical approach to historical and art historical reconstruction, analysis of paleopsychological data, comparative analysis, elements of systems psychology and sociology. An element of novelty is the author's position that already in the lower, early layers of its evolution, the status of art «as one of the most ancient forms of human activity» is enriched by the status of «a form of practical philosophizing». The generalization is made that the art of the XX-XXI centuries, on the one hand, abandoned both mimesis and humanism, on the other – it continued the path of «practical philosophizing» begun in ancient times, based on the perceptual-empirical method of cognition of reality. The evolution of art from its primitive origins through archaic, classical to its modern state is, at the same time, the transformation of human consciousness, and the comprehension through artistic and creative activity of one's being and place in the universe, etc. - the development of its «depth» (the content of art). This is the development of art «in breadth» (the development of artistic form): the proliferation of its types and genres, the growth of stylistic and technological polyphony, etc. As a result, «art has come a long way from its purely psychophysiological hypostasis to «practical philosophizing». Artistic and creative activity itself as a whole continues to be the most important component of the global «mechanism» of mastering reality.

Аннотация: Предметом исследования является взаимодействие идеального и материального, обеспечивающее единство процесса создания живописного произведения. Динамика этого процесса, в котором поэтапно осуществляется материализация идеального через поэтическое преобразование объективной действительности, – является объектом данного исследования. Автор указывает на важность в процессе создания живописного произведения таких аспектов человеческого бытия как онтологически-феноменологические и социально-гносеологические, во многом определяющие технико-технологические варианты и пути решения художественно-творческих задач. Особое внимание уделяется: созерцанию объективного мира, целенаправленному действию художественной воли, становлению художественного образа как взаимосвязанных этапов объективации идеального. Новизна исследования заключается в интерпретации феномена идеального, воплощение которого в живописи происходит благодаря интегрированной воле. Последняя есть синтез художественной воли и субъективной воли художника. Также автором фиксируется своеобразный «челночный принцип» в деле объективации идеального в произведениях живописи как в рамках истории развития живописи, так и в рамках единого процесса:
1) От чувственно-конкретной формы к воплощению всеобщности содержания.
2) От всеобщего, универсального содержания к чувственно-конкретному воплощению.
Основные выводы проведённого исследования:
1. Объективно идеальное в произведении живописи – это чувственно ощущаемый (визуально, душевно-духовно) предел красоты, прекрасного, выраженный совершенным, абсолютным единством художественной формы и содержания, художественно-образно, адекватно своему понятию зафиксированный в материальном итоге, в реальности. Оно есть в редчайших произведениях живописи, к нему стремятся.
2. Художественная форма должна быть скоррелирована в живописном произведении с всеобщностью его содержания. В результате чего происходит слияние идеального и реального и образуется их индифферентность.
3. Всеобщие смыслы, идейно «заложенные» в содержании живописного произведения, углубляют и расширяют возможности художественной материи для объективации идеального в чувственно-конкретной форме.

Abstract: The subject of this research is the interaction of the ideal and the material, which ensures unity of the process of creating a fine art painting. The object of this research is the dynamics of this process, which gradually materializes the ideal through poetic transformation of the objective reality. In the course of creating a fine art painting, the author underlines the importance of ontological-phenomenological and socio-gnoseological aspects of human existence, which in many ways determine the technical and technological means of solution of the artistic and creative tasks. Special attention is given to contemplation of the objective world, purposive action of the artistic will, establishment of the artistic image as interrelated stages of objectification of the ideal. The novelty of this article consists in interpretation of the phenomenon of the ideal, reflected in painting via integrated will. The latter is the synthesis of artistic will and subjective will of the painter. The author describes a “shuttle principle” in objectification of the ideal in the works of art within the framework of the history of development of painting, as well as within a single process: 1) from the aesthetic form to the embodiment of universality of the content; 2) from the universal content to aesthetic embodiment. The following conclusions were made: 1) the objectively ideal in a painting is an aesthetically perceived (visually, mentally, and spiritually) boundary of beauty and beautiful depicted via perfect, absolute unity of the artistic form and content, artistically and graphically, adequate to its concept in its material outcome, in reality. It is of rare occurrence in the works of art, something to be sought for; 2) an artistic form should be correlated in the artwork with universality of its content, which results in the fusion of the ideal and the real, and forms their indifference; 3) the universal meanings, ideologically underlying the content of a fine art painting, deepen and broaden the possibilities of artistic matter for objectification of the ideal in aesthetic form.

Аннотация: Предметом исследования является художественная воля как онтологическое основание искусства. В процессе осмысления природы искусства как объекта исследования, возникает проблема идентификации и выявления сущностной для художественного творчества воли, как основополагающего фактора при «зарождении» высокохудожественного произведения искусства. Представляется, что воля является тем онтологическим звеном в цепочке автор → волевой акт → художественный процесс → художественное произведение, которое позволяет проявиться последнему из небытия. Тем самым, возможно понять «относительный механизм зарождения» произведения искусства, что и является целью исследования. Использован следующий методологический инструментарий: метод герменевтической интерпретации художника-практика (автора статьи), метод феноменологической редукции, принципы исторического и логического, а также общенаучные методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия, моделирование. Кроме этого использовался деятельностный подход и элементы структурно-функционального анализа. Новизной исследования является положение о том, что в искусстве на современном этапе его развития сосуществуют две воли: воля современного художника и художественная воля (воля к прекрасному). В связи с тем, что воля современного художника не всегда двигает его к эстетизации среды, тогда как художественная воля направлена именно на эстетизацию явлений окружающей действительности, автор исследования подчеркивает принципиальную разницу между волей современного художника и художественной волей.
Основным итогом проведённого исследования является вывод о том, что «художественная воля» как воля эстетизирующая или воля к прекрасному является онтологическим основанием искусства.

Abstract: The subject of this research is the artistic will as the ontological basis of art. In the process of comprehension of the nature of art as on object of research, emerges the problem of identification and determination of the ontological will with regards to arts as a fundamental factor in “conception” of an artful work. The will is an ontological link in the chain “author – willful acts – creative process – artwork”, which allows the latter to manifest from nothingness. This leads to understanding of the “relative mechanism of conception” of an artwork, which comprises the goal of the research. The scientific novelty consists in the thesis that two types of will coexist at the current stage of the development of art: will of a modern artist and artistic will (will to beauty). Due to the fact that the will of a modern artist doesn’t always shift him towards aesthetization of the environment, whole the artistic will is particularly aimed at aesthetization of the phenomena of surrounding reality, the author underlines the crucial difference between the two wills. The conclusion is made that the “artistic will” as an aestheticizing will or the will to beauty is the ontological basis of art.

Аннотация: Предметом исследования является искусство Александра Дейнеки. Искусство Дейнеки предстаёт перед нами в качестве фундаментальной нравственно-эстетической идеи – идеи красоты, труда, мира; идеи, призванной отражать не только идеологические и общественные идеалы, но и художественные идеалы своего времени. Оно становится проводником его идей в таких же осознанных и «по-дневному» светлых образах, как и его художественно-методологические рассуждения или же обычные повседневные наблюдения и размышления. Ядром исследования творчества ярчайшего представителя соцреализма является анализ понятия «идеал» как определенного диалектического отношения идеи и действительности применительно к связке искусство – жизнь. Методология исследования строится на таких общенаучных методах как: анализ и синтез, индукция и дедукция, диалектический метод, метод искусствоведческого изучения изобразительного материала; сравнительный принцип, принципы историзма, системного анализа, а также принцип аксиологической направленности искусства. Новизна исследования заключается в интерпретации существующих подходов к изобразительному искусству А. Дейнеки с точки зрения непосредственного впечатления художника-практика (автора статьи). Основная масса искусствоведческого материала посвящена анализу искусства Дейнеки с позиции примата идеологического над художественным. В результате проведённого исследования, автор приходит к выводу об уникальном, равноценном взаимосплетении художественной и жизненной правды в его творчестве, позволяющем говорить о последнем не только с точки зрения его идеологии, но и с позиции морально-нравственного и эстетического воздействия на зрителя. Данное взаимосплетение как нельзя лучше способствует жизнеутверждающему отображению строящейся новой, социалистической жизни.

Abstract:  The subject of this research is the art of Aleksandr Deyneka that manifests as a fundamental ethical and aesthetical idea – the idea of beauty, labor, and peace; the idea meant for reflecting not only ideological and social ideals, but also the contemporary to it creative ideals. It becomes a guide of his ideas in the grasped and luminous as a “daylight” images alike his creative-methodological reasoning or the ordinary daily observations and thoughts. The core of examination of the works of the most remarkable representative of social realism lies in the concept of the “ideal” as a certain dialectical relation of the ideas and reality applicable to the link of art – life. The scientific novelty consists in interpretation of the existing approaches towards visual art of Aleksandr Deyneka from the perspective of a direct impression of the artist-practitioner (the author of this article). Most of the art material is dedicated to analysis of the works of Aleksandr Deyneka from the standpoint of supremacy of the ideological over the creative. A conclusion is made on the distinct, equal interweaving of the truth of art and life in his works that allows speaking of the latter not only in the context of his ideology, but also the perspective of the moral-ethical and aesthetical influence on the audience. Such interweavement greatly contributes into the life-affirming reflection of the establishing new, socialist life.  

Аннотация: Предметом исследования является логика художественного процесса. Анализируется логика взаимосвязи микро и макроуровня художественного процесса: 1) логика становления художественного образа (или поэтизация) событий мира; 2) логика структурирования (или формообразования) художественного произведения. Сложившись определённым образом хотя и в виде «неопределённой туманности», художественный образ всей своею сущностью диктует или подсознательно подталкивает к выбору тех или иных художественных средств. Выстраивая структуру художественного процесса, автор руководствовался идеей диалектической взаимосвязи содержания и формы. Также использованы элементы комплексного подхода, применены принцип историзма, методы анализа и синтеза, обобщения, системный и социокультурный подходы. Новизна исследования заключается в том, что введено понятие «эстетологика» – как логика эстетической деятельности художника, выраженная во взаимосвязи формы и содержания его произведения, которая обнаруживает себя посредством фактора времени. Данная логика может быть вариативной в зависимости от вариативности самого художественного процесса.

Abstract: The subject of this research is the logic of creative process. The author analyzes the logics of correlation of micro and macro levels of the creative process: 1) logics of formation of the creative image (or poetization) of global events; 2) logic of structuring (composition) of creative work. Having established in a definitive way, although in a shape of “certain haziness”, the creative image in all its essence dictates or subconsciously pushes towards choosing one or another creative methods. In the course of structuring creative process, the author was guided by the idea of dialectical correlation between the content and form. The elements of complex approach, principle of historicism, methods of analysis and synthesis, generalization, system and sociocultural approaches comprised the methodology of this research. The scientific novelty consists in introduction of the concept of “aesthetic logics” – as the logics of aesthetic activity of an artist, expressed in the interrelation of form and content of his oeuvre that reveals itself through the factor of time. Such logics vary depending on the variation of the creative process itself.

Аннотация: Статья представляет собой опыт философского исследования, целью которого является многоуровневое комплексное исследование цветовой гармонии.Основным вопросом, рассматриваемым в статье, является логика цвета в искусстве живописи в онтологическом, гносеологическом и аксиологическом аспектах. Выстраивая свои рассуждения от максимально общих понятий, таких как: структура, иерархия, порядок, автор переходит к рассмотрению узко-специальных вопросов, связанных с цветовой гармонией или логикой цвета в живописи и утверждает необходимость наличия трёх её основных аспектов. Методологической базой исследования является метод структурно-функционального анализа; логический, исторический, диалектический метод; метод герменевтической редукции; метод интеллектуальной спекуляции, а также общенаучные (общелогические) методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия. В конце статьи автор приходит к следующим результатам:
1.Онтологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в триединой системе, включающей в себя теорию трёхкомпонентности, вытекающий из последней принцип цветового равновесия, базирующийся, в свою очередь, на трёх основных цветах: синем, красном, жёлтом;
2.Гносеологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в совокупности знаний о цвете или «цветознании»;
3.Аксиологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в контекстуальности замысла Автора, в идее его произведения.
В результате, автор делает главный вывод:
В творческом процессе, при работе с цветом всё имеет значение: форма пятна, размер пятна, его фактура, интервалы, фон и т.д., так как логика построения цветовой гармонии будет напрямую зависеть от идеи произведения, его ценностно-смыслового субстрата.

Abstract: Thus article represents the experience of philosophical heritage, the goal of which is the multilevel comprehensive research of the color harmony. The main question reviewed in this work is the logic of color in art of painting from the ontological, gnoseological, and axiological aspects. The author begins with the examination of the general notions, such as structure, hierarchy, and order; and later, shifts towards the narrow-profile questions associated with color harmony and logic of color in painting, as well as explains the necessity of presence of the three of its main aspects. During the course of this research, the author comes to the following results:


The ontological aspect of the logic of color is predominantly observed in the triune system that includes the three-component theory, the emerging from the latter principle of color balance,  which is in turn based on the three main colors: blue, red, and yellow;


The gnoseological aspect of the logic of color consists mainly in the contextuality of the author’s concept, in the idea of its composition.


The author concludes that in the creative process pertaining to the work with color, everything has importance: shape of a spot, its size and texture, intervals, background, etc., because the logic of structuring of the color harmony directly depends on the idea of composition, and the conceptual value of the substratum.
 

Аннотация: Основным предметом данного исследования являются вкусовые суждения в изобразительном искусстве. Ещё несколько столетий назад, немецкий философ И. Кант сформулировал свои знаменитые антиномии вкуса. По мнению автора они остаются актуальными и по сей день. Противоречия между общественными и профессионально-художественными (личными) вкусовыми предпочтениями, автор рассматривает как борьбу двух авторитарных систем: с позиции зрителя (заказчика) и с позиции Автора. Автор данного исследования считает, что абсолютно свободным от какой-либо коньюнктуры художник был на заре становления искусства - в первобытном обществе. Снятие вкусовых противоречий в современной художественной практике, по-мнению автора исследования, возможно посредством "меры условности". Методологической базой исследования является метод структурно-функционального анализа; диалектический метод; метод интеллектуальной спекуляции, а также общенаучные (общелогические) методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия. Автор исследования приходит к следующим выводам:
1. Великая догадка И. Канта о социальной подоплёке антиномий, остаётся актуальной проблемой и сегодня.
2. Спустя столетие от начала модернистских экспериментов, в результате синтеза вышеозначенных конструктов, современное изобразительное искусство приходит к мере условности. Понятие «мера условности» является своего рода aurea mediocritas (лат.) – «золотой серединой» и даёт ключ к синтезу вышеозначенных и иных противоположностей.
3. Поскольку предметное наполнение понятия «условность» исторически изменчиво, а современное профессиональное изобразительное искусство оперирует (в большей степени) системой изображения, базирующейся на мере условности (структурной), которая вбирает в себя системы изображения всех исторических эпох, можно (с определённой долей осторожности) констатировать, что данная мера условности является «золотой серединой» не только в технологическом аспекте, но и в историческом. Данное обстоятельство, таким образом, позволяет говорить о том, что система изображения, основанная на мере условности («умеренное абстрагирование», формализация) – является «золотой серединой» всего исторического развития изобразительного искусства.

Abstract: The main subject of this research are taste judgments in the visual arts. Several centuries ago, German philosopher Immanuel Kant formulated his famous antinomy of taste. According to the author they remain relevant to this day. Contradictions between the public and professional and artistic (personal) preferences, the author examines how the struggle between two authoritarian systems: from the perspective of a viewer (customer) and from the perspective of the Author. The author of this study believes that it is absolutely free from any conditions the artist was at the dawn of the art in primitive society. Removing the taste of the contradictions in contemporary artistic practice, in the opinion of the author of the study, through an "action conventions". Methodological base of research is the method of the structurally functional analysis; dialectical method; a method of intellectual speculation, as well as General scientific (General logical) methods: analysis, synthesis, induction, deduction, analogy. The study's author comes to the following conclusions:1. The great assumption of I. Kant about the social background of the antinomies, remains relevant today.2. A century later, from early modernist experiments, in the synthesis of the aforementioned constructs, the modern visual art comes to the measure of conditionality. The concept of "measure of conditionality" is a a so-called aurea mediocritas (Latin) – the "Golden mean" and gives a key to the synthesis of these and other opposites.

Аннотация: Поскольку рассмотреть всю диалектику искусства как процесса в работах подобного объёма невозможно в принципе, автор, в своём исследовании, выделяет лишь некоторые аспекты диалектичности художественного творчества, на примере создания живописного произведения. В первом разделе, автор рассматривает диалектику искусства как результат взаимодействия различных полярных сил, систем, явлений. Во втором разделе, исследуется художественное творчество как развивающийся процесс, в основании которого лежит такой закон диалектики как «переход количества в качество». В третьем разделе, автор рассуждает о диалектике непосредственно художественного произведения, как о целостном, интегральном, идеально-материальном образовании, где духовное (мировоззрение художника) получает возможность проявить себя через материальное (через форму и содержание картины), то есть особенно наглядно. Третий раздел посвящён диалектике чувственного и рационального, как одной из характерных черт двойственной природы художника. Методологической базой исследования является метод структурно-функционального анализа; диалектический метод; метод герменевтической редукции; метод интеллектуальной спекуляции, а также общенаучные (общелогические) методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия, моделирование. Проведённое автором исследование данных аспектов, позволил ему сделать следующие выводы:
В непрерывно движущемся, изменчивом становлении «ткани» живописного произведения, объективно реализуется процесс его развития как постоянного возникновения чего-то принципиально нового и необратимого в нём.
Каждый последующий этап развития художника как осознающего индивида, обнаруживает для него самого, скрытые и невидимые прежде, но сейчас приобретённые, а от того становящиеся бесценными шаги его восхождения а, вместе с ними, фиксируемые «планки» раскручивающейся спирали его творчества.
Художественное произведение, есть целостное, интегральное, идеально-материальное образование, где духовное (мировоззрение художника) получает возможность проявить себя через материальное (через форму и содержание картины), то есть особенно наглядно (посредством художественных образов). В результате, необходимо зафиксировать, характерный для художественного процесса, факт превращения (перехода) осознанной мировоззренческой установки (идеи своего бытия) через энергию творческого акта – в художественный продукт, в его форму и его содержание.
Данные чувственного уровня – это важный исходный материал, в котором художник получает информацию для последующей художественно - творческой переработки. Этот исходный, чувственно-эмоциональный материал, в результате рассудочной деятельности усваивается и всецело присваивается разумом, образуя чувственно-рациональный фундамент для процесса создания живописного произведения.
Следует констатировать, что и сам творец, и процесс творения и его результат – все это есть диалектика художественного творчества.

Abstract: As to consider all dialectics of art as process in works of similar volume it is impossible in principle, the author, in the research, allocates only some aspects of a dialektichnost of art creativity, on the example of creation of a work of painting. In the first section, the author considers dialectics of art as result of interaction of various polar forces, systems, the phenomena. In the second section, art creativity as the developing process in which basis such law of dialectics as "transition of quantity to quality" lies is investigated. In the third section, the author argues on dialectics directly of a work of art as about complete, integrated, ideal and material education where spiritual (outlook of the artist) has an opportunity to prove through material (through picture form and content), that is it is especially evident. The third section is devoted to dialectics sensual and rational, as one of characteristic features of the dual nature of the artist. Methodological base of research is the method of the structurally functional analysis; dialectic method; method of a germenevtichesky reduction; method of intellectual speculation, and also general scientific (general-logical) methods: analysis, synthesis, induction, deduction, analogy, modeling. The research of these aspects conducted by the author allowed it to draw the following conclusions:
In continuously moving, changeable formation of "fabric" of a work of painting, process of its development as continuous emergence something essentially new and irreversible in it is objectively realized.
Each subsequent stage of development of the artist as the realizing individual, finds for him, hidden and invisible before, but now acquired, and from that the steps of his ascension becoming invaluable and, together with them, fixed "levels" of the untwisted spiral of his creativity. The work of art is a complete, integrated, ideal and material formation where spiritual (outlook of the artist) has an opportunity to prove through material (through picture form and content), that is is especially evident (by means of artistic images). As a result, it is necessary to record, characteristic for art process, the fact of transformation (transition) of conscious world outlook installation (idea of the life) through energy of the creative act – in an art product, in its form and its contents.Data of sensual level is an important initial material in which the artist receives information for the subsequent artly - creative processing. This initial, sensual and emotional material, as a result of rational activity is acquired and entirely appropriated by reason, forming the sensual and rational base for process of creation of a work of painting.It is necessary to state, as the creator, both the process of creation and the result are the dialectics of art creativity.
 

Аннотация: Основным вопросом, рассматриваемым в статье, является вопрос о присутствии в художественном процессе рационального уровня и его взаимодействие с чувственной составляющей. Выстраивая структуру художественного процесса от чувственного уровня, автор утверждает необходимость присутствия рационального основания в искусстве. Таким основанием является конкретное и абстрактное мышление художника. Оба способа мышления имеют право на существование в творчестве и переходят один в другой, смешиваясь в определенной пропорции. Они являются основой того или иного результата изобразительной деятельности. Результатом подобного умонастроения в творчестве живописца будут либо образы подобия (отражения), имеющие подражательную природу, либо образы художественные, в основе которых лежит та или иная степень абстрагирования (мера условности). Первые отвечают вкусам большинства людей – так как они понятней, вторые – не всеми понимаемы, а, соответственно, и не сопереживаемы с автором. Автор статьи пытается ответить на вопрос: что же заставляет подобного рода «непонятные» произведения рождаться, быть воплощёнными в материале? В конце статьи, автор приходит к выводу, что рациональный уровень, как одно из важнейших онтологических оснований творчества, совместно с чувственным уровнем, являются предпосылкой формирования третьего звена художественного процесса – жизненного опыта художника.

Abstract: The article is devoted to the question about the rational part of the creative process and its relation to the sensual element. Describing the structure of art process as starting from the sensual level, the author proves the need in rational grounds of art, too. Concrete thinking and abstract thinking of an artist create such grounds. These cogitation patterns exist in the creative process and often transform from one to another. These patterns lie in the basis of the outcome of art process. The result of any creative process of an artist is either images resembling (reflecting) something or true art images created based on a certain degree of abstraction. The former images are easy to understand so they satisfy tastes of the majority of people and the latter images are not so comprehensive  and therefore are not always understood by the audience. The author of the present article tries to answer the question about what makes such 'ununderstandable' artwork to be created? At the end of the article the author makes a conclusino that being one of the most important ontological grounds of the creative process, the rational element is interchangeable with the sensual element and creates grounds for formation of the third stage of the creative process, i.e. life experience of the artist himself.  

Аннотация: Основным вопросом, рассматриваемым в статье, является вопрос о присутствии в художественном процессе рационального «зерна», элемента и его взаимодействие с чувственной составляющей. Выстраивая структуру художественного процесса от чувственного уровня, автор утверждает необходимость присутствия рационального элемента в искусстве. В конце статьи, автор приходит к выводу, что эти два уровня являются предпосылкой формирования третьего звена художественного процесса - жизненного опыта художника.

Аннотация: В статье рассматривается взаимодействие зрительного и эмоционального восприятий, а также их значение при создании произведений изобразительного искусства. Статья представляет теоретическую и практическую значимость для художников, а также рассчитана на широкий круг любителей философии и искусства.

Аннотация: В статье анализируется структура художественного произведения на примере живописи. Автор приходит к выводу, что мера, гармония и вкус, при оптимальном их соотношении, определяют целостность художественного произведения. Статья представляет теоретическую и практическую значимость для художников, а также рассчитана на широкий круг любителей философии и искусства.