Аннотация: Камерная музыка притягивает слушателей своим широким диапазоном, разнообразным звучанием и богатой выразительностью. Из за влияния географии, этнической принадлежности и культуры, даже если это одна и та же камерная музыка, стили и характеристики китайской и западной камерной музыки сильно различаются. Путем сравнения китайских произведений камерной музыки и произведений западной камерной музыки можно обнаружить, что китайская камерная музыка фокусируется на выражении художественной концепции через мелодию, в то время как западная камерная музыка уделяет больше внимания логике и торжественным жанрам. В аспекте китайской музыкальной эстетики, находящейся под влиянием произведения «Дао дэ цзин» Лао-цзы проявляется взгляд на «музыка без радости и печали», который считает, что музыка сама по себе не эмоциональна и объективна, музыка является лишь побуждением и средством эмоций. На Западе музыкальное искусство обращает внимание на технику, считает музыку реальной и значимой сущностью и более склоняется к «автономной» точке зрения. В данной статье основное внимание уделяется анализу эстетических различий между китайской и западной музыкой, а также творческих различий, вызванных влиянием эстетических различий. На основании вышеизложенного можно сделать вывод, что музыку Китая и Запада необходимо сравнивать, исходя из представлений об эстетике и их подробного анализа. В данной статье рассматриваются характерные черты и свойства музыкальной эстетики Запада и Китая, их многообразие и влияние на творчество в камерной музыке, проводится сопоставительное исследование, предлагаются новые модели и направления развития. Основной темой традиционной китайской камерной музыки является поэзия, а аранжировка более свободная и уделяет больше внимания передаче художественного замысла. Западная камерная музыка имеет строгий творческий режим, больше внимания уделяется характеристикам самой музыки.

Ключевые слова: китайская камерная музыка, сравнение, западная камерная музыка, эстетика, различие, история, национальная камерная музыка, творение, автономность, гетерономия

Abstract: Chamber music attracts the audience with its wide range, diverse sounds, and rich expressiveness. Even if it is still the same chamber music, the influence of geography, ethnicity, and culture, styles and varieties of Chinese and Western chamber music are widely different. By comparing pieces of Chinese chamber music with the Western chamber music, one can find out that Chinese chamber music focuses on the expression of the artistic concept through the melody, while the Western chamber music gives more attention to logic and festive genres. Within the Chinese musical aesthetics, influenced by Laozi’s Tao Te Ching, there’s an idea that «music has in it neither grief nor joy», saying that music itself is not emotional, and is objective, it is just an incentive and an instrument of emotions. In Western countries, the art of music gives attention to the technique, and considers music as a real and important substance, and tends to a more «autonomous» point of view. The authors of this research give special attention to the analysis of aesthetic differences between Chinese and Western music, as well as creative differences caused by the influence of aesthetic differences. In view of these facts the authors formulate the conclusion that the music of China and the West should be compared based on the ideas about aesthetics and their detailed analysis. The authors consider the typical features and characteristics of the music aesthetics of the West and China, their diversity and influence on the creative work in chamber music, hold a comparative research, and offer new models and directions of development. The main theme of traditional Chinese chamber music is poetry, and the arrangement is more free, and focuses on conveying the artistic idea. The Western chamber music has a strict creative routine, and gives more attention to the characteristics of music itself.

Keywords: Chinese chamber music, comparison, western chamber music, aesthetics, difference, history, national chamber music, creation, autonomy, heteronomy

Аннотация: Статья посвящена анализу темы труда в советской массовой песне 1930-х гг. Цель исследования – раскрыть поэтику труда массовой песни в контексте отечественной музыкальной культуры 30-х гг. ХХ в. Автор указывает, что массовая песня представляет собой один из наиболее интересных феноменов советской культуры. Справедливо отмечается, что являясь продуктом социалистической эпохи, массовая песня была призвана решать задачи мобилизации значительного числа людей на трудовой подвиг, без которого было немыслимо успешное строительство новой жизни в молодом советском государстве в первые десятилетия его становления после Октябрьской революции 1917 г. Констатируется, что песня тех минувших лет отражала типичные черты песенного искусства, направленого на развитие у советских граждан оптимистичного духа, твердой воли и уверенности в собственных силах. В статье рассматриваются характерные черты массовой песни 1930-х гг., анализируются цели ее распространения, основные образы, популяризируемые в текстах данного вида песен, а также их влияние на сознание советского народа. Теоретическая значимость проделанного исследования определяется его вкладом в разработку проблем эстрадного музыкального искусства как неотъемлемой части отечественной культуры.

Ключевые слова: труд, массовая песня, советская эпоха, музыкальная культура, музыкальное искусство, соцреализм, песенное творчество, трудовой подвиг, трудовой энтузиазм, идеологизация

Abstract: The article is devoted to the analysis of the theme of labor in the Soviet mass song of the 1930s. The purpose of the study is to reveal the poetics of mass song labor in the context of the Russian musical culture of the 30s of the twentieth century. The author points out that the mass song is one of the most interesting phenomena of Soviet culture. It is rightly noted that being a product of the socialist era, the mass song was designed to solve the tasks of mobilizing a significant number of people for labor feat, without which it was unthinkable to successfully build a new life in the young Soviet state in the first decades of its formation after the October Revolution of 1917. It is stated that the song of those past years reflected the typical features of song art aimed at developing an optimistic spirit, strong will and self-confidence among Soviet citizens. The article examines the characteristic features of the mass song of the 1930s, analyzes the goals of its dissemination, the main images popularized in the texts of this type of songs, as well as their influence on the consciousness of the Soviet people. The theoretical significance of the research is determined by his contribution to the development of the problems of pop music art as an integral part of Russian culture.

Keywords: labour, mass song, the Soviet era, musical culture, musical art, social realism, songwriting, labor feat, labor enthusiasm, ideologization

Аннотация: Как показывает мировая театральная практика последних десятилетий именно наследие А.П. Чехова является неисчерпаемым источником вдохновения многих режиссёров и композиторов. Существует огромное количество работ, посвящённых теме «Чехов и музыка». Музыкальность чеховской прозы - одна из самых частых тем в филологических и музыковедческих исследованиях. Пьесы, повести, рассказы автора не раз становились поводом для новых творений в оперном театре. В данной статье автор рассматривает известные оперы композиторов рубежа XX-XXI вв. по прозе А. Чехова. Произведения расположены по принципу отличий сюжетной фабулы и либретто опер от литературного первоисточника. В зарубежном музыкознании жанровая трансформация оперы, в которой основным фактором централизующего единства становится литературная составляющая, получила название литературной (термин К. Дальхауза). В самом общем смысле под этим жанром следует понимать достоверную музыкальную версию в точности или в сокращении литературного первоисточника. В отечественном музыкознании литературная опера представляет собой малоизученную область истории музыки, что позволяет говорить о научной новизне представленного материала. Так, в статье автор приходит к выводу, что оперы по А.П. Чехову стоят особняком в претворении жанра литературной оперы в отечественном театре выделенного периода. На основе анализа автор выделяет три типа литературной оперы, позволяющие охарактеризовать метод работы композиторов с литературным первоисточником.

Ключевые слова: Антон Чехов, Опера, Музыкальный театр, Литературная опера, Владимир Тарнопольский, Елена Гохман, Николай Мартынов, Петер Этвёш, Виталий Ходош, Сергей Кортес

Abstract: As the world theatrical practice of the last decades shows, it is the legacy of A.P. Chekhov that is an inexhaustible source of inspiration for many directors and composers. There is a huge number of works devoted to the topic "Chekhov and music". The musicality of Chekhov's prose is one of the most frequent topics in philological and musicological studies. Plays, novels, and short stories by the author have more than once become an occasion for new creations in the opera house. In this article, the author examines the famous operas of composers of the turn of the XX-XXI centuries based on the prose of A. Chekhov. The works are arranged according to the principle of differences between the plot plot and the libretto of operas from the literary source. In foreign musicology, the genre transformation of opera, in which the literary component becomes the main factor of centralizing unity, has been called literary (the term of K. Dahlhaus). In the most general sense, this genre should be understood as a reliable musical version in accuracy or in the abbreviation of the literary source. In Russian musicology, literary opera is a little-studied area of music history, which allows us to speak about the scientific novelty of the presented material. Thus, in the article the author comes to the conclusion that operas based on A.P. Chekhov stand apart in the implementation of the genre of literary opera in the domestic theater of the selected period. Based on the analysis, the author identifies three types of literary opera, which allow to characterize the method of composers' work with the literary source.

Keywords: Anton Chekhov, Opera, Musical Theater, Literary opera, Vladimir Tarnopolsky, Elena Gokhman, Nikolai Martynov, Peter Etwes, Vitaly Hodosh, Sergey Cortes

Аннотация: Статья посвящена научному наследию основоположника отечественного этноинтрументоведения Александра Сергеевича Фаминцына. Цель исследования – анализ интеллектуальной среды, в которой формировался Фаминцын-ученый и отражение идей, методов и достижений гуманитарной науки XIX века в его работах. Задача предлагаемой статьи – рассмотрение основных трудов ученого "Божества древних славян" и "Скоморохи на Руси" в контексте научных идей своего времени и как основы его более поздних инструментоведческих работ. Актуальность заключается в необходимости изучения периода начала формирования отечественного этноинструментоведения, его методологических основ, которые были заложены в трудах Фаминцына. Анализируются особенности научного метода А.С.Фаминцына, заключающегося в использовании сравнительного метода, сформированного в религиоведении и литературоведении, присутствии герменевтического прочтения источников. Методология: автор применил к изучению темы источниковедческий, сравнительно-исторический, системно-этнофонический методы. Рассмотрены предпосылки формирования научной картины мира ученого (гимназические годы), влияние на концепцию Фаминцына отечественной школы литературоведения (А. Н. Веселовский, И. И. Срезневский), немецкой сравнительно-мифологической школы (М. Мюллер). Автор приходит к заключению о принципиальной новизне подхода, которая присутствовала в музыковедческих (инструментоведческих) работах А. С. Фаминцына – и по выбору объекта исследования (песенные и инструментальные пласты традиционной культуры), и по методологии, сформированной в рамках сравнительного метода языковедения и религиоведения. Научная новизна заключена в самом предмете - научном наследии А.С.Фаминцына, до настоящего времени не бывшего объектом отдельного исследования. Автор приходит к выводу о том, интеллектуальная среда, в которой формировался Фаминцын-ученый оказала прямое влияние на специфику его инструментоведческих трудов, их методологию, направленность, источниковую базу. Важная роль в этом принадлежала смежным гуманитарным наукам - филологии, истории, религиоведению, этнографии.

Ключевые слова: Фаминцын, этноинструментоведение, органология, музыкальные инструменты, отечественная музыкальная наука, музыкальный Петербург, мифология, филология, Веселовский, Срезневский

Abstract: The article is devoted to the scientific heritage of the founder of the national ethnointrumology Alexander Sergeyevich Famintsyn. The purpose of the study is to analyze the intellectual environment in which Famintsyn was formed as a scientist and reflect the ideas, methods and achievements of the humanities of the XIX century in his works. The purpose of the proposed article is to consider the main works of the scientist "Deities of the ancient Slavs" and "Buffoons in Russia" in the context of scientific ideas of his time and as the basis of his later instrumental works. The relevance lies in the need to study the period of the beginning of the formation of national ethnoinstrumentology, its methodological foundations, which were laid in the works of Famintsyn. The article analyzes the features of A.S.Famintsyn's scientific method, which consists in the use of a comparative method formed in religious studies and literary studies, the presence of hermeneutical reading of sources. Methodology: the author applied source-based, comparative-historical, system-ethnophonic methods to the study of the topic. The prerequisites for the formation of a scientific picture of the scientist's world (gymnasium years), the influence on the concept of Famintsyn of the national school of literary studies (A. N. Veselovsky, I. I. Sreznevsky), the German comparative mythological school (M. Muller) are considered. The author comes to the conclusion about the fundamental novelty of the approach, which was present in the musicological (instrumental) works of A. S. Famintsyn – both by the choice of the object of research (song and instrumental layers of traditional culture), and by the methodology formed within the framework of the comparative method of linguistics and religious studies. The scientific novelty lies in the subject itself - the scientific heritage of A.S.Famintsyn, who has not been the object of a separate study until now. The author comes to the conclusion that the intellectual environment in which Famintsyn-scientist was formed had a direct impact on the specifics of his instrumental works, their methodology, orientation, and source base. An important role in this belonged to the related humanities - philology, history, religious studies, ethnography.

Keywords: Veselovsky, philology, mythology, musical Petersburg, russian music science, musical instruments, organology, ethnoinstrumentovedenie, Famintsyn, Sreznevsky

Аннотация: Ведущей темой исследования в данной статье служит анализ специфики развития саксофонного искусства в симфоническом оркестре. Выбранная проблематика требует изучения данного направления с позиции более широкого социоисторического контекста, в рамках которого оказывается возможным выявить особые приметы музыкальной культуры, как в общем контексте, так и в отдельных жанрах. В этом ключе исследование саксофонной музыки в симфоническом оркестре позволяет очертить, во-первых, истоки зарождения интереса и внедрение особого инструмента в культурную панораму, во-вторых, проследить пути и импульсы его распространения, в-третьих, выяснить проблемы саксофона как части симфонического оркестра. Музыка для саксофона для полного понимания своего особого места в культурном континууме определенного места и эпохи должна рассматриваться не просто как конкретный артефакт, который получил свое воплощение в творчестве, исполнительстве, образовании, а как многоуровневое и объемное понятие в музыкальном искусстве ХІХ-ХХІ вв.   Раскрытие роли саксофона как части симфонического оркестра в статье осуществляется не просто сквозь призму представления определенного количества фактов, имен, событий, а прослеживается как соответствие развития инструмента до тех исторических, политических, социально-экономических и, прежде всего, культурно-художественных процессов, которые составили разновидность творческого переосмысления одного из самых популярных современных инструментов. Цель исследования заключается в обосновании генезиса, тенденций развития и современного состояния саксофонного искусства в общем, а также, в частности, в составе симфонического оркестра. В исследовании автор концентрирует внимание на знаковых исполнителях и педагогах, личные достижения которых в сфере концертной, научно-исследовательской и музыкально-общественной деятельности имели существенное влияние на формирование саксофона как части симфонического оркестра.

Ключевые слова: саксофон, симфонический оркестр, духовой инструмент, жанровая специфика, академическая музыка, джаз, выразительные средства, академизация, генезис, интерпретация

Abstract: The leading research topic in this article is the analysis of the specifics of the development of saxophone art in a symphony orchestra. The chosen problem requires the study of this direction from the perspective of a broader socio-historical context, within which it is possible to identify special signs of musical culture, both in the general context and in individual genres. In this vein, the study of saxophone music in a symphony orchestra allows us to outline, firstly, the origins of the origin of interest and the introduction of a special instrument into the cultural panorama, secondly, to trace the ways and impulses of its spread, and thirdly, to find out the problems of the saxophone as part of a symphony orchestra. In order to fully understand its special place in the cultural continuum of a certain place and epoch, music for the saxophone should be considered not just as a specific artifact that has been embodied in creativity, performance, education, but as a multi-level and three-dimensional concept in the musical art of the XIX-XXI centuries. The disclosure of the role of the saxophone as part of a symphony orchestra in the article is not just carried out through the prism of the representation of a certain number of facts, names, events, and can be traced as the correspondence of the development of the instrument to those historical, political, socio-economic and, above all, cultural and artistic processes that have formed a kind of creative reinterpretation of one of the most popular modern instruments. The purpose of the study is to substantiate the genesis, development trends and the current state of saxophone art in general, as well as, in particular, in the composition of a symphony orchestra. In the study, the author focuses on iconic performers and teachers, whose personal achievements in the field of concert, research and musical and social activities had a significant impact on the formation of the saxophone as part of a symphony orchestra.

Keywords: saxophone, symphony orchestra, wind instrument, genre specifics, academic music, jazz, expressive means, academization, genesis, interpretation