Аннотация: В статье впервые исследуется особенности стиля камерно-инструментальных сочинений Маргариты Ивановны Кусс (1921-2009), произведения которой исполнялись на различных концертных площадках в России и за рубежом. Ведущие отечественные композиторы и музыканты – Г. Свиридов, Д. Шостакович, Б. Чайковский, Н. Пейко, А. Эшпай, Р. Леденёв, Е. Светланов, В. Федосеев, М. Мирошникова – высоко ценили творческое наследие М. Кусс. Однако на настоящее время существует только одна работа, посвящённая её творчеству; она принадлежит Ю.Б. Абдокову. В настоящей статье представлено обзорное рассмотрение камерно-инструментальных опусов композитора – Первой и Второй сонаты для скрипки и фортепиано, а также детальный анализ Третьей сонаты для скрипки и фортепиано. Исследование базируется на теоретико-аналитическом подходе, позволяющем провести системное изучение музыкальных произведений с акцентом на характерных приемах композиторской техники, включая анализ мелодических, гармонических и инструментальных средств выразительности. Статья представляет собой первое масштабное исследование особенностей камерно-инструментальных сочинений М.И. Кусс. В научный оборот впервые вводятся воспоминания и размышления известных современников Маргариты Ивановны, что позволяет по-новому взглянуть на специфику её творчества. Проведенный анализ камерно-инструментальных сочинений выявляет уникальные особенности композиторского стиля автора. Исследование вносит существенный вклад в изучение отечественного музыкального искусства второй половины XX – начала XXI веков, расширяя представление о развитии камерной музыки в этот период. Полученные результаты могут быть использованы в дальнейших исследованиях творчества М.И. Кусс и отечественного музыкального наследия в целом, а также в возможности использования материалов статьи в рамках вузовских курсов, таких как «История русской музыки», «Анализ музыкальных произведений».

Ключевые слова: Маргарита Кусс, камерно-инструментальная музыка, поэтика, скрипка и фортепиано, неоромантизм, стиль, композиторские техники, художественный поиск, музыкальная форма, фактура

Abstract: The article explores for the first time the characteristics of the style of chamber instrumental works by Margarita Ivanovna Kuss (1921-2009), whose compositions were performed in various concert venues both in Russia and abroad. Leading domestic composers and musicians - G. Sviridov, D. Shostakovich, B. Tchaikovsky, N. Peiko, A. Eshpai, R. Ledenev, E. Svetlanov, V. Fedoseev, M. Miroshnikova - highly valued the creative legacy of M. Kuss. However, to date, there is only one work dedicated to her oeuvre, authored by Yu.B. Abdokov. This article presents an overview of the composer's chamber instrumental opuses - the First and Second Sonatas for violin and piano, as well as a detailed analysis of the Third Sonata for violin and piano. The research is based on a theoretical-analytical approach that allows for a systematic study of musical works, focusing on characteristic features of the composer's techniques, including the analysis of melodic, harmonic, and instrumental means of expression. The article represents the first large-scale study of the characteristics of M.I. Kuss's chamber instrumental compositions. For the first time, the memories and reflections of well-known contemporaries of Margarita Ivanovna are introduced into scientific circulation, offering a new perspective on the specifics of her creative work. The conducted analysis of chamber instrumental compositions reveals the unique features of the author's compositional style. The study makes a significant contribution to the understanding of domestic musical art in the second half of the 20th - early 21st centuries, expanding the knowledge of the development of chamber music during this period. The results obtained can be used in further research on the work of M.I. Kuss and on domestic musical heritage as a whole, as well as in the possibility of utilizing the article's materials within university courses such as "History of Russian Music" and "Analysis of Musical Works."

Keywords: musical form, composing techniques, artistic search, style, neo-romanticism, violin and piano, poetics, chamber instrumental music, Margarita Kuss, texture

Аннотация: В качестве предмета исследования рассматриваются две хронологически близкие музыкальные интерпретации мифа об античном титане Прометее: симфоническая поэма А.Н. Скрябина и хор С.И. Танеева из цикла «Двенадцать хоров для смешанных голосов на стихи Я.П. Полонского». В статье рассматривается специфика трактовки Прометея, одного из центральных символов европейской культуры. Отмечается, что за свою долгую историю содержание мифа о Прометее интерпретировалось в широком диапазоне от бунтовщика, идущего на самопожертвование ради человечества, до вдохновенного художника-творца, открывшего людям блага культуры; от святого великомученика и пророка истинного Бога, до предводителя революционных народных масс. В результате анализа делается вывод, что в произведении Танеева центральным мотивом выступает призвание художника, идущего на самопожертвование против сил зла и невежества. У Скрябина Прометей трактован, как активная творческая энергия Вселенной, вступающая в борьбу с материей и преобразующая её. В анализе также выявляется ряд стилевых параллелей в наследии двух композиторов, таких как, философская концептуальность, монументальность замысла и его реализации, устремленность к преображению человека через искусство, рациональные основания творчества, ориентация на западноевропейские образцы искусства. В качестве противоположных стилистических черт отмечается принадлежность композиторов к разным полюсам охранительства и новаторства в искусстве, различающиеся подходы к использованию литературного слова. Подчёркивается влияние новаторских прозрений композиторов на пути развития музыкального искусства XX века.

Ключевые слова: Танеев, Скрябин, Прометей, миф, Хоровой цикл, Симфоническая поэма, Символ, Интерпретация, Полонский, Серебряный век

Abstract: Two chronologically close musical interpretations of the myth of the ancient titan Prometheus are considered as the subject of the study: the symphonic poem by A.N. Scriabin and the chorus by S.I. Taneyev from the cycle "Twelve Choirs for Mixed Voices to the poems of Ya.P. Polonsky". The article discusses the specifics of the interpretation of Prometheus, one of the central symbols of European culture. It is noted that over its long history, the content of the Prometheus myth has been interpreted in a wide range from a rebel who goes to self-sacrifice for humanity, to an inspired artist-creator who revealed the benefits of culture to people; from the holy great martyr and prophet of the true God, to the leader of the revolutionary masses of the people. As a result of the analysis, it is concluded that the central motive in Taneyev's work is the vocation of the artist, who goes to self-sacrifice against the forces of evil and ignorance. In Scriabin, Prometheus is interpreted as the active creative energy of the Universe, entering into a struggle with matter and transforming it. The analysis also reveals a number of stylistic parallels in the legacy of the two composers, such as philosophical conceptuality, monumentality of the idea and its implementation, striving for the transformation of a person through art, rational foundations of creativity, orientation to Western European art samples. As opposite stylistic features, the composers belong to different poles of protectiveness and innovation in art, and different approaches to the use of the literary word are noted. The influence of innovative insights of composers on the development of musical art of the XX century is emphasized.

Keywords: Interpretation, Symbol, Symphonic Poem, Choral cycle, myth, Prometheus, Scriabin, Polonsky, Taneyev, The Silver Age

Аннотация: В центре внимания данной статьи находится Шестая «Литургическая» симфония Андрея Яковлевича Эшпая – одного из ярких представителей отечественной и мировой музыкальной культуры современности. Сочинение рассматривается в ракурсе сакральности, в полной мере определяющем его художественно-конструктивные закономерности и драматургическую перспективу. Научная новизна работы обусловлена самим предметом исследования, впервые применяемом в отношении данного сочинения. Для изучения феномена сакральности потребовалось использование междисциплинарного подхода, включающего в себя методы системно-структурного, сравнительного, семиотического, герменевтического анализа. Пристальное внимание было уделено рассмотрению свойств музыкальной текстуры как основного показателя пространственно-временной организации музыкального материала. Аналитически значимыми оказались коннотативно-денотативные свойства музыкального синтаксиса. Не менее важной явилась и роль межтекстуальных взаимодействий, определяющих языковые механизмы текста и раскрывающих план его содержания. Было установлено, что феномен сакральности, отвечая эстетическим установкам мастера, реализуется комплексно – как сопряжение философско-мифологического и духовно-религиозного дискурсов, каждый из которых обладает собственной системой знаков. Функционирование знаковых систем на синтагматическом и парадигматическом уровнях текста приводят к языковым различиям инструментального и хорового разделов симфонии, обнаруживают явления смысловой многоплановости, полихронности, обеспечивающие сквозное становление и развитие литургической идеи. В результате таких взаимодействий формируется жанровое пространство симфонии, представляющее собой синтетический, универсальный, коммуникативный концепт.

Ключевые слова: сакральность, симфония, Андрей Яковлевич Эшпай, современная отечественная музыка, музыкальная фактура, коннотация, денотация, музыкальный текст, симфоническая драматургия, знаменный распев

Abstract: This article focuses on the Sixth "Liturgical" Symphony of Andrei Yakovlevich Eshpai, one of the brightest representatives of the national and world musical culture of our time. The composition is considered from the perspective of sacrality, which fully determines its artistic and constructive patterns and dramatic perspective. The scientific novelty of the work is due to the subject of research itself, which was first used in relation to this work. To study the phenomenon of sacrality, it was necessary to use an interdisciplinary approach, including system-structural, comparative, semiotic, and hermeneutic analysis methods. Close attention was paid to considering the properties of musical texture as the main indicator of the spatiotemporal organization of musical material. The connotative and denotative properties of the musical syntax turned out to be analytically significant. No less important was the role of intertextual interactions that determine the text's language mechanisms and reveal its content’s plan. It was established that the phenomenon of sacrality, responding to the aesthetic attitudes of the master, is implemented comprehensively—as a conjugation of philosophical, mythological, and spiritual-religious discourses, each of which has its own system of signs. The functioning of sign systems at the syntagmatic and paradigmatic levels of the text lead to linguistic differences in the instrumental and choral sections of the symphony, revealing phenomena of semantic multiplicity, polychronicity, ensuring the end-to-end formation and development of the liturgical idea. As a result of such interactions, the genre space of the symphony is formed, which is a synthetic, universal, communicative concept.

Keywords: musical text, denotation, connotation, musical texture, contemporary domestic music, Andrei Yakovlevich Eshpai, symphony, sacrality, symphonic dramaturgy, znamenny chant

Аннотация: В творчестве Шостаковича образная наполненность становится первостепенно важной константой любой концепции, в которой превалирует установка на глубину слушательского проникновения в противоречивое музыкальное целое. Естественно, что различные образные состояния заключены в определенные, главенствующие образные пласты: эпос, лирику, драму с присущими им разноплановыми эмоциональными оттенками и способами развертывания материала. Основным объектом при этом в статье является Сюита для двух фортепиано, созданная композитором в 1922 году и отражающая мысли композитора после ухода из жизни его отца. Именно с этим связан факт наличия в опусе образов и тем, связанных с эпосом, с эпической формой романа.   Сюита впервые в искусствоведении рассматривается как музыкальный роман: проводятся параллели между романом как жанром литературы и романом как возможной формой повествования и развития содержания музыкального произведения. В этом видится научная новизна представленной статьи. Доказано, что в связи с особой формой повествования Сюита отличается новыми для сферы фортепианного дуэта в целом признаками: многосоставностью формы целого, контрастностью драматургических «переломов», «пестротой» художественных и музыкальных образов а, следовательно, и виртуозностью исполнения. Все это, в свою очередь, предопределило и во многом новое для жанра распределение тематических построений.

Ключевые слова: искусствоведение, музыковедение, философия музыки, теория музыки, музыкальное искусство, содержание искусства, фортепианный дуэт, Шостакович, музыка ХХ века, эпос

Abstract: In Shostakovich’s creative work, metaphoric completeness becomes the most important constant of any concept, in which the orientation to the depth of the audience’s penetration into the controversial music whole prevails. Naturally, different metaphoric states are enclosed in definite, prevailing metaphoric layers: epos, lyrics, and drama with typical for them various emotional shades and the ways of narrative development. The research object in the article is the suite for two pianos created by the composer in 1922, which reflects the composer’s state of mind after his father’s death. It explains the images and themes in the composition, which  are connected with epos and the epic form of a novel. For the first time, the study of art considers a suite as a musical novel: the author parallels between a novel as a genre of literature and a novel as a possible form of narration and development of a piece of music. It represents the scientific novelty of the article. The author proves that due to its special form of narration, the suite has the features new to the field of piano duet: polysynthetism of the form of the whole, variety of drama “fractures”, diversity of artistic and musical metaphors, and, consequently, the virtuosity of performance. In its turn, it has predetermined the allocation of thematic structures, considerably new for the genre.   

Keywords: the content of art, musical art, theory of music, philosophy of music, musicology, art history, piano duet, Shostakovich, 20th century music, epic

Аннотация: Статья посвящена инструментальному творчеству современного русско-израильского композитора Ильи Хейфеца. Его жизненный и творческий путь очевидно делится на два этапа: русский (до 1991 года) и израильский, в каждый из которых с особой остротой встает вопрос осмысления своих национальных корней в жизни и в творчестве. Одним из примеров обращения к этой проблеме в сочинениях Хейфеца советского периода становится Концерт для скрипки с оркестром. Соединение в этом произведении закономерностей построения академического жанра с интонационными и структурными особенностями еврейского фольклора рассматривается нами как стремление композитора осмыслить свою национальную идентичность.    Интонационный и тематический анализ Концерта в сопоставлении с высказываниями композитора, почерпнутыми из личной переписки, позволяет сделать вывод о наличии в произведении скрытой программы, раскрывающей тему истории еврейского народа и еврейского национального характера и отражающей особенности восприятия собственной национальной принадлежности субэтнической группой русских евреев. Поскольку основной чертой данного субэтнического сообщества является русский язык и специфически усвоенная через него русская культура, особое внимание в статье уделяется тому, как именно в сочинении, основанном на еврейских интонациях и жанрах проявили себя особенности русской композиторской школы.

Ключевые слова: современное композиторское творчество, Илья Хейфец, скрипичный концерт, еврейская национальная идентичность, русские евреи, еврейский фольклор, клезмер, скрытая программность, музыкальные цитаты, антисемитизм

Abstract: This article explores the creative instrumental works of the modern Russian-Israeli composer Ilya Heifetz. His life and creative experience have two definite stages: one in Russia before 1991 and the other in Israel, each marked by the challenge of reconsidering his national roots in his personal life and artistic work. One of the examples of addressing this problem in Heifetz’s compositions of the Soviet period is his violin concerto. In this research, the author considers the composer’s combination of academic genre patterns with the intonational and structural peculiarities of Jewish folklore as an effort to comprehend his own national identity. Through the intonation and thematic analysis of the concerto, as well as the composer’s personal letters, it can be concluded that the piece contains a hidden message that addresses the history of the Jewish people and their national character, reflecting the unique peculiarities of Russian Jews as they attempt to understand their own national identity. As the main characteristic of this subethnic group is the Russian language and Russian culture perceived through it, the author of this article focuses on how the peculiarities of the Russian composing schools manifest themselves in this piece of music based on Jewish intonations and genres.  

Keywords: Jewish folklore, Russian Jews, Jewish national identity, violin concerto, Ilya Kheifets, contemporary composer's work, klezmer, hidden programming, musical quotes, anti-Semitism

Аннотация: В последнем произведении С.И. Танеева - кантате "По прочтении псалма" в наивысшей концентрации реализовалось многогранное мастерство композитора, его творческое credo, мысли и чувства, определявшие весь жизненный путь. В ряде исследований советского периода можно встретить весьма неоднозначные и в целом тенденциозные суждения о значении и содержании кантаты. Как правило, в них дезавуировался основной - религиозно-философский контекст произведения, лишь в работах последних десятилетий этому аспекту уделяется пристальное внимание. В данном исследовании предложен собственный вариант трактовки религиозно-философской концепции произведения, основанный на анализе работы композитора с литературным текстом и выявлении семантических взаимосвязей между поэтическим и музыкальным содержанием кантаты. Автор исследования приходит к выводу, что Танеев не ставит перед собой задачу буквального отражения литературного текста в музыке, а использует его, прежде всего, в качестве источника ярких образных ассоциаций, заданная последовательность которых позволяет ему выстроить определенную религиозно-философскую картину мира. Музыкальный номер кантаты можно разделить на две содержательные сферы: макрокосм – модель мироздания в ее религиозно-философском представлении (№№ 1-4), микрокосм – человек и путь его духовного становления в земном мире, приводящий к осознанию высших нравственных основ жизни, сформулированных в священном тексте (№№ 5-9).

Ключевые слова: Танеев, кантата, музыкальная семантика, Хомяков, Христианство, аллегория, символ, метафора, микрокосм, макрокосм

Abstract: In the last work by S.I. Taneev - a cantate “At the reading of a psalm” - a multifaceted mastery of the composer, his artistic convictions, which had defined his life journey, manifested themselves to the highest degree. In some research works of the Soviet period, rather ambiguous and tendentious assertions about the meaning and the content of the cantata can be found. Usually, they disavow the key - religious and philosophical - context of the composition, and only the works of the recent decades focus on this aspect. The author of this article offers the variant of the interpretation of the religious and philosophical concept of the composition based on the analysis of the composer’s work with a literary text and the detection of semantic interrelations between the poetic and the musical contents of the cantata. The author concludes that Taneev doesn’t set himself a task to literally reflect the literary text in music, but uses it, principally, as a source of colorful vivid associations, the preassigned order of which allows him to create a particular religious and philosophical worldview. The musical part of the cantata can be divided into two conceptual spheres: macrocosm - the universe in its religious and philosophical understanding (NN 1-4), and microcosm - a person and the way of her spiritual evolvement in the world, leading to the understanding of the highest moral fundamentals of life, formulated in the sacred text (NN 5-9).   

Keywords: microcosm, metaphor, symbol, allegory, Christianity, Khomyakov, musical semantics, cantata, Taneev, macrocosm

Аннотация: Объектом исследования стала духовная музыка известного норвежского композитора Х. Соммерро (род. 1952), одна из ярких составляющих его многогранного творчества. Она впервые в отечественной литературе рассматривается через анализ одного из главных сочинений композитора, полная партитура которого также впервые вводится в научный оборот, вместе с изучением записей позволяя понять, как композитору удается органично связать литургические и светские компоненты, поэтический и музыкальный тексты, насколько они высвечивают новейшие направления в музыке. Предметом исследования становится музыкальная драматургия и средства художественной выразительности «Партизанского реквиема» Соммерро (2000) в исполнении сводного норвежского-российского хора ( Мурманск, 2019). Впервые в отечественной литературе рассмотрен партизанский реквием Соммерро. Исследование показало, что композитором выдержан образный строй исторически сформировавшейся модели жанра. За счет средств музыкальной выразительности, «цитирования», выдающего постмодернистские практики композитора, жанр узнается, обозначая одновременно актуальные «места памяти». При этом драматургически латинские и норвежские тексты «расставлены» в соответствии с внутренней связью, монологические включения чтеца часто звучат в сопровождении неполного состава оркестра, темброколорит которого, с одной стороны, тематически объединяет норвежские тексты с образно-музыкальной сферой произведения, с другой - углубляет восприятие идей, заложенных в них. Краткость стихотворных фраз усиливает значимость каждой, они ритмически сопряжены с литургическими текстами, что помогает создать единую лексическую и музыкальную ткань произведения через сложно-сочлененное взаимодействие хора, оркестра, солистов и актера- чтеца.

Ключевые слова: средства музыкальной выразительности, музыкальная драматургия, тема Божьего гнева, Партизанский реквием, норвежский поэт Ольсен, норвежский композитор Соммерро, диалог культур, места памяти, слово и музыка, музыкальные подтексты

Abstract: The research object is the sacred music of a well-known Norwegian composer Henning Sommerro (born 1952), one of the bright components of his multifaceted creative work. The present article is the first work within the Russian scientific literature analyzing this aspect through the prism of one of the key works of the composer. The authors are also the first to introduce the complete musical score of the composition into the scientific discourse. Along with the recordings, it helps to understand how the composer manages to successfully combine the liturgical and secular components, the poetical and musical texts, and how they outline the modern musical directions. The research subject is the musical drama and expressive means of the “Partisan Requiem” (2000) by Sommerro performed by the combined Russian-Norwegian choir (Murmansk, 2019). The research shows that the composer keeps the graphic structure of the historically formed model of the genre. Owing to the musical expressive means and “citation”, demonstrating the postmodernist practices of the composer, the genre becomes recognizable, denoting the important “memory spaces”. At the same time, in terms of drama, Latin and Norwegian texts are “arranged” according to the internal connection, the monologue inclusions of the narrator are often accompanied with a reduced orchestra, whose timbre and color, on the one hand, thematically unite the Norwegian texts with the graphic and musical sphere of the composition, and on the other hand, deepen the understanding of the ideas underlying them. The briefness of poetic verses strengthens the importance of each of them; they are rhythmically linked to liturgical texts thus helping to create a single lexical and musical fabric of the composition by means of a complex interaction of the choir, the orchestra, the soloists and the actor-narrator.   

Keywords: dialogue of cultures, means of musical expression, musical dramaturgy, theme of God 's wrath, Partisan requiem, Norwegian poet Olsen, Norwegian composer Sommerro, places of cultural memory, word and music, musical subtexts

Аннотация: В статье предпринята попытка выявить методологию структурного анализа музыкального тембра. Предметом исследования здесь выступает музыкальный тембр, а объектом – его знаковая система. Беря за основу семиотическую систему Ф. де Соссюра, автор выделяет в знаковой структуре музыкального тембра два алгоритма – произвольность и линейность. Рассматривая первый принцип, автор раскрывает антропологическую природу тембрового знака, формирующую тотальную вариативность тембрового знака и некоторые закономерности восприятия музыкального тембра. Второй принцип рассматривается через призму психоакустики, что позволяет выявить и определить структурный принцип линейности как первичный механизм восприятия музыки. Научная новизна работы заключается в первом опыте исследования музыкального тембра с позиции структурной организации. Впервые тембр рассматривается здесь как знаковая система, имеющая структурные принципы. Вследствие того, что музыковедение до сих пор не имеет адекватного понятийного аппарата для структурного анализа тембрового пространства, соссюрианская модель становится особенно ценной, прежде всего, тем, что она возникла как попытка выстроить такую языковую систему, которая учитывала бы соотношения и взаимоотношения языка и речи. В этом и заключается новизна и актуальность данной работы, которая предлагает определённый алгоритм структурного анализа музыкального тембра.

Ключевые слова: тембр, музыкальный тембр, структурный анализ, знаковая система, знак, антропологический принцип, психоакустика, восприятие музыки, психология восприятия, музыкальный инструмент

Abstract: The author attempts to explain the methodology of structural analysis of music timbre. The research subject is music timbre, and the object is its semiotic system. Based on the semiotic system developed by  Ferdinand de Saussure, the author outlines two algorithms within the structure of music timbre - randomness and linearity. Considering the first principle, the author explains the anthropologic nature of a timbre sign, forming the total variability of a timber sign, and some patterns of music timber perception. The second principle is considered through the prism of psycho-acoustics which helps to detect and define the structural principle of linearity as a primary mechanism of perception of music. The scientific novelty of the research consists in the first experience of studying music timbre in terms of its structural organization. For the first time timbre is considered as a semiotic system with structural principles. Since musicology still doesn’t have an appropriate conceptual framework for structural analysis of a timbre space, the model by Saussure becomes especially valuable, primarily because of the fact that it emerged as an attempt to build such a language system which would take into account the correlation and interrelation between language and speech. This is the content of the novelty and topicality of the research which is based on a certain algorithm of structural analysis of music timbre. 

Keywords: music perception, psychophysics, anthropological principle, sign, sign system, structural analysis, music timbre, timbre, psychology of perception, musical instrument

Аннотация: Объектом исследования стала вокально-инструментальная музыка известного саратовского композитора Елены Гохман (1935-2010) как одна из важнейших частей её творчества. Предметом исследования становится музыкальная драматургия лирических строф «О чём поёт ветер» (2009), рассмотренная в контексте вокально-инструментального творчества композитора ради выявления сюжетной линии, сути авторских поэтических и музыкально-инструментальных «ходов» и предпочтений, уяснения жанровой принадлежности сочинения. Авторы подробно рассматривают: причины обращения Е. Гохман к поэзии А. Блока, суть авторских предпочтений в отношении исполнительского состава, степень проявленности сюжетной линии лирических строф, жанровую принадлежность сочинения, тематические и интонационные связи с первым музыкальным лирическим циклом композитора на блоковские тексты начала 1970-х гг.      Вокально-инструментальная музыка Е. Гохман впервые рассматривается через специальный анализ одного из поздних сочинений композитора, лирические строфы "О чём поёт ветер", полная партитура которых также впервые вводится в научный оборот. Авторы обращаются к методам включенного наблюдения, герменевтических практик выявления подтекстов, компаративистике. Они позволяет выявить, к каким творческим итогам в области «малых» форм пришла Е. Гохман, насколько они прорисовывают динамику композиторского пути, соответствуют новейшим направлениям в музыке. Исследование показало, что из разновременных и выбранных из разных циклов стихов А. Блока композитор выстраивает единую, тонкую, едва уловимую сюжетную линию, которую прочерчивает при помощи особых музыкальных средств (удары колокола, звучание хора как лейттембр героини) и интонаций (лейтмотив девушки и её песни), пронизывающих сочинение. Партии музыкальных инструментов, особенно виолончели, позволяют композитору наполнить произведение новыми смыслами и дают ключ к интерпретации и его жанровому определению как сюиты.

Ключевые слова: музыкальные подтексты, поэтические тексты, исполнительский состав, вокально-инструментальный цикл, признаки современной сюиты, музыкальная драматургия, Александр Блок, композитор Елена Гохман, поэзия и музыка, лейтмотив и лейттембр

Abstract: The research object is the vocal-instrumental music of a well-known Saratov composer Elena Gokhman (1935 - 2010) as one of the crucial parts of her creative work. The research subject is the musical drama of the lyrical verses “What the wind is singing about” (2009) considered in the context of the vocal-instrumental works of the composer which is analyzed in order to reveal the plotline and the essence of the author’s poetic and musical-instrumental “moves” and preferences and to understand the genre identity of the composition. The researchers analyze the reasons of Gokhman’s turn to the poetry of A.Blok, the idea of the author’s preferences in relation to the performers collective, the presence of the plotline of the verses, the genre identity of the composition, thematic and intonational links with the first lyrical musical cycle of the composer based on Blok’s poetry of the 1970s. The vocal and instrumental music of Gokhman is considered through the lens of specific analysis of one of the late works of the composer, the complete musical score of the verses “What the wind is singing about” is introduced into scholarly discourse for the first time. The authors use the methods of overt observation, hermeneutical practices of subtext detection, and comparative studies. They help to find out what creative conclusions in the field of “small” forms Gokhman had arrived at, and to what extent they draw the details of the dynamics of the author’s way and comply with the modern music genres. The research shows that the composer builds a single, thin and subtle plotline out of various Blok’s poems of different periods of time, which is drawn by means of special musical means (bell tolls and the sound of the chorus as the leading timbre of the heroine) and intonations (the leading idea of the girl and her song) piercing the composition. The parts of musical instruments, especially the violin, help the composer to fill the composition with new senses and give the key to its interpretation and genre identification as a suite.  

Keywords: poetry and music, musical subtexts, poetic texts, performing staff, vocal-instrumental cycle, signs of a modern suite, musical dramaturgy, Alexander Block, composer Elena Gokhman, keynote and leittembre

Аннотация: Статья посвящена проблеме текстовых заимствований из собственных сочинений, как способе авторского самопонимания и самоинтерпретирования, в стилеообразовании позднего периода творчества П. И. Чайковского (1890–1893-е гг.). Материалом исследования является последний вокальный цикл композитора – Шесть романсов на стихи Д. Ратгауза, ор.73 (1893). В орбиту обозначенной проблематики попадает так же ряд произведений, относящихся к последнему четырехлетию жизни композитора: опера «Пиковая дама», Шестая симфония, балет «Щелкунчик», опера «Иоланта». Особое внимание уделяется целостному стилевому обоснованию таких специфических приемов «автогерменевтики» как анаграммирование, автоцитирование, тональные реминисценции, композиционно-драматургические корреляции. Заявленную проблему автор рассматривает в интертекстуальной плоскости, аттестуя ее как «автоинтертекстуальность», в изучении которой опирается на методологию интертекста французской структуралистской школы (Ф. Соссюр, Ю. Кристева), а также отечественных исследователей феномена автоинтертекстуальности (В Топоров, Т. Фатеева). Дополнительным методологическим вектором становится мифопоэтическое обоснование анаграммирования (обнаружения авторской монограммы), для чего привлекается инструментарий ономатологических концепций мифа (А. Лосев, Ю. Лотман). В результате подобного интегративного (интертекстуально-мифопоэтического) подхода весьма «неожиданные» (на первый взгляд) проявления автоинтертекстуальности (присутствие в цикле монограммы «СНА», цитатного материала из разных сочинений, нетрадиционного тонального плана, «антифинальной» циклической композиции) получают целостное семантическое обоснование, каковым становится авторский миф «об обретении Имени». Таким образом, найденная методологическая стратегия может в дальнейшем применяться в изучении, как отдельных опусов, так и корпусных текстовых образований.

Ключевые слова: Чайковский, последний вокальный цикл, Даниил Ратгауз, автоинтертекстуальность, анаграмма, автоцитирование, ономатология, Именной текст, мифопоэтика, антифинальность

Abstract: The article considers the problem of textual borrowings from his own compositions as a way of author’s self-understanding and self-interpreting, in the style formation of the latest period of Tchaikovsky’s work (1890-1893). The research is based on the last vocal cycle of the composer - Six Romances, op. 73 (1893). The problem field of the research also covers a range of compositions related to the last four years of the composer’s life: “The Queen of Spades” opera, Sixth Symphony, “The Nutcracker” ballet, and an opera “Iolanta”. Special attention is given to the integral stylistic substantiation of such specific techniques of “self-hermeneutics” as anagrammatizing, self-citing, tonal reminiscences, and composition-drama correlations. The author considers the declared problem in the intertextual context, classifying it as “self-intertextuality”, and uses the intertext methodology of the French structuralist school (F. Saussure, Ju. Kristeva), and the Russian researchers of the phenomenon of self-intertextuality (V. Toporov, T. Fateeva). An additional methodological direction is a mythopoetic substantiation of anagrammatizing (the detection of an author’s monogram), for which the author uses the instruments of onomastic concepts of myth (A. Losev, Yu. Lotman). As a result of such an integrative (intertextual and mythopoetic) approach, very “unexpected” (at least at first sight) manifestations of self-intertextuality (the presence of a monogram “SNA”, citations from various compositions, non-conventional tone plan and “anti-final” cyclic composition in the music cycle) are comprehensively semantically substantiated by the author’s myth about “Name acquisition”. Thus, the discovered methodological strategy can be used for studying particular opuses and corpus-based text forms.   

Keywords: Name text, onomatology, autocitation, anagram, autointertextuality, Daniel Rathaus, the last song cycle, Tchaikovsky, mythopoeia, anti-finality

Аннотация: Статья посвящена рассмотрению синестезиса двух знаковых феноменов русской христианской культуры – знаменного пения и искусства буквописикаллиграфии. Цель исследования – выявить наиболее очевидные аспекты проявленности мультисенсорности в терминологии и графологии обоих явлений. Объектом изучения является семантический уровень знаменной терминологии, графологический план каллиграфии и семиотика пространства рукописного текста, объединяющий в певческих богослужебных книгах эти два искусства. Анализ семиографии знаменного пения базируется на убеждении взаимосвязи восприятия феномена знаменного пения и знамени в частности как комплекса разномодальных ощущений. Методологическую основу исследования составляют разработанные в современной науке методы когнитивного музыкознания, сравнительного искусствознания (И. В. Мациевский), музыкальной литургики, исследований по проблеме мультисенсорной природы восприятия искусства, лекции и мастер-классы по искусству каллиграфии П.П.Чобитько, а так же иеротопический подход в изучении явлений церковной культуры А.М.Лидова. Научная новизна заключается в подходе к рассмотрению двух явлений церковно-славянской культуры с точки зрения синестетических кодов христианской культуры. Результатом исследования стал вывод об отражении отображении в искусстве знаменного пения и церковно-славянской каллиграфии, семиотики храмового богослужебного пространства, построенного на основе особого визуально-пространственного кода христианской традиции, наличии пространственности как характерного качества рукописного текста богослужебной книги.

Ключевые слова: знаменное пение, церковно-славянская каллиграфия, богослужебная книга, синестетические коды, знаменная нотация, иеротопия, Бражников, Лидов, лингвопластика, образ-парадигма

Abstract: The article considers the synaesthesia of the two symbolic phenomena of Russian Christian culture -  znamenny chant and the art of calligraphy. The purpose of the research is to detect the most evident aspects of multisensority in the terminology and graphology of the both phenomena. The research object is the semantic level of the znamenny terminology, the graphological plan of calligraphy and the semiotics of the space of a handwritten text uniting these arts in religious chants books. The analysis of the semiography of znamenny chant is based on the idea about the interrelation between the perception of the phenomenon of znamenny chant and “znamya” itself as a set of equal mode senses. The research methodology is based on the methods of cognitive musicology, comparative Art Studies (I.V. Matsievsky), musical liturgics, the studies of the multisensor nature of the perception of art, lectures and workshops on the art of calligraphy by P.P. Chobitko, and the hierotopy approach to studying the phenomena of the church culture developed by A.M. Lidov. The scientific novelty of the research consists in the approach to the consideration of the two phenomena of the Church-Slavonic culture from the viewpoint of synesthetic codes of the Christian culture. The author arrives at the conclusion that znamenny singing is reflected in art together with the Church-Slavic calligraphy and the semiotics of the church liturgical space based on a special visual-spatial code of the Christian tradition and spaciousness as a feature of a handwritten text of a religious book.   

Keywords: Brazhnikov, hierotopy, Znamenny notation, synesthetic codes, liturgical book, Church Slavonic calligraphy, Znamenny singing, Lidov, linguoplasty, paradigm image

Аннотация: Исследование статьи направленно на выявление смыслообразующих стимулов одного из загадочных произведений Сезара Франка "Три хорала для большого органа". Основная проблема в интерпретации цикла связана с отсутствием опоры на подлинные мелодии старинных церковных песнопений. Традиционно их присутствие в музыкальных сочинениях образует смысловое ядро благодаря коннотации хорального вербального текста. В статье обращается внимание на новаторский подход Сезара Франка в создании "Хоралов" в духе хоральных фантазий, принципы его композиторского мышления и выявление внутренней смысловой структуры сочинения. С целью раскрыть содержание музыки "Хоралов" С. Франка, был избран комплексный подход, учитывающий культурно-исторический контекст, влияние научных концепций в области иконографии и иконологии, распространенных во Франции с 30-х гг. XIX века, особенности творческого мышления С. Франка, имеющего признаки синестезийности. Музыкально-герменевтический и семиотический анализ позволил рассмотреть элементы музыкального языка, такие как музыкальная символика, музыкально-риторические фигуры, семантика тональностей и прочие как репрезентанты внутренней смысловой структуры. На основе проведенного исследования автор статьи выдвинул собственное предположение - хоралы С. Франка представляют собой основные доктринальные образы Христа в плане их пространственного расположения в помещении католической церкви согласно разработанному еще в средневековом богословии иконическому сценарию. Параллели с иконографическими и иконологическими принципами в построении музыкальных образов позволили смоделировать следующую смысловую структуру цикла: Хорал № 1 - «Рождество Христово», Хорал № 2 - «Страсти Христовы», Хорал № 3 - «Воскресение Христово». В плане храмового пространства эти образы соответствуют входу, центральной части, алтарю.

Ключевые слова: Сезар Франк, хорал, готическое искусство, иконография, иконология, музыкальная символика, музыкальная риторика, музыкальная семиотика, музыкальное содержание, музыкальный романтизм

Abstract: The purpose of the study is to reveal the meaning-making impetuses of one of mysterious works of Cesar Franck “Three chorales for Organ”. The key problem in the cycle interpretation is connected with the absence of the reference to genuine melodies of ancient temple singings. Traditionally, their presence in music works forms a conceptual core due to the connotation of a choral verbal text. The author of the article gives attention to Franck’s pioneer approach to the creation of the “Chorales” in the vein of choral fantasies, the principles of his composer’s thinking and the revelations of the inner conceptual structure of the composition. To reveal the content of the music of the “Chorales”, the author uses the complex approach taking into account the cultural and historical context, the influence of scientific concepts in the field of iconography and iconology, which had been popular in France since the 1830s, the peculiarities of Franck’s creative thinking with the signs of synaesthetic nature. The music-hermeneutical and semiotic analysis helped to consider the elements of the music language , such as music symbolism, music-rhetorical figures, semantics of modes and other representatives of the inner conceptual structure. Based on the research, the author makes an assumption that Franck’s chorales are the basic doctrinal images of Christ in terms of their spatial location in a Catholic church according to the iconic scenario developed as far back as in medieval theology. Correlations with iconographic and iconological principles in the composition of music images helped to design the following conceptual structure of the cycle: Chorale #1 - “The Nativity of Christ”, Chorale #2 - “The Passion of Christ”, Chorale #3 - “The Resurrection of Christ”. In terms of temple space, these images correspond to the entrance, the central part and the altar.   

Keywords: musical semiotics, musical rhetoric, musical symbolism, iconology, iconography, gothic art, choral, Cesar Frank, musical content, musical romanticism

Аннотация: Объектом исследования стал «Немецкий реквием» И. Брамса, который являет собой уникальный метатекст, концентрирующий разнообразные смысловые структуры, как текстологические, так и музыкальные. Они выступают в качестве культурных кодов, которые заключают в себе широкий культурно-исторический контекст: он был сформирован системой паттернов национальной немецкой культуры ― религией протестантизма, философией, историей, литературой и др. Предметом исследования стала группа внутренних смыслообразующих стимулов, лежащих в основе «Немецкого реквиема» И. Брамса. Автором был выбран, в качестве основного, контекстный подход, раскрывающий культурно-исторические условия, в которых работали немецкие композиторы-романтики; текстологический и музыкальный анализ «Немецкого реквиема» дал возможность раскрыть внутренний процесс бифуркации жанра между традиционным католическим каноном и индивидуальным проектом И. Брамса в духе либерального немецкого протестантизма. Исследование «Немецкого реквиема» позволило охарактеризовать его как жанровый симулякр, сохраняющий только внешние черты сходства с традиционной заупокойной мессой. Внутреннее строение произведения уникально, оно определено логикой композиторского решения, на которое повлияли как личностные, так и национальные смыслообразующие стимулы. В целом ― опора на учение М. Лютера, признаваемого большинством немцев национальным героем; культурное наследие, пронизанное мелодикой протестантских хоралов; творчество выдающихся композиторов барокко во главе с И. С. Бахом, все это сформировало особую систему ценностных ориентаций, смысловые константы которой в XIX в. нашли претворение в трудах многих немецких мыслителей, в том числе и композиторов-романтиков. В этой же тесной взаимосвязи с национальной немецкой музыкальной культурой реализовался романтический индивидуализм Брамса.

Ключевые слова: хоральная обработка, немецкая музыка, культурный паттерн, Иоганн Себастьян Бах, Мартин Лютин, немецкий романтизм, протестантский хорал, Иоганнес Брамс, Немецкий реквием, музыкальная семиотика

Abstract: The research object is “A German Requiem” by J. Brahms, which is a unique meta-text concentrating various semantic structures, both music and ideological. They serve as cultural codes containing a wide cultural and historic context: it was formed by the system of patterns of the German national culture - the Protestant religion, philosophy, history, literature, etc. The research subject is a group of internal semantic motives underlying “A German Requiem”. As the key approach, the author has chosen the context approach revealing the cultural and historic conditions the German romantic composers used to work in. Textological and music analysis of “A German Requiem” helped the author to describe the internal process of genre bifurcation between the traditional Catholic canon and Brahms’ individual project in the spirit of the German liberal Protestantism. The study of “A German Requiem” helped characterize it as a genre simulacrum preserving only formal resemblance with a traditional funeral mass. The internal composition of the music piece is unique; it is defined by the logic of the composer’s idea influenced by personal and national semantic motives. In total, the example of Martin Luther’s theory, considered by the majority of the Germans as a national hero; the cultural heritage, penetrated with the melodics of Protestant chorals; the works of outstanding baroque composers headed by J.S. Bach - all of it had formed a specific set of values, the semantic constants of of which were implemented in the works of many German philosophers of the 19th century, including romantic composers. The romantic individualism of Brahms had formed in the same conjunction with the German national music culture.

Keywords: musical semiotics, choral processing, German music, cultural pattern, Johann Sebastian Bach, Martin Luther, German romanticism, protestant choral, Johannes Brahms, Deutsche Requiem

Аннотация: Образы Блейка в ХХ столетии привлекали внимание не только поэтов и писателей, философов и художников, но и композиторов разных школ и направлений. Дмитрий Н. Смирнов является самым ярким представителем русской школы, чье творчество наполнено особой любовью к Блейку. Творчество Блейка вдохновило Смирнова на создание большого количества произведений. Основной объект данной статьи — инструментальный цикл Дмитрия Н. Смирнова «Четыре этюда по Иову», выражающий принципы персонификации образов блейковской лирики в музыке. Предпринят целостный и контекстный анализ указанного произведения с точки зрения выявления синтеза двух драматургий: живописной и музыкальной. С помощью инструментального театра композитор стремится углубить и расширить значимость своих сочинений, сблизить всех участников процесса: композитора — исполнителя — слушателя. Тем самым, Смирнов становится не просто композитором, но режиссером, который может создавать событийные линии, визуальный ряд и досказывать источники, лежащие в основе музыкальных произведений, в данном случае — живописные работы Блейка.

Ключевые слова: искусствознание, музыковедение, творческий метод, музыкальная эстетика, новации, синтез искусств, авангардизм, постмодернизм, современная музыка, музыка и живопись

Abstract: Blake’s images in the 20th century attracted attention of not only poets and writers, philosophers and artists, but also composers belonging to different schools. Dmitry N. Smirnov is the brightest representative of the Russian school whose works are full of admiration for Blake. Blake’s works inspired Smirnov to create many opuses. The key object of this article is Smirnov’s instrumental cycle “Four essays about Job”, expressing the principles of personification of Blake’s lyrics in music. The author conducts holistic and context analysis of this work from the viewpoint of revealing the synthesis of the two dramaturgies: graphic and musical. Using the instrumental theater the composer tries to deepen and broaden the significance of his works and bond all the participants of the process: a composer, a performer, and a spectator. Thus, Smirnov becomes not only a composer, but also a director, who can create event lines and visual imagery and finish telling the sources underlying musical works, particularly - Blake’s graphic works.  

Keywords: avant-garde, art synthesis, innovations, musical aesthetics, creative method, musicology, art studies, postmodernism, contemporary music, music and painting

Аннотация: Объектом исследования является теория интерпретации в музыкальном искусстве. Предметом исследования – когнитивная модель интерпретации в музыкальном искусстве. Особое внимание уделяется изучению вопросов интерпретации музыкального текста с позиций когнитивных научных установок, что означает познание законов и путей эволюции музыкальной культуры, осмысление функций, структуры, содержания и языка музыкального искусства, анализ механизмов музыкального мышления. Расширение возможностей познания музыкального искусства сопровождается процессом углубления знаний о природе самого музыкального познания. Методологической основой работы является когнитивный подход, позволяющий рассматривать интерпретацию в музыкальном искусстве как явление, связанное с процессами музыкального мышления, сознания, памяти, с познавательной деятельностью в целом. Новизна исследования заключается в следующем: автором разработана и предложена методика когнитивного анализа музыкального текста, позволяющего охватить исследуемое явление как художественное целое в широких взаимосвязях с познающим субъектом, его интеллектом, опытом, уровнем ментальной активности и с окружающим миром. Основные выводы проведенного исследования: когнитивная модель интерпретации в музыкальном искусстве является методологическим инструментом, в фокусе которого проявляются грани познавательного процесса субъекта музыкального восприятия, связанные с усвоением специальных знаний, со способами их ментальной организации, с формированием художественных идей и их воплощением в акустической, вербальной и невербальной формах. Методологические основания когнитивного подхода позволяют расставить новые акценты, указывающие на значительные перспективы в понимании смысловой структуры интерпретации в музыкальном искусстве в ее многообразных связях с познающим субъектом, его интеллектом, опытом, уровнем ментальной активности.

Ключевые слова: антропологическая парадигма, когнитивная модель интерпретации, когнитивный анализ, интерпретативная доминанта, смыслообразование, музыкальный текст, музыкознание, когнитивный подход, музыкальное содержание, семантический маркер

Abstract: The object of the study is the Theory of Interpretation in musical art. The subject of the study is the cognitive model of interpretation in musical art.  Particular attention is paid to the interpretation research of musical text from the standpoint of cognitive scientific paradigms, which implies knowledge of the laws and ways of evolution of musical culture, understanding of the functions, structure, content and language of musical art, analysis of the mechanisms of musical thinking. Expansion of the opportunities to learn about musical art is accompanied by a process of cognitive immersion into the nature of musical knowledge itself.  The methodological basis of the work is a cognitive approach that allows considering interpretation in musical art as a phenomenon connected with processes of musical thinking, consciousness, memory, and cognitive activity in general.  The novelty of the study is as follows:  the author developed and proposed a method of cognitive analysis of a musical text that allows covering the phenomenon under study as an artistic integrity in broad interrelations with the knowing subject, his/her intellect, experience, level of mental activity, as well as with the surrounding world. Main conclusions of the study: The cognitive model of interpretation in musical art is a methodological tool in the focus of which the facets (associated with assimilation of special knowledge, with methods of their mental organization, with formation of artistic ideas and their embodiment in acoustic, verbal and nonverbal forms) of musical conception of the cognitive process of the subject are manifested . Methodological foundations of the cognitive approach allow us tohighlight some new key points indicating the significant perspectives in understanding the semantic structure of interpretation in musical art in its multiple links with the knowing subject, his/her intellect, experience, and level of mental activity.

Keywords: formation of meaning , interpretive dominant , cognitive analysis, cognitive model of interpretation, anthropological paradigm, musical content, semantic marker, music text , musicology , cognitive approach

Аннотация: «Эмили» — новейшая из трех опер известнейшего современного финского композитора Кайи Саариахо, ее премьера состоялась в 2010 году. Как и в двух других музыкально-театральных сочинениях композитора — операх «Любовь издалека» (2000) и «Мать Адриана» (2004–2005) в центре — женский образ. Героиня монодрамы «Эмили» — французский математик и физик, муза Вольтера Эмили дю Шатле. Задача настоящей статьи — продемонстрировать особенности драматургии и композиционно-технической стороны оперы. В работе использовались методы системного и исторического подходов, сравнительного и стилевого анализа, работа с литературными и музыкальными источниками. В «Эмили» проявились многие характерные качества стиля Саариахо, и в то же время в нем просматриваются новые черты, не свойственные более ранним операм композитора. Это, прежде всего, опора на некие повторяющиеся мелодические, ритмические, звуковые комбинации, комплексы, которые в той или иной степени соотносятся с образно-драматическими линиями либретто. Но, впервые прибегнув к жанру монооперы, композитор экспериментирует с новой для нее структурой и музыкальными средствами создает невероятно живой и богатый портрет личности, терзаемой внутренними конфликтами и противоречиями, подобных которому еще не было в ее оперных произведениях.

Ключевые слова: современная опера, Сен-Ламбер, Вольтер, Эмили дю Шатле, Амин Маалуф, моноопера, Эпоха просвещения, Эмили, Кайя Саариахо, современная музыка

Abstract: “Émilie” is the newest of the three operas of the renowned contemporary composer Kaija Saariaho, which premiered in 2010. As in two other musical-theatrical oeuvres of the composer – the operas “L'Amour de loin” (2000) and “Adriana Mater” (2004-2005), there is a female character in the center. The monodrama’s heroine is a French mathematician and physicist, Voltaire’s muse – Émilie du Châtelet. The goal of this article is to demonstrate the peculiarities of dramaturgy and compositional-technical side of the opera. The author used the methods of systemic and historical approaches, comparative and stylistic analysis, as well as literary and music sources. Multiple qualities of style that are characteristic to Saariajo are manifested in this opera. But at the same time, we can notice the new features, not inherent to the earlier oeuvres of the composer. First and foremost, it is the accent on certain repeated melodic, rhythmic, and sound combinations, which in one or another way correlate with the imagery-dramatic lines of the libretto. Adopting a new style, the composer experiments with structure and musical means that are new to her repertoire by creating a remarkably vivid and rich portrait of the personality that is tormented by the internal conflicts and controversies, unlike any of her previous compositions.

Keywords: contemporary music, contemporary opera, Saint Lambert, Voltaire, Emilie du Chatelet, Amin Maalouf, the Age of Enlightenment, monodrama, Emilie, Kaija Saariaho

Аннотация: Польское искусство начала ХХ века отличается преодолением жанровых ограничений, обогащением технических приемов благодаря синтезу выразительных средств литературы, живописи и музыки. Благодаря переосмыслению сюжетов античности в контексте модерна и символизма появились их новые интерпретации, другой частью этого процесса стал интерес к древним пластам национального фольклора. Написанные Каролем Шимановским в 1910–1920-х годах произведения продемонстрировали интенсивные поиски новых технических средств, характерные качества музыкального символизма, модерна, выразив в итоге представление композитора о национальном польском стиле. В работе использовались принципы стилевого и исторического подходов, стилистического и семантического анализа. При интерпретации музыкальных текстов использовались принципы герменевтики. Переосмысливая античную или средневековую мифологию, польские художники тяготели к постижению извечных проблем мироздания и одновременно обращались к национальным темам. Балет "Харнаси" и кантата Stabat Mater Шимановского выразили не только художественные тенденции своего времени, но и убедительно воплотили национальное самосознание, проявленное в форме обрядов и легенд.

Ключевые слова: Кароль Шимановский, Станислав Выспяньский, «Метопы», «Маски», «Харнаси», символизм, модерн, музыка Подгалья, гуральский стиль, Stabat Mater

Abstract: The Polish art of the early XX century sands out overcoming the genre limitations and enriching the techniques thanks to the synthesis of the expressive literary means, painting, and music. Due to reframing the themes of antiquity in the context of modernity and symbolism, their new interpretations have appeared; the other part of this process consisted in the interest towards the ancient layers of the national folklore. The written in 1910-1920’s by Karol Szymanowski compositions, demonstrated the intensive search for the new technical means, as well as characteristic qualities of musical symbolism and modernity, in the end expressing the composer’s idea on the national Polish style. Reconceptualizing the ancient and medieval mythology, Polish artists gravitated towards understanding the eternal problems of the universe, and simultaneously referred to the national themes. Karol Szymanowski ballet “Harnasie” and cantata Stabat Mater expressed not only the artistic trends of its time, but also convincingly realized the national self-consciousness, manifested in the form of customs and legends.

Keywords: modernity, symbolism, Harnasie, Masks, Metopes, Stanisław Wyspiański, Karol Szymanowski, Podhale music, Goral style, Stabat Mater

Аннотация: The object of research in this article is musical content, examined in light of one of the new Russian theories of musical content and in light of analysis of the musical practice itself under the angle of this theory. The examined theory reveals the presence in music of three categories of content, named here as emotion, depiction and symbolism. The examined practice covers the main historical periods of the Early Modern and Contemporary Era – the Baroque, Classical, Romantic and 20th Century periods. The object of attention in them consists only of the so-called “serious” academic classical music – operas, symphonies, concertos, oratorios and chamber music – but not folk or popular songs. The methodology of research is connected with semiotics or, to be precise, with the triad of signs developed by Charles Peirce – the icon, index and symbol, – which are interpreted by the author of the article as emotion, depiction and symbol. The conclusions arrived at in the research are as follows: in each historical time period there exists a distinct, individual correlation of the three sides of musical content – in the Baroque period all three of them stand on an equally high level, in Classicism emotions prevail, whereas depiction and symbolism are of secondary importance, in Romanticism emotions reach an apogee, depiction is activated to a greater level in the second half of the 19th century, whereas symbolism is of minor importance, while in the 20th century symbolism takes a primary position, emotions are brought to their extreme stages, while depiction is of minor importance. The novelty of the research consists in laying out a sturdy semiotic foundation for the method of the “three sides (categories) of musical content” and in bringing out conclusions about the comparative correlation of the most important musical historical time periods according to their content.

Ключевые слова: musical content, Baroque, Classicism, Romanticism, 20th century, icon, index, symbol, emotion, depiction

Abstract: The object of research in this article is musical content, examined in light of one of the new Russian theories of musical content and in light of analysis of the musical practice itself under the angle of this theory. The examined theory reveals the presence in music of three categories of content, named here as emotion, depiction and symbolism. The examined practice covers the main historical periods of the Early Modern and Contemporary Era – the Baroque, Classical, Romantic and 20th Century periods. The object of attention in them consists only of the so-called “serious” academic classical music – operas, symphonies, concertos, oratorios and chamber music – but not folk or popular songs. The methodology of research is connected with semiotics or, to be precise, with the triad of signs developed by Charles Peirce – the icon, index and symbol, – which are interpreted by the author of the article as emotion, depiction and symbol. The conclusions arrived at in the research are as follows: in each historical time period there exists a distinct, individual correlation of the three sides of musical content – in the Baroque period all three of them stand on an equally high level, in Classicism emotions prevail, whereas depiction and symbolism are of secondary importance, in Romanticism emotions reach an apogee, depiction is activated to a greater level in the second half of the 19th century, whereas symbolism is of minor importance, while in the 20th century symbolism takes a primary position, emotions are brought to their extreme stages, while depiction is of minor importance. The novelty of the research consists in laying out a sturdy semiotic foundation for the method of the “three sides (categories) of musical content” and in bringing out conclusions about the comparative correlation of the most important musical historical time periods according to their content.

Keywords: musical content, Baroque, Classicism, Romanticism, 20th century, icon, index, symbol, emotion, depiction

Аннотация: Предметом исследования в данной статье является музыкальное содержание, рассматриваемое в плане одной из новых российских теорий музыкального содержания и в плане анализа самой музыкальной практики под углом зрения данной теории. Разбираемая теория выявляет наличие в музыке трех сторон содержания, именуемых здесь как эмоциональность, изобразительность и символика. Разбираемая практика охватывает основные исторические периоды Нового и Новейшего времени – барокко, классику, романтизм и ХХ век. Объектом внимания в них является только так называемая «серьезная», или академическая музыка – оперы, симфонии, концерты, оратории, камерные произведения, - но не народные или эстрадные песни. Методология исследования связана с семиотикой, конкретно с триадой знаков Ч.Пирса – икон, индекс, символ, - которые и интерпретированы автором статьи как эмоция, изобразительность и символ. Выводами работы предстают: в каждой исторической эпохе существует свое, особое соотношение трех сторон музыкального содержания – в барокко все они одинаково высоки, в классике превалирует эмоция, а изобразительность и символика второстепенны, в романтизме эмоция достигает апогея, изобразительность активизируется со второй половины XIX в., символика второстепенна, в ХХ в. первостепенна символика, эмоции достигают крайностей, изобразительность второпланова. Новизна исследования состоит в подведении прочного семиотического основания под названный метод «трех сторон музыкального содержания» и в выводах о сравнительном соотношении важнейших музыкально-исторических эпох по их содержанию.

Ключевые слова: музыкальное содержание, барокко, классика, романтизм, ХХ век, икон, индекс, символ, эмоция, изобразительность

Abstract: Предметом исследования в данной статье является музыкальное содержание, рассматриваемое в плане одной из новых российских теорий музыкального содержания и в плане анализа самой музыкальной практики под углом зрения данной теории. Разбираемая теория выявляет наличие в музыке трех сторон содержания, именуемых здесь как эмоциональность, изобразительность и символика. Разбираемая практика охватывает основные исторические периоды Нового и Новейшего времени – барокко, классику, романтизм и ХХ век. Объектом внимания в них является только так называемая «серьезная», или академическая музыка – оперы, симфонии, концерты, оратории, камерные произведения, - но не народные или эстрадные песни. Методология исследования связана с семиотикой, конкретно с триадой знаков Ч.Пирса – икон, индекс, символ, - которые и интерпретированы автором статьи как эмоция, изобразительность и символ. Выводами работы предстают: в каждой исторической эпохе существует свое, особое соотношение трех сторон музыкального содержания – в барокко все они одинаково высоки, в классике превалирует эмоция, а изобразительность и символика второстепенны, в романтизме эмоция достигает апогея, изобразительность активизируется со второй половины XIX в., символика второстепенна, в ХХ в. первостепенна символика, эмоции достигают крайностей, изобразительность второпланова. Новизна исследования состоит в подведении прочного семиотического основания под названный метод «трех сторон музыкального содержания» и в выводах о сравнительном соотношении важнейших музыкально-исторических эпох по их содержанию.

Keywords: barokko, klassika, romantizm, KhKh vek, ikon, indeks, simvol, emotsiya