Аннотация: В статье анализируется тема книги в философии Жака Деррида, а также неизбежность трансформации её привычных форм. Тема книги является центральной, по меньшей мере, в трех текстах Жака Деррида: «Конец книги и начало письма», «Вне книги» и «Грядущая книга». Однако, в процессе, анализа автор выходит за границы этих трех работ философа, помещая проблему «грядущей книги» в более широкий контекст дискурсивных практик Деррида. Книге в той форме, которую мы знаем, и которую мы безошибочно узнаем, угрожает дисперсия, то есть рассеивание её привычной структуры и распад сложившейся целостности. Прежняя тотальность линейного письма, органически связанная с формой книги, уступает место новым формам подачи информации и её архивирования. В настоящей статье автор показывает, как Жак Деррида эксплицитно выстраивает форму «грядущей книги», впуская её в горизонт своего письма, и тем самым, меняя саму его структуру и ткань. Целый ряд текстов Жака Деррида отличает полифоничность, структурная сложность, «загрязненность» цитатами и даже разорванность на отдельные фразы, слова, а подчас и звуки, фонемы, слоги. Всё это приводит к разрушению привычных для нас правил чтения и с необходимостью вынуждает формировать абсолютно новые стратегии восприятия письма и книги, а также всех тек практик, которые с ними неразрывно связаны.

Ключевые слова: Деррида, деконструкция, книга, грядущая книга, письмо, след, диастема, Глас, предисловие, грамматология

Abstract: This article analyzes the theme of book in the philosophy of Jacques Derrida, as well as the inevitability of transformation of its customary forms. The theme of book is central at least in the three texts by Jacques Derrida: “The End of the Book and the Beginning of Writing”, “Outside the Book”, and “The Book to Come”. However, in the process of analysis, the author goes beyond the boundaries of these three works of the philosopher, placing the problem of the “book to come” in a broader context of discursive practices of Jacques Derrida. The book in its common form is on the cusp of dispersion, i.e. decay of its usual structure and integrity. The former totality of linear writing, which is organically interrelated with the book form, yields to the new forms of submission of information and its archiving. This article describes how Jacques Derrida explicitly builds the form of the “book to come” letting it to the horizon of his writing, and thereby changing its very structure and fabric. A number of philosopher’s texts are distinguished by their polyphony, structural complexity, excess of quotations, scatteredness of phrases, words, and even sounds, phonemes, and syllables. All this leads to the disruption of the customary rules of reading, and forces us to form completely new strategies of the perception of writing and books, as well as all other practices that are inextricably entwined.

Keywords: Glas, diastema, trace, letter, coming book, book, deconstruction, Derrida, preface, grammatology

Аннотация: Предметом исследования настоящей статьи является творчество русских художников второй половины XIX – первой половины XX века в контексте проблематики символизма и модерна, а также тот научный фундамент, который сложился к настоящему моменту в области изучения данного вопроса. Методология работы основана на концептуальном синтезе классических историко-искусствоведческих подходов в анализе художественного материала с теоретическими междисциплинарными методами гуманитарных исследований, таких как иконология и герменевтика, а также выработанный автором контекстуально-ассоциативный метод. Цель работы заключается в актуальной для современной искусствоведческой науки задаче выявления особенностей символизма в России ввиду изменившегося в наши дни отношения к духовной проблематике искусства рубежа XIX–XX веков. Впервые в отечественном искусствознании автором статьи сделан емкий аналитический обзор этапов развития символизма в русском изобразительном искусстве на основе долголетней работы с архивными материалами, научными трудами (более, чем за сто лет) и хранящимися в музейных фондах произведениями мастеров эпохи модерна, многие из которых после 1917 года оказались на периферии искусствоведческого внимания по идеологическим причинам. Индивидуально найденные характеристики символизма как цельного художественного феномена, созданные на уровне современного гуманитарного знания, обуславливают новизну работы и могут быть плодотворно применены для поиска новых аспектов в области изучения символизма и модерна. Расширение диапазона представлений о русском искусстве конца XIX – начала XX века, нашедшее лаконичное отражение в данной статье, позволяет вернуть в контекст искусствознания наследие художников-символистов, что имеет неоспоримое значение с точки зрения восстановления естественной логики развития истории искусства в России, делая данную публикацию востребованной в разных областях изучения искусства и культуры.

Ключевые слова: Поэтика, Художественное направление, Художественное мировоззрение, Модерн, Серебряный век, Символизм, Русское изобразительное искусство, Искусствознание, Образ, Стиль

Abstract: The subject of this article is the works of the Russian artists of the late XIX – early XX centuries in the context of problematic of symbolism and Art Nouveau, as well as the scientific foundation that has developed as yet in studying this topic. Research methodology is based on the conceptual synthesis of classical art history approaches towards the analysis of artistic material with the theoretical interdisciplinary methods of humanities, such as iconology and hermeneutics, as well as the contextual-associative method developed by the author. The goal of this article consists in determination of the peculiarities of symbolism in Russia due to the transformation of the attitude towards the spiritual problematic of art of the turn of the XIX – XX centuries, which is relevant for the modern art history. The author is firs in the Russian art history to conduct a comprehensive analytical overview of the development stages of symbolism in the Russian visual art based on the years-long work with the archival materials, scientific publications (that cover over a century), and works of the Art Nouveau authors stored in the museum funds, many of which after 1917  appeared to be on the periphery of attention of art historians due to ideological reasons. The revealed individual characteristics of symbolism as a holistic artistic phenomenon, created on the level of modern humanistic knowledge, determine the novelty of this work and can valuable in further study of symbolism and Art Nouveau. Broadening of representations on the Russian art of the late XIX – early XX centuries, allow returning the heritage of the symbolist artists into the context of art, which is of undeniable importance from the perspective of restoration of natural logic of the development of the history of art in Russia, making this publication valuable in various fields of study of art and culture.

Keywords: Image, Poetics, Artistic Movement, Artistic Outlook, Silver Age, Symbolism, Art Nouveau, Russian Fine Art, Art Studies, Style

Аннотация: Предметом исследования являются теоретические работы Бернара Чуми. Цель работы — определить место проблемы телесного опыта в теории архитектуры швейцарского архитектора. Для достижения поставленной цели были рассмотрены ключевые темы его работ, такие, как вопрос о границах и пределах архитектуры, архитектура как место возникновения события, а также ряд понятий - «наслаждение», «пределы», «насилие». Источниками для анализа выступили тексты Б. Чуми, созданные им с 1977 по 1981 годы: очерк "Наслаждение архитектурой" (1977), статья "Насилие архитектурой" (1981) и серия эссе "Архитектура и пределы" (1980-1981). Б. Чуми не посвящает проблеме телесного опыта отдельных сочинений. Однако он обращается к данной проблеме в контексте взаимодействия зрителя и здания. Б. Чуми акцентирует внимание на чувственных переживаниях, возникающих у зрителя при непосредственном контакте с архитектурным объектом. С одной стороны, это сближает Чуми с представителями феноменологии архитектуры — С. Холлом и Ю. Палласмаа. Как и представители данного направления, Б. Чуми подчёркивает кинестетический, невербализуемый характер телесного опыта при восприятии сооружений, их внутреннего пространства и материалов. С другой стороны, отношения между телом и зданием описываются Б. Чуми как насильственные. Насилие в отношениях человека с архитектурой присутствует повсеместно: это и вторжение человека в архитектурное пространство, и ощущение дискомфорта, провоцируемое архитектурным пространством.

Ключевые слова: телесный опыт, теория архитектуры, постмодернизм, телесность, Бернар Чуми, интертекстуальность, постструктурализм, восприятие, деконструктивизм, современная архитектура

Abstract: The subject of this research is the theoretical works of Bernard Tschumi. The goal is to determine the place of the problem of corporeal experience in the theory of architecture of developed by the Swiss architect. For achieving the set goal, the author examines the key themes of his works –  the question of boundaries and limits of architecture, architecture as the place of occurrence of the event; as well as a number of concepts – “pleasure”, “limits”, “violence”. The texts created by Bernard Tschumi over the period from 1977 to 1981: “The Pleasure of Architecture” (1977), the article “Violence of Architecture” (1981), and a series of essays “Architecture and Limits” (1980–1981) served as the sources for this analysis. B. Tschumi did not dedicate works to the problem of corporeal experience alone; however, addresses this problem in the context of interaction between the audience and the building. His attention is focused on the viewer’s sensory experiences emerging in direct contact with the architectural object. On the one hand, this apposes B. Tschumi with the representatives of the phenomenology of architecture – S. Hall and J. Pallasmaa; all of them emphasizes the kinesthetic, nonverbal nature of corporeal experience in the perception of structures, their internal space and materials. On the other hand, B. Tschumi describes the relations between the body and the building as violent. Violence in the relations between man and architecture is ubiquitous: it is the interference of of a person into the architectural space, as well as feeling of discomfort provoked by the architectural space.

Keywords: perception, poststructuralism, intertextuality, Bernard Tschumi, corporeality, postdernism, theory of architecture, bodily experience, deconstructivism, contemporary architecture

Аннотация: Предмет исследования. В статье проведен анализ ряда аспектов интермеццо Брамса op. 119 № 3 с целью обнаружения неклассических тенденций, проявляющихся в структуре музыкальной ткани и принципах формообразования в данном произведении. Методология исследования. В ходе исследования использовалась методика целостного анализа, включающая в себя рассмотрение особенностей гармонии, фактурного своеобразия, тематических процессов и формообразующих закономерностей в интермеццо Брамса op. 119 № 3. Были применены также элементы сравнительного анализа (сопоставление принципов формообразования в исследуемом сочинении и классических произведениях, а также сравнение трактовки репризы трехчастной формы в интермеццо Брамса op. 119 № 3 и ноктюрне Шопена op. 48 № 1). Научная новизна работы состоит в том, что в результате исследования удалось выявить ряд неклассических качеств музыки Брамса, а именно: гомогенность звуковой ткани, слабую степень дифференциации рельефа и фона в фактуре, отсутствие общих форм звучания и пассивных фрагментов в музыкальной форме. Было обнаружено также концептуальное родство брамсовских принципов работы с музыкальным материалом с приемом взаимопроникновения предмета и пространства, получившим распространение в живописи начала XX века. Выводы, полученные результаты позволяют прийти к выводу, что в интермеццо Брамса op. 119 № 3 реализован ряд неклассических принципов работы с музыкальным материалом, которые предвосхищают открытия композиторов нововенской школы (в частности, Веберна). Результаты исследования могут найти применение в процессе дальнейшего изучения творчества Брамса и различных теоретических аспектов музыки рубежа XIX–XX веков, а также в исполнительской и педагогической практике.

Ключевые слова: брамс, интермеццо, поздний романтизм, неклассические тенденции, гомогенная звуковая ткань, музыкальное формообразование, неклассическое мировосприятие, игра, спонтанность, новая венская школа

Abstract: The subject of the study. The article analyzes a number of aspects of Brahms' intermezzo Op. 119 No. 3 in order to detect non-classical tendencies manifested in the structure of the musical fabric and the principles of shaping in this work. Research methodology. In the course of the study, the method of holistic analysis was used, which includes consideration of the features of harmony, textural originality, thematic processes and form-forming patterns in the Brahms intermezzo Op. 119 No. 3. Elements of comparative analysis were also applied (comparison of the principles of form formation in the composition under study and classical works, as well as comparison of the interpretation of the reprise of the three-part form in the Brahms intermezzo op 119 No. 3 and Chopin's nocturne Op. 48 No. 1). The scientific novelty of the work consists in the fact that as a result of the research it was possible to identify a number of non-classical qualities of Brahms' music, namely: the homogeneity of the sound fabric, a weak degree of differentiation of relief and background in texture, the absence of common forms of sound and passive fragments in musical form. The conceptual kinship of Brahms' principles of working with musical material with the technique of interpenetration of object and space, which became widespread in painting at the beginning of the XX century, was also discovered. Conclusions, the results obtained allow us to conclude that Brahms' intermezzo Op. 119 No. 3 implements a number of non-classical principles of working with musical material that anticipate the discoveries of composers of the Novovensky school (in particular, Webern). The results of the research can be used in the process of further study of Brahms' creativity and various theoretical aspects of music at the turn of the XIX–XX centuries, as well as in performing and pedagogical practice.

Keywords: the new Vienna school, game, non-classical worldview, musical shaping, homogeneous sound fabric, non-classical trends, spontaneity, late romanticism, intermezzo, brahms

Аннотация: В статье впервые показан исторический экскурс участия Урала и Челябинской области на всемирных выставках ЭКСПО, в контексте межкультурной коммуникации, где через диалог культур, в рамках которого осуществляется взаимодействие между странами-участницами всемирной выставки по глобальным вопросам современности. Выставка, в широком понимании этого слова, прежде всего является значительным атрибутом культуры и культурной жизни определенной среды, формой распространения культуры. В научной литературе существует следующее определение: «…выставки – это основной презентационный инструмент культурной политики страны. Ведь они фиксируют в едином пространстве реальные результаты исследований   Каждая выставка пропагандирует культурные традиции народов и способствует обогащению культур. Что касается участия Урала – конечно, пока рано говорить о полноценном участии данной территории в диалоге культур на всемирных выставках, но первые шаги для того, чтобы стать полноправным участником диалога культур, регион совершил весьма достойно. Нет сомнений, что всемирная выставка ЭКСПО – это выдающееся международное событие. «Каждая страна-организатор прикладывает все усилия, чтобы обеспечить наиболее широкий масштаб мероприятия, привлечь большие массы посетителей и участников.Поэтому выставку следует рассматривать с глобальной точки

Ключевые слова: культура, экспозиция, социокультурная деятельность, ЭКСПО, диалог культур, богатство уральской культуры, всемирные универсальные выставки, различные формы диалога, декоративно-прикладное искусство, идея преемственности цивилизаций

Abstract: This article is a historical foray into participation of the Ural and the Chelyabinsk regions in the World Expos in the context of cross-cultural communication, in which the interaction between the exhibiting countries on the global questions of modernity takes place through the dialogue of cultures. In the broad sense, exhibition first and foremost is a significant attribute of culture and cultural life of a particular environment, and form of distribution of culture. The scientific literature features the following definition: “…exhibitions are the key presentation instrument of cultural policy of the country”. The real scientific achievements are concentrated in a single space. Each exhibition promotes different cultural traditions and contributes to the enrichment of cultures. As pertains to the participation of Ural, it is too early to speak of the full-fledged participation in the dialogue of cultures at World Expos; however, the region has made decent steps towards it. There is no doubt that the World Expo is an remarkable international event. Each host country makes every effort to ensure an immense scale of the event, attract wide audience of visitors and exhibitors. Therefore, the exhibition should be viewed from the global perspective.

Keywords: different forms of dialogue, world universal exhibitions, wealth of the Ural culture, dialogue of cultures, EXPO, social-cultural activities, exposition, culture, arts and crafts, the idea of the continuity of civilizations

Аннотация: В статье дается краткий системный анализ основных понятий так называемой новой науки об искусстве австрийского историка искусств Ханса Зедльмайра. Итогом изысканий Зедльмайра стало создание своей философии искусства и культуры, опирающихся на определенную картину мира. В основе этой науки лежит познание целого, а также единичного и уникального. Цель научного познания для Зедльмайра - понимание. Это предполагает не только отвлеченное знание, но и особый экзистенциальный опыт. Зедльмайр трактует понимание произведения искусства как его созерцание, которое, в свою очередь тождественно его актуализации или присутствию. В науке об искусстве Зедльмайра гносеологии и онтологии переходят друг в друга. Зедльмайр трактует произведение искусства одновременно и как событие и как социальный организм, в котором преодолевается как линейность времени, так и дробность множественности. Это, построенная на парадоксальном тождестве единого и многого, искусственная сложная система, и конечна, и бесконечна. В его воззрениях соединяется классический и неклассический подход к познанию целого. Зедльмайр стоит на принципах монизма, стремясь свести все понятия к единому основанию, к единой точке сингулярности, обозначающей синтез всех моментов целого, которую можно выразить одной категорией. Главная категория, которая буквально является центром противоположностей, - «середина» (Mitte). Данные идеи закономерны и логичны только в той научной картине мире, где тождественны онтология и гносеология, что предполагает, в свою очередь, единство созерцания и явления произведения. Поэтому в построениях Зедльмайра актуализация или воскресение произведения искусства оказывается тождественна акту его понимания. Системный подход к произведению искусства, который мы находим в теоретических трудах Зедльмайра, выходит за границы науки об искусстве, сближаясь с философией.

Ключевые слова: Произведение искусства, наука об искусстве, целое, система, середина, созерцание, понимание, событие, интерпретация, присутствие

Abstract: This article provides a brief systemic analysis of the key concepts of the so-called new science of art developed by the Austrian art historian Hans Sedlmayr. The result of Seldmayr’s pursuits are reflected in creation of his own philosophy of art and culture based on a particular worldview. The cognition of the whole, along with individual and unique, underlies this science. Understanding is the goal of scientific knowledge for Sedlmayr. It suggests not only abstract knowledge, but peculiar existential experience as well. Sedlmayr interprets the understanding of artwork as its contemplation, which in turn, is identical to its actualization or presence. In Seldlmayr’s art of science, epistemologies and ontologies merge into each other. He interprets artworks simultaneously as the event and as the social organism, which overcomes the linearity of time and fragmentation of plurality. This artificial complex system, built on the paradoxical identity of the single and plenty, is both finite and infinite. Sedlmayr’s views encompass classical and nonclassical approach towards cognition of the whole. He relies on the principles of monism, seeking to reduce all concepts to a single basis, single point of singularity that designates the synthesis of all the moments of the whole and can be expressed by a single category. The main category, which resembles the center of the opposites, is the “midpoint” (Mitte). The aforementioned ideas are consistent and logical only in such scientific worldview that identifies ontology and epistemology, which implies the unity of contemplation and phenomenon of the artwork. Therefore, in Sedlmayr's constructions, actualization or revival of the artwork is identical with its comprehension. The systemic approach towards the artwork reflected in the theoretical works of Sedlmayr extends the boundaries of art science and converges with philosophy.

Keywords: the understanding, the contemplation, the middle, the system, the whole, the science of art, The work of art, the event, interpretation, dasein