Аннотация: Цель данной статьи – подтверждение или опровержение семантического и композиционного тождества фортепианного музыкального наследия Ф. Шопена с его идейно-образной трактовкой хореографом Дж. Ноймайером в условиях синтетического воплощения на балетной сцене. Объектом изучения выступает «черный» дуэт Маргариты и Армана из балета «Дама с камелиями» (1978). Контекстуальное единство композиционно-содержательного хореографического решения данного фрагмента с музыкальными образами Баллады № 1 соль минор становится предметом настоящего исследования. Теоретико-методологической основой исследования стали принципы критического анализа хореографического и музыкального текста спектакля, а также семантического анализа хореографии, разработанные историками и теоретиками балетного искусства (Вансловым, Добровольской, Лопуховым, Слонимским). Привлекались видеоматериалы из архивов гамбургского «Ballettzentrum» и московского Большого театра, использовался метод включенного наблюдения (основанный на личном опыте работы с Ноймайером в качестве участника московской премьеры «Дамы с камелиями» 20 марта 2014 г.), сопровождающийся анализом лекций хореографа и записей с репетиций из архива автора. Впервые проведенный детальный семантический анализ хореографической формы и лексики «черного» адажио явился основным инструментом в решении поставленной научной проблемы. К новым результатам исследования можно отнести значительный задел в аспекте выявления классических и инновационных авторских выразительных элементов художественного языка Ноймайера. Новыми являются следующие выводы: отличающее Балладу № 1 сочетание балладной повествовательности с гармоничностью сонатной формы диктует Ноймайеру распределение частей и разработку хореографических тем в унисон с музыкальными, а драматичная конфликтность музыкальных тем позволяет хореографу пластически раскрыть исповедь главных героев.

Ключевые слова: Дуэт, Маргарита и Арман, Хореографическая трактовка, Баллада соль минор, Фредерик Шопен, Дама с камелиями, Хореография, Балет, Джон Ноймайер, Анализ хореографической лексики

Abstract: The purpose of the article is to confirm or confute the semantic and compositional similarity of Chopin’s piano heritage with its ideal and graphic interpretation by a choreographer John Neumeier in the context of synthetic materialization on the ballet stage. The object of research is the “black” duet of Marguerite and Armand from the 1978 ballet Lady of the Camellias. The contextual unity of the compositional and semantic choreographic interpretation of this fragment with the music images of the Ballade No.1 g-moll is the subject of research. The theoretical and methodological background of the research is the principles of critical analysis of the choreographic and musical text of the play, and the semantic analysis of choreography developed by historians and theorists of the ballet art (Vanslov, Dobrovolskaya, Lopukhov, Slonimsky). The research is based on video materials from the archives of the Ballettzentrum Hamburg and the Bolshoi Theatre in Moscow. The author uses the method of overt observation (based on the personal experience of work with Neumeier as a participant of the Lady of the Camellias first run in Moscow on March 20th, 2014) together with the analysis of the choreographer’s lectures  and rehearsals records from the author’s archive. The analysis of the semantics of the choreographic form and vocabulary of the “black” adagio is the main instrument used for solving the scientific problem. Among the new results are the significant groundwork in the detection of classic and innovative author’s expression elements of Neumeier’s artistic language. The author concludes that the combination of the ballade narration with the harmony of the sonata form typical for the Ballade No.1 dictates Neumeier the allocation of parts and the development of choreographic themes inconcert with the music ones, while the dramatic propensity towards conflict allows the choreographer to develop the main characters’ confession.   

Keywords: Choreographic language analysis, Marguerite and Armand, Pas de deux, Choreographic interpretation, Ballad g-moll, Frédéric Chopin, Lady of the camellias, Choreography, Ballet, John Neumeier

Аннотация: Предметом исследования является творчество французского композитора, пианиста, лингвиста, литератора и философа Шарля Анри Валантена Алькана (1813–1888). Так как композитор был заинтересован наследием прошлого – античной культурой и еврейским народным творчеством, весьма часто использовались Альканом модальные лады. Одним из первых в академической музыке XIX века Алькан применяет пентатонику – в двух этюдах op.35 – в фа-мажорном «Варварском аллегро» op.35 № 5, причём в лидийском ладу и в си-бемоль-мажорном этюде op.35 № 6, полностью основанном на пентатонике в интересном сопоставлении натурального и гармонического си-бемоль мажора. В статье сделан вывод, что Алькан был крупнейшим новатором гармонического языка и ладовых особенностей – одним из первых в XIX веке использовал модальные лады, красочные гармонии, по-новому расположил тональности в циклах эскизов, прелюдий, этюдов и песен без слов и, кроме того, был новаторов в сонатных циклах. В разборе произведений Алькана используется сравнительно-аналитический и компаративистский методы – музыка Алькана сопоставляется с музыкой его современников, последователей и старых мастеров, влияние которых на творчество Алькана заметно. Также применим здесь и музыкально-аналитический метод – при знакомстве с каждым опусом композитора очень важен анализ каждого произведения – как сугубо мелодический, так и гармонический Научная новизна исследования заключается в том, что в России до сих пор существует немного монографий и научных трудов о творчестве Шарля Валантена Алькана. На сегодняшний день единственная масштабная диссертация с разбором практически всех произведений Алькана – это масштабная работа на соискание учёной степени кандидата искусствоведения Вениамина Смотрова «Шарль Валантен Алькан: личность, эстетика, творчество» на 415 страниц. Вопрос гармонического языка этого композитора даже в диссертации Смотрова рассмотрен не столь подробно, сколько будет рассмотрен в данной научной статье. В текущей статье исследователем замечено множество особенностей гармонического языка и ладотонального новаторства в творчестве композитора Алькана и даже некоторая связь с синагогальной еврейской символикой.

Ключевые слова: Алькан, Шарл, Валантен, гармония, лад, тональность, новаторство, форма, символика, романтизм

Abstract: The research subject is the creative work of a French composer, pianist, linguist, writer and philosopher Charles-Valentin Alkan (1813 - 1888). As the composer was interested in the legacy of the past  - antique culture and Jewish folklore, he often used modal tonalities. Alkan was the first representative of academic music of the 19th century who used pentatonic scale in two etudes op.35 - in the F-major Allegro barbaro (op.35 no. 5), notably, in Lydian mode, and the B-major op.35 no. 6 based on pentatonic scale with an interesting comparison of natural and harmonical B-major. The author concludes that Alkan was the largest novator of harmonic language and mode peculiarities. He was one of the first musicians of the 19th century to use modal tonalities and colourful harmonies; he rearranged modes in the cycles of short scores, preludes, etudes and songs without lyrics, and he also was a novator in sonata cycles. To analyze Alkan’s works, the author uses comparative-analytical and comparative methods - Alkan’s music is compared with the music of his contemporaries, followers and the old masters whose influence on Alkan’s creative work is easy to see. The author also uses the music-analytical method, as it is very important to carry out the analysis - both merely melodic and harmonic - of each work of the composer. The scientific novelty of the research consists in the fact that the creative work of Charles-Valentin Alkan hasn’t been studied sufficiently enough in Russia so far. The only comprehensive thesis analyzing most Alkan’s works is the art history PhD thesis by Veniamin Smotrov “Charles-Valentin Alkan: personality, esthetics, creative work” having 415 pages. The problem of harmonic language  hasn’t been studied in such a detail even in Smotrov’s dissertation as it is in this article. The author notes numerous peculiarities of harmonic language and modes and tonalities innovating in the creative work of Alkan and even some connections with synagogal Jewish symbolism.   

Keywords: form, innovation, tonality, fret, harony, Valentin, Charles, Alkan, symbolism, romantism

Аннотация: В статье рассматривается юношеское сочинение Дмитрия Шостаковича Две басни И. А. Крылова для голоса и фортепиано. Несмотря на то, что романсы написаны, когда композитору было всего пятнадцать лет, в них намечаются многие важные направления камерно-вокальной лирики и художественные принципы зрелого творческого периода Шостаковича, отчетлив именно его почерк, его образность и даже мастерство. Основное внимание в статье уделяется тесной связи Басен с поздними вокальными произведениями композитора, в ней дается разбор романсов, приводятся оценки этой работы самим Шостаковичем, рассказывается о творческом окружении автора времени создания сочинения.    Основным выводом приведенного исследования является ясное понимание того, что юношеские Басни Крылова достаточно широко открывают дверь в мир камерно-вокального искусства композитора. В них намечаются все основные линии развития вокальной лирики Шостаковича – яркая театральность, склонность к юмору и гротеску, парадоксальность мышления, образность, ансамблевая значимость фортепианного аккомпанемента. С высоты наших дней мы находим это произведение и ярким, и смелым, и новаторским. Тем не менее, оно мало исполняются и мало изучаются. Цель статьи – привлечь внимание к этому оригинальному и яркому опусу гениального русского композитора.

Ключевые слова: Басни Крылова, Шостакович, Штейнберг, Ленинградская консерватория, меццо-сопрано, фортепиано, сатира, гротеск, музыкальная театральность, вокальное творчество

Abstract: The article considers the composition Dmitri Shistakovich created in his youth days: Two Fables by Krylov for vocal and piano. Despite the fact that the romances were written when the composer was only 15 years old, they outlined many important streams of chamber vocal works and artistic principles of the mature creative period of Shostakovich; his manner, imagery and even mastery are easily visible. The author focuses on the close connection between the fables and the late vocal works of the composer, analyzes the romances and adduces Shostakovich’s own evaluations of this work, and tells about the creative milieu of the composer which affected the creation of the composition. The author concludes that youthful Krylov’s fables manifested the capacity of the chamber vocal art of the composer. They contain all the basic streams of development of Shostakovich’s vocal lyrics - bright theatricality, inclination for humour and grotesque, paradoxicality of thinking, figurativeness, and ensemble significance of a piano accompagnement. With the benefit of hindsight, we find this composition bright, and daring, and forward-looking. Nevertheless, it is rarely played and poorly studied. The purpose of the article is to draw attention to this original and bright opus of an ingenious Russian composer.   

Keywords: piano, mezzo soprano, Leningrad Concervatory, Steinberg, Shostakovich, Fables of Krylov, satire, grotesque, musical theatricality, vocal art

Аннотация: Предметом исследования являются особые приемы варьирования напева и текста свадебных обрядовых песен 7- и 9-сложного тонического стиха в локальных традициях Верхнего Полужья и Пооредежья (по опубликованным и архивным записям 1970-80-х годов). Данная территория обладает общностью в плане исторического и культурного развития, что сказалось на формировании родственных музыкально-этнографических традиций. Эта близость традиций ярко проявляется в свадебной обрядности, в родстве свадебных песен, устойчивости текстов и образов, в системе напевов-формул. Однако в круге свадебных обрядовых песен мы обнаружили «нетипичные» по варьированию напевы, в которых происходило их существенное преобразование. Полная нотация звукозаписей и опора в работе на сравнительно-аналитический метод исследования позволили выявить и описать эти особенные приемы варьирования песен.             Новизна исследования заключается в индивидуальном подходе к записям песенного фольклора, когда «нетипичные», выпадающие из общего ряда песни остаются в зоне внимания и рассматриваются в контексте с устойчивыми для традиции музыкальными текстами. Обнаруженные преобразования напева и текста в свадебных песнях позволили сделать вывод об особом и тесном взаимодействии напевов-формул, взаимопроникновении их важнейших элементов и о реализации главной идеи свадебной игры (соединение родов жениха и невесты) на уровне музыкально-обрядового языка, а также поставить вопрос о возможности таких приемов варьирования в других традициях и жанрах.

Ключевые слова: Ленинградская область, Пооредежье, Верхнее Полужье, локальная традиция, свадебные песни, 9-сложник, 7-сложник, напев-формула, архивные записи, варьирование

Abstract: The subject of research is special techniques of variation of chants and lyrics of ritual songs of heptasyllabic and enneasyllabic accentual verses in local traditions of the Upper Poluzhye and Pooredezhye (based on the published and archive materials of the 1970s - 80s). These territories have common historical and cultural development, which resulted in the formation of similar musical and ethnographic traditions. This similarity of traditions is manifested in wedding ritualism, similarity of prothalamia, sustainability of texts and images, and the system of chants-formulae. However, among the wedding songs, the author has found non-typical chants in which they were being transformed. The research is based on the full notation of sound recordings and the comparative-analytical method which help to identify and describe these special techniques of song variations. The scientific novelty of the study consists in the individual approach to the recording of folk songs, which gives attention to the non-typical songs, and considers them in the context of traditional musical texts. The detected transformations of chants and lyrics in wedding songs help to arrive to the conclusion about special and close interaction between chants-formulae, the transfusion of their key elements, and the implementation of the key idea of a wedding song (the conjunction of families of the fiance and the fiancee) at the level of the musical-ritual language, and to raise the question about the possibility of using such techniques in other traditions and genres.   

Keywords: 9-fold, wedding songs, local tradition, Upper Luga, Oredezh region, Leningrad Region, 7-fold, chorus formula, archived records, variation

Аннотация: Статья посвящена рассмотрению синестезиса двух знаковых феноменов русской христианской культуры – знаменного пения и искусства буквописикаллиграфии. Цель исследования – выявить наиболее очевидные аспекты проявленности мультисенсорности в терминологии и графологии обоих явлений. Объектом изучения является семантический уровень знаменной терминологии, графологический план каллиграфии и семиотика пространства рукописного текста, объединяющий в певческих богослужебных книгах эти два искусства. Анализ семиографии знаменного пения базируется на убеждении взаимосвязи восприятия феномена знаменного пения и знамени в частности как комплекса разномодальных ощущений. Методологическую основу исследования составляют разработанные в современной науке методы когнитивного музыкознания, сравнительного искусствознания (И. В. Мациевский), музыкальной литургики, исследований по проблеме мультисенсорной природы восприятия искусства, лекции и мастер-классы по искусству каллиграфии П.П.Чобитько, а так же иеротопический подход в изучении явлений церковной культуры А.М.Лидова. Научная новизна заключается в подходе к рассмотрению двух явлений церковно-славянской культуры с точки зрения синестетических кодов христианской культуры. Результатом исследования стал вывод об отражении отображении в искусстве знаменного пения и церковно-славянской каллиграфии, семиотики храмового богослужебного пространства, построенного на основе особого визуально-пространственного кода христианской традиции, наличии пространственности как характерного качества рукописного текста богослужебной книги.

Ключевые слова: знаменное пение, церковно-славянская каллиграфия, богослужебная книга, синестетические коды, знаменная нотация, иеротопия, Бражников, Лидов, лингвопластика, образ-парадигма

Abstract: The article considers the synaesthesia of the two symbolic phenomena of Russian Christian culture -  znamenny chant and the art of calligraphy. The purpose of the research is to detect the most evident aspects of multisensority in the terminology and graphology of the both phenomena. The research object is the semantic level of the znamenny terminology, the graphological plan of calligraphy and the semiotics of the space of a handwritten text uniting these arts in religious chants books. The analysis of the semiography of znamenny chant is based on the idea about the interrelation between the perception of the phenomenon of znamenny chant and “znamya” itself as a set of equal mode senses. The research methodology is based on the methods of cognitive musicology, comparative Art Studies (I.V. Matsievsky), musical liturgics, the studies of the multisensor nature of the perception of art, lectures and workshops on the art of calligraphy by P.P. Chobitko, and the hierotopy approach to studying the phenomena of the church culture developed by A.M. Lidov. The scientific novelty of the research consists in the approach to the consideration of the two phenomena of the Church-Slavonic culture from the viewpoint of synesthetic codes of the Christian culture. The author arrives at the conclusion that znamenny singing is reflected in art together with the Church-Slavic calligraphy and the semiotics of the church liturgical space based on a special visual-spatial code of the Christian tradition and spaciousness as a feature of a handwritten text of a religious book.   

Keywords: Brazhnikov, hierotopy, Znamenny notation, synesthetic codes, liturgical book, Church Slavonic calligraphy, Znamenny singing, Lidov, linguoplasty, paradigm image

Аннотация: Объектом настоящего исследования является монтажная форма в музыкальном произведении. Предметом выступает музыка отечественных композиторов второй половины XX столетия. Цель статьи — обозначить появление в творчестве отечественных композиторов указанного периода особой формы (ранее не встречавшейся в музыке), которую мы будем именовать монтажной, и раскрыть ее специфику. Для достижения поставленной цели автор обращается к основным положениям концепции теоретика В. Бобровского о «композиционном эллипсисе», которая, в свою очередь, опирается на асафьевское понимание процесса музыкального формообразования как переключения функций сочленов формулы i-m-t. Автором статьи используются теоретический и аналитический методы исследования, а также общенаучные методы в рамках сравнительного и логического анализа, включающие приемы наблюдения, обобщения и сопоставления. Основными выводами проведенного исследования являются следующие. Монтажность в отечественном музыкальном искусстве второй половины XX столетия выступает как универсальный метод конструирования художественного пространства сочинения. Во многом этому способствует духовно-интеллектуальная среда этого времени с ее стремлением к эклектичности, многопластовости, полярности. Проведенный анализ позволил выявить характерные черты, свойственные монтажной форме музыкального произведения. Это высокая степень расчлененности тематического материала, внезапные переключения жанрово-тематических линий, мозаичность, политематичность структур. Новизна настоящей статьи заключается в том, что впервые в качестве основополагающего принципа монтажного формообразования выдвигается принцип «композиционного эллипсиса» (автор теории В. Бобровский), принципиально расширяющий спектр объективно-научной интерпретации музыкальных произведений.

Ключевые слова: музыкальное искусство, XX век, музыкальное произведение, монтаж, музыкальная форма, текст, дробность, прерванное развитие, политематичность структур, композиционный эллипсис

Abstract: The object of research is the editing form in a piece of music. The research subject is the music of Russian composers of the late 20th century. The purpose of the article is to denote the appearance of a special form which hasn’t been noticed in music before - an editing form - in the works of Russian composers of the late 20th century, and to describe its specificity. To achieve this goal, the author refers to the key provisions of V.Bobrovsky’s concept about a “compositional ellipsis”, which in its turn is based on B. Asafiev’s understanding of the process of music form-making as switching of the functions of the associates of the “i-m-t” formula. The author uses the theoretical and analytical research methods, and general scientific methods within comparative and logical analysis including the methods of observation, generalization and comparison. The author arrives at the following conclusions. The editing method is a universal method of constructing an artistic space of a composition in Russian musical art of the late 20th century. In many respects, it was promoted by the spiritual and intellectual environment of that time with its striving for eclecticism, multilayer character, and polarity. The analysis helps to identify the peculiarities of the editing form of a piece of music: a high degree of disintegration of a thematic material, sudden switching of genre and thematic lines, patchiness, and polythematic character of structures. The scientific novelty of the research consists in the fact that the author is the first to use the principle of “compositional ellipsis” (authored by V.Bobrovsky) as a fundamental principle of editing form-making, which extends the spectrum of objective scientific interpretation of music compositions.   

Keywords: interrupted development, fragmentation, text, musical form, editing, musical composition, XX century,, musical art, polytemic structures, compositional ellipsis

Аннотация: Объектом исследования является музыкальное оформление драматического спектакля как одна из важнейших частей создания единого текста театрально-сценического произведения. Формирование музыкального пространства в статье впервые рассматривается как режиссёрский приём создания театральной постановки, необходимость изучения которого обусловливается движением современного театра к музыкализации – формированию единого звукового пространства сценического действия, и переложением функций автора музыкального оформления спектакля на самого режиссёра. Предметом исследования становится использование аранжировки и интерпретации основных музыкальных тем, выявление особенностей их функционирования и попытка определения рабочего названия режиссёрского приёма. С этой целью исследователь обращается к методу включённого наблюдения и рассматривает постановку спектакля Пензенского драматического театра «Свадьба Кречинского», работа над которым осуществлялась в качестве режиссёра, хореографа и автора музыкального оформления. Анализ использования аранжировки и интерпретации основных музыкальных тем, впервые сделанный в рамках театрально-драматического искусства, показал, что музыка, применяемая в данном алгоритме, выполняет разнообразные функции: создаёт атмосферу действия, становится равноправным «текстом» спектакля, инструментом творческого (авторского) «перевода» литературного произведения на театрально-сценический язык. При этом позволяет сделать музыкальное пространство максимально цельным, что отвечает тенденции движения драматического театра к его музыкализации. Режиссёрскому приёму предлагается рабочее название – «Трансформация музыкальной темы».

Ключевые слова: трансформация музыкальной темы, тембр, интерпретация, аранжировка, режиссёрский приём, музыкальное оформление, драматический театр, музыкализация, современное театральное искусство, метод включённого наблюдения

Abstract: The research object is the music decoration of a dramatic play as one of the key elements of creating a single text of a theatrical piece of work. The author is the first to consider the formation of a musical space as a director’s method of creating a stage performance, and the need to study it is determined by the movement of the modern theatre towards musicalization - the formation of a single sound space of the stage business and the shifting of the functions of an author of background music to the director. The research subject is the use of background music and the interpretations of the main music themes, the detection of peculiarities of their functions and an attempt to define the operating name of a director’s method. To achieve this goal, the author uses the method of overt observation and studies the production of the play “Krechinsky’s wedding” at Penza Drama Theatre as a director, a choreographer, and an author of the background music. The analysis of the use of background music, which is undertaken for the first time within the framework of the theatre drama art, shows that music, applied in this algorithm, performs various functions: creates the atmosphere of action, becomes a full fledged “text” of a play, and an instrument of the author’s “translation” of a literary work into a theatre-stage language. At the same time, it allows making the music space integral thus following the trend of the movement of a drama theatre towards its musicalization. The author suggests naming the director’s method a “transformation of a music theme”.   

Keywords: transforming a musical theme, timbre, interpretation, musical arrangement, artistic Director's method, music in drama theater, drama theatre, musicalization, modern theatrical art, the method of participant observation

Аннотация: Статья посвящена анализу особенностей трактовки режиссером образа главного героя в фильме «Тристан и Изольда» (2006). Исследованию подвергаются средства выразительности, в том числе музыкальные, а также сценарий в сравнении с его основой - романом Готфрида Страсбургского. Новизна статьи определяется тем, что данный фильм исследуется в отечественном искусствоведении впервые с применением методов междисциплинарного анализа, что позволило сопоставить образ протагониста с его историко-культурным прототипом, а вместе с тем и выявить художественно-эстетическую позицию режиссера при создании ленты. Методология исследования включает в себя сравнительный, искусствоведческий, историко-киноведческий, музыкальный анализ, принципы семиотического анализа в отношении элементов художественного языка фильма как самостоятельных «текстов». Авторы приходят к следующим основным выводам: режиссер следует традиции больших исторических фильмов, он использует мифологический материал, однако не эксплуатирует его «волшебность», встраивая мифологический подтекст на уровне отсылок. Важные акценты расставляет музыка фильма, которая выходит за рамки прикладной, она обозначает генетическую связь чувств героев с природой, становясь неотъемлемым элементом медиатекста. Кроме того, музыка в фильме играет и формообразующую роль, сцепляя его разделы. Представленная в фильме картина мира «вертикально» многомерна: содержит адресации к эпохе великого переселения народов, средневековью и современности.

Ключевые слова: музыка кино, Кевин Рейнольдс, куртуазный роман, Готфрид Страсбургский, Тристан и Изольда, эпос, Энн Дадли, киноискусство, медиатекст, культурный герой

Abstract: The article analyzes the peculiarities of a director’s interpretation of the image of the main character of the 2006 “Tristan and Isolde”. The author analyzes the expressive means, including the musical ones, and the screenplay in comparison with the original novel by Gottfried von Strassburg. The scientific novelty of the research is determined by the fact that the author is the first Russian scholar who studies this film using the methods of interdisciplinary analysis, which helps to compare the image of the protagonist with its historic and cultural prototype, and detect the artististic and esthetic position of the director. The research methodology includes the comparative, art, historic and cinematological, and musical analysis, the principles of semiotic analysis in relation to the elements of the artistic language of the film as “independent” texts. The authors come to the following conclusions: the director follows the tradition of history films using the mythologic materials, but not using their “magicness”, embedding the implied mythology. The key points are highlighted by the music which is more than merely supplementary and denotes the genetic linkage of the heroes’s senses with nature and becomes an integral element of the media text. Besides, the music in the film plays an important form-making role connecting its segments. The worldview depicted in the film is vertically multifaceted: it contains the referrals to the Migration Period, the Middle Ages and modernity.

Keywords: Anne Dudley, film music, Kevin Reynolds, medieval novel, Gottfried von Strassburg, Tristan and Isolde, epos, cinema, media text, culture hero