Аннотация: Предметом данной статьи является тема фотографии в философии Жака Деррида. При этом впервые Деррида обращается к проблеме фотографии в своём творчестве в контексте книги Ролана Барта «Camera lucida», поэтому в настоящей публикации мы постарались реконструировать своеобразный заочный диалог двух французских философов в свете проблемы фотографии и тот спектр понятий и тем, которые с ним связаны. Особое внимание уделяется небольшому тексту Деррида «Смерти Ролана Барта», написанному и опубликованному вскоре после трагической кончины Барта. В восприятии Деррида «Camera lucida» Барта это, в первую очередь, текст о призраках – именно они сквозным образом пронизывают всю его ткань и логику, а также формируют определяющую для Барта категорию «punctum». Обращаясь к работе Деррида «Смерти Ролана Барта», мы попытались использовать понятие призрака при анализе феномена фотографии. Концепт «призрака» получает развитие в целом ряде текстов Деррида, позволяя отразить то, что не присутствует, не имеет формы актуального наличного бытия, но одновременно отчаянно возвращается к нам, наведываясь с пугающим упорством. Именно поэтому концепт призрака оказывается также продуктивен и при анализе феномена фотографии. Фотография формирует уникальное «сплющенное» время, своеобразную временную петлю, в которой происходит расщепление присутствия и того настоящего, которое должно было его сформировать. Она верифицирует реальность, но не способна быть «живым» свидетельством прошлого, как её чаще всего представляют. Фотография спектрализирует своего зрителя, развертывая особый тип перспективы, который монтирует специфические правила восприятия и формирует новый тип субъектности со своими особенностями и характеристиками.

Ключевые слова: Деррида, Барт, фотография, punctum, camera lucida, призрак, смерть, память, время, деконструкция

Abstract: The subject of this article is photography in the philosophy of Jacques Derrida, which is addressed for the first time in his work in the context of Roland Barthes' book "Camera lucida". In this publication, we have attempted to reconstruct a dialogue between the two eminent French philosophers, focusing on the problem of photography and related concepts and topics. Special attention is given to Jacques Derrida's short text, "The Deaths of Roland Barthes," written shortly after the tragic death of philosopher. In Derrida's view, Roland Barthes' "Camera lucida" is a text about ghosts, which permeate its fabric and logic and form the category of "punctum." Referring to Jacques Derrida's text "The Deaths of Roland Barthes," we used the concept of ghosts to analyze the phenomenon of photography. The concept of the "ghost" is explored in a number of texts by Jacques Derrida, allowing us to reflect on what is not present, has no actual form of existence, but at the same time returns to us with persistent frightening frequency. This is why the concept of the ghost can also be used to analyze the phenomenon of photography. Photography creates a unique "flattened" time, a time loop of sorts, in which the separation between presence and absence that should form it occurs. Photography snatches out a fragment of the present, in which a certain fundamental absence is already imprinted forever, the present, which we can see only because of its absence. Photography confirms reality, but it is not a "living" representation of the past as it is often portrayed. Photography spectrifies its viewer by employing a specific type of perspective, which establishes specific rules of perception, and creates a new type of subjectivity with unique characteristics.

Keywords: time, memory, death, ghost, camera lucida, punctum, photography, Barthes, Derrida, deconstruction

Аннотация: Используя в качестве отправной точки анализа полилог Жака Деррида «Реституция, От истины к размеру», статья рассматривает проблему истины в живописи. Деррида, обращаясь к известному спору Мартина Хайдеггера и Мейера Шапиро по поводу картины Винсента Ван Гога «Башмаки», не только реконструирует детали этой заочной дискуссии, растянувшейся на долгие годы, но и выступает с острой критикой академического дискурса, как философского, так и искусствоведческого, в равной степени ограниченных в своей тотальной претензии на знание истины в живописи. Деррида приходит к выводу, что несмотря на внешние различия и внутреннее противопоставление, позиции Хайдеггера и Шапиро оказываются созвучны друг другу. Воссоздавая основные направления дерридарианского анализа, автор раскрывает идею «реституции истины» в живописи, встраивая её в более общий философский контекст деконструкции искусства. Реституция с неизбежностью сопряжена с присвоением и переатрибуцией смыслов и образов художественного произведения. Именно это произошло в «зеркальной спекуляции» Хайдеггера и Шапиро, стремившихся к присвоению истины «башмаков» с картины Ван Гога. Хайдеггер ставя башмаки «на землю», отдает их крестьянке, Шапиро же пишет об их принадлежности самому художнику Винсенту, но, в конечном итоге, оба прославленных профессора лишь проецируют на картину Ван Гога свою собственную идентичность и заставляют говорить свою правду, одновременно встраивая её в рамки академического дискурса.

Ключевые слова: Деррида, Ван Гог, Хайдеггер, Шапиро, живопись, истина, реституция, искусство, деконструкция, парергон

Abstract: Using Jacques Derrida's polylogue "Restitution, From truth to size" as a starting point of analysis, the article examines the problem of truth in painting. Derrida, referring to the famous dispute between Martin Heidegger and Meyer Sсhapiro over Vincent Van Gogh's painting "Shoes", not only reconstructs the details of this correspondence discussion, which stretched for many years, but also makes a sharp criticism of academic discourse, both philosophical and art criticism, equally limited in its total claim to knowledge truth in painting. Derrida comes to the conclusion that despite the external differences and internal opposition, the positions of Heidegger and Sсhapiro are completely in tune. Recreating the main directions of Derrida's analysis, the author reveals the idea of the "restitution of truth" in painting, embedding it in a more general philosophical context of the deconstruction of art. Restitution is inevitably associated with the appropriation and re-attribution of the meanings and images of an artistic work. This is exactly what happened in the "mirror speculation" of Heidegger and Sсhapiro, who sought to appropriate the truth of the "shoes" from Van Gogh's painting. Heidegger puts the shoes "on the ground", gives them to a peasant woman, Shapiro writes about their belonging to the artist Vincent himself, but, in the end, both famous professors only project their own identity onto Van Gogh's painting and force them to tell their truth, while embedding it in the framework of academic discourse.

Keywords: parergon, deconstruction, art, restitution, truth, painting, Schapiro, Heidegger, Van Gogh, Derrida

Аннотация: Предметом исследования является процесс цифровизации и его социокультурные проявления. Автор уделяет особое внимание влиянию цифровизации на искусство в современном мире. По мнению автора, произведение искусства подвержено процессу массовизации, что имеет определенную связь с изучаемым процессом. В "эпоху цифры" произведение искусства проникает в интернет-среду, где приобретает совершенно специфические черты. Это новый способ существования искусства и его трансляции в современном мире. В результате цифровые технологии становятся триггером, одним из факторов, способствующим процессу массовизации в искусстве. Цифровая репродукция становится направлена на удовлетворение потребностей в развлечении максимально среднего зрителя. Основными выводами проведенного исследования являются следующие положения. Процессы цифровизации оказывают неоднозначное влияние на основные формы существования искусства и его восприятие зрителем. С одной стороны, в результате цифровизации искусство в целом становится более доступно и упрощается его понимание. С другой же стороны, цифровые репродукции лишаются того статуса, которым обладает оригинал. Кроме того, такие репродукции направлены в угоду массовому зрителю, желающему получить наиболее простой продукт - яркий, интересный и зрелищный контент, не нагруженный глубокими смыслами. Помимо этого, учреждения культуры, которые традиционно являлись трансляторами искусства, сегодня теряют свою монополию на это. В результате происходит постепенный разрыв связи между зрителем и произведением искусства.

Ключевые слова: поворот, искусство, визуальный поворот, цифровой поворот, массовизация, массовизация искусства, цифровая среда, цифровое искусство, культура, современное искусство

Abstract: The subject of the study is the process of digitalization and its socio-cultural manifestations. The author pays special attention to the impact of digitalization on art in the modern world. According to the author, the work of art is subject to the process of mass production, which has a certain connection with the process being studied. In the "digital age", a work of art penetrates into the Internet environment, where it acquires completely specific features. This is a new way of art's existence and its translation in the modern world. As a result, digital technologies become a trigger, one of the factors contributing to the process of mass production in art. Digital reproduction becomes aimed at meeting the entertainment needs of the maximum average viewer. The main conclusions of the study are the following provisions. Digitalization processes have an ambiguous effect on the main forms of art existence and its perception by the viewer. On the one hand, as a result of digitalization, art as a whole becomes more accessible and its understanding is simplified. On the other hand, digital reproductions are deprived of the status that the original has. In addition, such reproductions are aimed at pleasing the mass audience who wants to get the simplest product - bright, interesting and entertaining content, not loaded with deep meanings. In addition, cultural institutions that have traditionally been translators of art are losing their monopoly on it today. As a result, there is a gradual break in the connection between the viewer and the work of art.

Keywords: contemporary art, digital art, digital environment, mass production of art, mass production, digital rotation, visual rotation, art, turn, culture

Аннотация: Статья посвящена осмыслению эстетической концепции русского поэта Георгия Иванова, выраженной им в «Распаде атома» и поздних стихотворениях. «Распад атома» рассматривается как попытка создания манифеста русского модернизма, излагающего в художественной (лирической) форме взгляды русского поэта на кризис искусства начала XX века и пути выхода из кризиса. В отличие от Ортеги-и-Гассета, сформулировавшего основной принцип искусства западного модернизма как «дегуманизацию», то есть отказ от мимесиса и, как следствие, от смысла (статья «Дегуманизация искусства»), Георгий Иванов видит единственную возможность преодоления кризиса искусства в сохранении в искусстве человеческого содержания. В исследовании применяется эстетический метод макроанализа произведений автора, нацеленный на выявление эстетических категорий (ирония, музыка), которыми определяется эстетическая концепция автора. Кроме того, исследователь применяет филологический и сравнительный методы для анализа произведений Георгия Иванова и сравнения "Распада атома" с "Дегуманизацией искусства" Ортеги-и-Гассета. Научная новизна данного исследования основана на том, что впервые в русской эстетике предпринимается анализ "Распада атома" Георгия Иванова в контексте западного модернизма и очерчивается эстетическая концепция Иванова, основанная на сочетании в произведениях поэта иронического и лирического начал, то есть рефлексией о форме, и осмысленного высказывания художника о бытии.

Ключевые слова: Распад атома, модернизм, ирония, лирика, музыка, смысл, дегуманизация, поэзия, кризис искусства, новая гармония

Abstract: This article is dedicated to comprehension of aesthetic concept of the Russian poet Georgy Ivanov, reflected in “Disintegration of the Atom” and his poems of later period. “Disintegration of the Atom” is perceived as an attempt of creating the manifest of Russian modernism that in a lyrical form interprets views of the poet upon the crisis of art of the early XX century and way of overcoming it. Unlike José Ortega y Gasset, who formulated the key principle of art in Western modernism as “dehumanization”, i.e. renunciation of mimesis, and huts the meaning (article “Dehumanization of Art), Georgy Ivanov sees the only opportunity for overcoming the crisis of art in preservation of human content therein. The scientific novelty of this work consists in carrying out the first within Russian aesthetics analysis of Georgy Ivanov’s “Disintegration of the Atom” in the context of Western modernism, as well as in outlining his aesthetic concept that is based on synthesis of the ironic and lyrical beginnings, in other word, reflection about the form, rationalized thoughts of the artist on the existence.

Keywords: dehumanization, sense, music, lyrics, irony, modernism, The desintegration of atom, poetry, the crisis of art, the new harmony

Аннотация: В статье актуализируется проблема беспристрастного и объективного оценивания творений искусства экспертным обществом, разбора приоритетных критериев такого оценивания и каналов восприятия творений профессионального искусства представителями экспертных групп. Основными методами исследования являются: анализ научной литературы по обозначенной проблеме, обобщение, принципы диалектики, аксиологический подход к анализу материалов данного исследования. Автор исходит из того, что экспертное общество в сфере искусства допустимо определить как категорию профессионалов, владеющих широкими познаниями и большой эрудицией в сфере культуры и художества, привлекаемых для проведения экспертизы современных художественных произведений и культурного наследия минувших веков. Обозначается, что проблемным аспектом экспертных обществ в сфере искусства считается существенное несоответствие эмоционального, наглядно-образного восприятия, отличительного для оценивания творений искусства с позиции эстетического восприятия, и надобности действий по правилам, схемам и методам. Подчеркивается, что экспертное общество в собственной практической деятельности должно руководствоваться осознанием сущности правил, законов, формул, видеть зоны их внедрения.

Ключевые слова: экспертное общество, экспертная деятельность, экспертиза, художественность, сфера искусства, произведения искусства, восприятие творений искусства, общество знаний, эстетика, философия искусства

Abstract: This article puts to the forefront the problem of unbiased and objective assessment of artworks by the expert community, analysis of the priority criteria of such assessment and chains of perception of professional works of art by the representatives of expert groups. The author leans on the fact that the expert community in the field of art may be defined as a category of professionals possessing extensive knowledge and erudition in the sphere of culture and art, attracted for conducting expertise on the contemporary artworks and cultural heritage of the past centuries. It is underlinesd that the problematic aspect of expert communities in the field of arts is the substantial disaccord of emotional and visual-imager perception different for assessing the works from the perspective of aesthetics, and demand to act by the rules, patterns and methods. The author also points out that the expert community in their practical activity should be guided by realization of the essential rules, laws, formulas, as well as see the zones for their implementation.

Keywords: perception of works of art, works of art, sphere of art, artistry, expertise, expert activity, expert society, knowledge society, aesthetics, philosophy of art

Аннотация: В настоящей статье рассматривается феномен сюрреализма и его развитие до тридцатых годов XX века. Автор делает акцент на том, что происхождение сюрреализма напрямую связано с кризисом культуры на рубеже XIX и XX веков, который был вызван экономическими причинами того времени и Первой мировой войной. Анализируется течение дадаизма, который оказал существенное влияние на основных представителей сюрреализма. Рассматривается философия Бергсона и Фрейда как фундамент сюрреализма. Уделяется большое внимание персоне Андре Бретона и его политическим воззрениям, которые существенно повлияли на течение сюрреализма. Методология данного исследования строится с опорой на историко-культурный анализ, сравнительно-исторический анализ, культурологический анализ и философский анализ. В результате предпринятого исследования удалось показать, что сюрреализм являлся чем-то большим, чем художественное движение. Он представлял собой философскую концепцию, которая ставила своей целью социальную революцию, отказ от всего старого и ретроградного. Прежнее капиталистическое общество должно быть заменено новым бесклассовым. Именно в этом они видели выход из кризиса.

Ключевые слова: сюрреализм, Первая мировая война, Бретон, капитализм, коммунизм, кризис культуры, революция, дадаизм, Фрейд, психоанализ

Abstract: This article examines the phenomenon of surrealism and its evolution until the 1930’s. The focus is made on the fact that the origination of surrealism is directly related to the cultural crisis at the turn of the XIX and XX century due to economic reasons of that period and the World War I. The author analyzes the trend of Dadaism, which significantly influence the key representatives of surrealism. The article explores the philosophy of Bergson and Freud; as well pays considerable attention to the persona of André Breton and his political views that largely affected surrealism. Methodology of this work is structured on the historical-cultural, comparative-historical, culturological, and philosophical analysis. As a result, the author was able to demonstrate that surrealism was way more than a cultural movement. It represented the philosophical concept that pursued a goal of social revolution, renunciation of anything old-fashioned and outdated. The previous capitalist society had to be replaced by a new classless society. Namely this was considered a recovery from the crisis.

Keywords: dadaism, revolution, culture crisis, communism, capitalism, Breton, World War I, surrealism, Freud, psychoanalysis

Аннотация: Объектом исследования является многогранный и многозначный феномен искусства. В статье предлагается рассматривать искусство как комплексный феномен, нуждающийся в рефлексии со стороны различных научных дисциплин социально-гуманитарного профиля. Направленность исследований и специфика искусства позволяют почти всем дисциплинам примкнуть к исследованию, однако наибольшим потенциалом в этом обладают следующие науки: философия, культурология, социология, этнология, антропология, искусствоведение. В границах данных наук и знаний и в их единстве искусство раскрывается более полноценно Основным направлением исследования служит системный подход, позволяющий представить рассматриваемый объект во взаимодействии культуры, общества и человека Основными выводами статьи служат следующие положения: 1) искусство должно рассматриваться на междисциплинарном уровне, что в значительной степени увеличивает возможности более емкого и всестороннего изучения данного феномена; 2) в рамках различных наук и знаний должна быть сформирована единая теоретико-методологическая стратегия изучения искусства.

Ключевые слова: искусствоведение, антропология, познание, интеграция наук, этнология, философия, социология, культура, наука, социокультурный аспект

Abstract: The object of this research is the diversified and expressive phenomenon of the art. The author suggests examining art as a complex phenomenon that requires reflection from the side of various scientific disciplines of the socio-humanitarian type. The specificity of art allows almost all disciplines to join the research, however the most potential have the following sciences: philosophy, culture, culturology, sociology, ethnology, anthropology, and history of art. A systemic approach serves as the main direction for this research, which allows demonstrating the examined object within the correlation of culture, society, and human. Among the main conclusions lie the following positions: 1) the art has to be viewed on the interdisciplinary level, which significantly increases capability of deeper and more comprehensive study of this phenomena; 2) within the framework of various sciences and knowledge, there has to be established a unified theoretical-methodological strategy of studying art.

Keywords: art history, anthropology, knowledge, integration of science, ethnology, philosophy, sociology, culture, the science, socio-cultural aspect

Аннотация: Предметом исследования предлагаемой статьи являются философские аспекты поэтического творчества М. Волошина. Основное внимание автор сосредотачивает на проблеме времени, истории, материи и земли в системе философского и поэтического мировоззрения поэта. В исследовании указывается на связь философских мотивов лирики М. Волошина с такими мыслителями, как Ж. Делез, Ж. Деррида, Р. Штейнер, Гераклит и Фалес. Особое внимание уделяется выявлению параллелей взглядов М. Волошина с философскими идеями Ф. Ницше. В статье используются базовые методологические принципы и установки философского анализа художественного текста, сравнительного литературоведения и деконструктивизма. Основным вкладом автора в исследование темы является философский анализ таких образов-концептов поэтического мира М. Волошина, как время, мгновение, след, рана, знак, свиток, материя и земля. Новизна исследования заключается в экспликации идеи вечного возвращения Ф. Ницше в системе философского мировоззрения поэта.

Ключевые слова: Волошин, Ницше, вечное возвращение, время, мгновение, история, материя, земля, след, свиток

Abstract: The subject of study of the proposed article is philosophical aspects of poetry Voloshin. Main attention is focusing on the problem of time, history, and the matter of land in the philosophical and poetic world of the poet. The study shows the relationship of philosophical motives lyric Voloshin with such thinkers as Deleuze, Derrida, R. Steiner, Heraclitus and Thales. Particular attention is given to identifying parallels views Voloshin with the philosophical ideas of Nietzsche. The article uses the basic methodological principles and guidelines of the philosophical analysis of a literary text, comparative literature, and deconstruction. The main contribution of the author's research theme is the philosophical analysis of the images, concepts poetic world Voloshin as time, a moment, the trail wound, sign, scroll, matter and earth. The novelty of the research lies in the explication of the idea of eternal return Nietzsche in the philosophical world of the poet.

Keywords: Voloshin, Nietzsche, the eternal return, time, moment, history, matter, Earth, track, scroll

Аннотация: Фонографическое наследие рассматривается в качестве системы коммуникаций Восточной Европы и в виде подсистемы аудиовизуальной культуры, что представляет объект исследования. Предметом публикации является история национального рока как социодинамического фактора развития коммуникаций в сфере музыкальной звукозаписи в Венгерской Народной Республике. В статье определено место и описана роль венгерской рок-музыки в пространстве звукозаписи. Автором подробно охарактеризована система звукозаписывающих коммуникаций в социалистический период развития Венгрии. Особое внимание уделяется анализу артефактов грамзаписи, которыми выступают пластинки с рок-музыкой. Методологическим основанием статьи является системный метод, поскольку исследование строится на синтезе различных взглядов в социально-гуманитарной науке на феномен музыкальной звукозаписи. Приоритетами научного поиска выступают сравнительно-историческая методология и философско-антропологический анализ. Автор пришел к выводу о том, что фактически рок-музыка стала неофициальным центром особой социокоммуникационной системы, в центре которой в Венгрии, как и в других странах «Восточного блока» в условиях социализма, сформировались молодежная музыкальная субкультура. Новизна исследования заключается в установлении основных коммуникационных элементов системы грамзаписи ВНР, сформированных вокруг государственной фирмы «Magyar Hanglemezgyártó Vállalat – Нungaroton» с несколькими торговыми марками «Pepita», «Start», «Bravo», «Favorit», «Krém», «Qualiton», которые в настоящее время приобрели особый культурно-ностальгический статус.

Ключевые слова: Венгрия, Восточная Европа, Бит-музыка, Рок-группа, Фонографическая культура, Завод грампластинок, Лейбл, Сублейбл, Фирма грамзаписи, Торговая марка

Abstract: Phonographic heritage is seen as a communication system in Eastern Europe and as a subsystem of audiovisual culture which is the object of study. The subject of this study is the history of the national rock as a sociodynamic factor in the development of communications in the field of music recording in the Hungarian People's Republic. The author of the article defines the place and the role of the Hungarian rock music in the field of recording. The author describes in detail the system of recording of communications in the socialist era of Hungary. Particular attention is paid to the analysis of recording artifacts, in partiular, gramophone records with rock music. The methodological basis of the article involves a systems method because the study is based on a synthesis of different views in social-humanities sciences on the phenomenon of musical recording. The priorities of scientific research are the comparative-historical methodology and philosophical-anthropological analysis. The author concludes that rock music actually became the unofficial center of a special sociocommunication system centered in Hungary just like in other countries of the «Eastern block» and formed a youth musical subculture. The novelty of the research is caused by the fact that the author establishes the basic elements of Hungarian record communication related to the state company «Magyar Hanglemezgyártó Vállalat – Hungaroton» with several trademarks «Pepita», «Start», «Bravo», «Favorit», «Krém», «Qualiton» which today has acquired a special nostalgic cultural status.

Keywords: recording company, Hungary, sublabel, Eastern Europe, beat music, rock group, phonographic culture, gramophone records factory, label, trade mark

Аннотация: Поскольку рассмотреть всю диалектику искусства как процесса в работах подобного объёма невозможно в принципе, автор, в своём исследовании, выделяет лишь некоторые аспекты диалектичности художественного творчества, на примере создания живописного произведения. В первом разделе, автор рассматривает диалектику искусства как результат взаимодействия различных полярных сил, систем, явлений. Во втором разделе, исследуется художественное творчество как развивающийся процесс, в основании которого лежит такой закон диалектики как «переход количества в качество». В третьем разделе, автор рассуждает о диалектике непосредственно художественного произведения, как о целостном, интегральном, идеально-материальном образовании, где духовное (мировоззрение художника) получает возможность проявить себя через материальное (через форму и содержание картины), то есть особенно наглядно. Третий раздел посвящён диалектике чувственного и рационального, как одной из характерных черт двойственной природы художника. Методологической базой исследования является метод структурно-функционального анализа; диалектический метод; метод герменевтической редукции; метод интеллектуальной спекуляции, а также общенаучные (общелогические) методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия, моделирование. Проведённое автором исследование данных аспектов, позволил ему сделать следующие выводы: В непрерывно движущемся, изменчивом становлении «ткани» живописного произведения, объективно реализуется процесс его развития как постоянного возникновения чего-то принципиально нового и необратимого в нём. Каждый последующий этап развития художника как осознающего индивида, обнаруживает для него самого, скрытые и невидимые прежде, но сейчас приобретённые, а от того становящиеся бесценными шаги его восхождения а, вместе с ними, фиксируемые «планки» раскручивающейся спирали его творчества. Художественное произведение, есть целостное, интегральное, идеально-материальное образование, где духовное (мировоззрение художника) получает возможность проявить себя через материальное (через форму и содержание картины), то есть особенно наглядно (посредством художественных образов). В результате, необходимо зафиксировать, характерный для художественного процесса, факт превращения (перехода) осознанной мировоззренческой установки (идеи своего бытия) через энергию творческого акта – в художественный продукт, в его форму и его содержание. Данные чувственного уровня – это важный исходный материал, в котором художник получает информацию для последующей художественно - творческой переработки. Этот исходный, чувственно-эмоциональный материал, в результате рассудочной деятельности усваивается и всецело присваивается разумом, образуя чувственно-рациональный фундамент для процесса создания живописного произведения. Следует констатировать, что и сам творец, и процесс творения и его результат – все это есть диалектика художественного творчества.

Ключевые слова: диалектика, искусство, живопись, цвет, произведение, развитие, качество и количество, чувственно-эмоциональный, рационально-логический, мировоззрение

Abstract: As to consider all dialectics of art as process in works of similar volume it is impossible in principle, the author, in the research, allocates only some aspects of a dialektichnost of art creativity, on the example of creation of a work of painting. In the first section, the author considers dialectics of art as result of interaction of various polar forces, systems, the phenomena. In the second section, art creativity as the developing process in which basis such law of dialectics as "transition of quantity to quality" lies is investigated. In the third section, the author argues on dialectics directly of a work of art as about complete, integrated, ideal and material education where spiritual (outlook of the artist) has an opportunity to prove through material (through picture form and content), that is it is especially evident. The third section is devoted to dialectics sensual and rational, as one of characteristic features of the dual nature of the artist. Methodological base of research is the method of the structurally functional analysis; dialectic method; method of a germenevtichesky reduction; method of intellectual speculation, and also general scientific (general-logical) methods: analysis, synthesis, induction, deduction, analogy, modeling. The research of these aspects conducted by the author allowed it to draw the following conclusions: In continuously moving, changeable formation of "fabric" of a work of painting, process of its development as continuous emergence something essentially new and irreversible in it is objectively realized. Each subsequent stage of development of the artist as the realizing individual, finds for him, hidden and invisible before, but now acquired, and from that the steps of his ascension becoming invaluable and, together with them, fixed "levels" of the untwisted spiral of his creativity. The work of art is a complete, integrated, ideal and material formation where spiritual (outlook of the artist) has an opportunity to prove through material (through picture form and content), that is is especially evident (by means of artistic images). As a result, it is necessary to record, characteristic for art process, the fact of transformation (transition) of conscious world outlook installation (idea of the life) through energy of the creative act – in an art product, in its form and its contents.Data of sensual level is an important initial material in which the artist receives information for the subsequent artly - creative processing. This initial, sensual and emotional material, as a result of rational activity is acquired and entirely appropriated by reason, forming the sensual and rational base for process of creation of a work of painting.It is necessary to state, as the creator, both the process of creation and the result are the dialectics of art creativity.  

Keywords: dialectics, art, fine art, color, artwork, art painting, development, quantity and quality, sensual-emotional, rational-logical, world view

Аннотация: Со времён античности и до наших дней философы, искусствоведы, критики, не обходили своим вниманием проблему зрителя в искусстве, его роль и значение для художника, процесса восприятия художественного произведения, механизмов его интерпретации зрителем. Как художественное творчество, так и художественное восприятие обусловлено социально-историческими предпосылками. Каков зритель в поле видео искусства? Современный зритель – это пользователь, клиент, наблюдатель, соучастник, соавтор? Каково место зрителя в искусстве вообще с точки зрения различных философий и социально-политических систем? В истории искусства, за-фиксировавшей процесс смены художественных стилей и изобразительных систем на протяжении веков, XX век рассматривается как совершенно особый период. Это столетие породило такое количество различных направлений, произвело столько экспериментов со зрительным восприятием, настолько узаконило использование «чужих» приемов, что пе-ред художником нашего времени стоит проблема выбора – в какой изобразительной си-стеме работать, на каком «языке» говорить со зрителем. Казалось бы, художник находится в ситуации полной свободы выбора изобразительного языка: никакая официальная доктрина не довлеет над ним; нет никаких предписывающих указаний сверху; спектр направлений широк и разнообразен. И, тем не менее, никогда художник не был так зависим: больше, чем когда-либо, он зависит от зрителя, от его готовности воспринимать и понимать данный изобразительный язык. Феноменологический анализ процессов восприятия встречается крайне редко, а художественного восприятия тем более. Автор полагает, что между онтологическими основания-ми произведения искусства (по Гадамеру – игра, символ и праздник) и культурой времени и пространства его создания располагается устойчивый набор смыслов и ценностных ориентаций, часть которого нередко обнажается в диалоге художника и зрителя. Этим обусловлен феноменологический взгляд на художественное произведение в диалоге художника и зрителя. Между обыденным и художественным восприятием существует значительное различие. Картина – не только изображение того, что доступно взгляду, но и реализация в зримой форме представлений о мире и о месте человека в этом мире. Художник обладает особым восприятием – своей неожиданностью, непредсказуемостью, новизной. И, кроме того, язык изобразительного искусства не остаётся тем же, что и столетия назад, хотя бы потому, что картина мира стремительно меняется – Интернет, сотовая связь, новые технологии кардинально преобразили восприятие времени, пространства, скорости. Язык изобразительного искусства может и должен изменяться в силу новых форм коммуникации – перформанс, инсталляция, хэппининг. Но как? Как совместить традицию и эксперимент? Как активизировать поле, где художественное восприятие будет иметь адекватный зрительский отклик? Как возникает тот актуальный контекст, в котором художник и зритель вступают в плодотворное взаимодействие? На примере ремарок к произведениям и/или при открытом диалоге со зрителем автор снимает множество сопутствующих вопросов, отражающих авторскую позицию в своём произведении при сохранении при этом вариативности трактовок продукта творчества.

Ключевые слова: философия, изобразительное искусство, художник, зритель, игра, символ, праздник, культура, творчество, Интернет

Abstract: Since antiquity and up to now philosophers, art critics, critics, didn't ignore the problem of the viewer in art, its role and value for the artist, process of perception of a work of art, mechanisms of its interpretation by the viewer. Both art creativity, and art perception is caused by sociohistorical prerequisites.What viewer in the field of art video? The modern viewer is a user, the client, the observer, the accomplice, the coauthor? What place of the viewer in art in general from the point of view of various philosophies and socio-political systems? In the history of the art, the change which have recorded process of art styles and graphic systems throughout centuries, the XX century is considered as absolutely special period. This century generated such quantity of various directions, made so many experiments with visual perception, so legalized use of "others" receptions that the artist of our time is faced by a choice problem – in what graphic system to work, what "language" to speak with the viewer. It would seem, the artist is in a situation of a full freedom of choice of graphic language: no official doctrine prevails over it; there are no ordering instructions from above; the range of the directions is wide and various. And, nevertheless, never the artist was so we depend: it is more, than ever, it depends on the viewer, on his readiness to perceive and understand this graphic language. The phenomenological analysis of processes of perception meets extremely seldom, and art perception especially. The author believes that between the ontologic bases of a work of art (on Gadamera – game, a symbol and a holiday) and culture of time and space of its creation the steady set of meanings and the valuable orientations which part is quite often bared in dialogue of the artist and the viewer settles down. It caused a phenomenological view of a work of art in dialogue of the artist and the viewer. Between ordinary and art perception there is a considerable distinction. Picture – not only the image of that is available to a look, but also realization in a visible form of representations of the world and of a place of the person in this world. The artist possesses special perception – the surprise, unpredictability, novelty. And, besides, language of the fine arts doesn't remain to the same, as a century ago, at least because the world picture promptly changes – the Internet, the cellular communication, new technologies cardinally changed perception of time, space, speed.Language of the fine arts can and has to change owing to new forms of communication – performance, installation, a happening. But how? How to combine tradition and experiment? How to make active a field where the art perception will have an adequate spectator response? How there is that actual context in which the artist and the viewer enter fruitful interaction? On the example of notes to works and/or during an open dialogue with the audience the author answers many questions reflecting the author's position and at the same time gives us a chance to interpret his artwork in many different ways. 

Keywords: philosophy, fine arts, artist, viewer, game, symbol, holiday, culture, creative work, Internet