Аннотация: Работа посвящена философскому анализу ряда факторов культурологического характера, относимых прежде всего к визуальным жанрам и формам культуры, последующее воздействие которых на бурное развитие научно-технического прогресса в последние десятилетия XX – первые десятилетия XXI века напрямую или опосредованно повлияло на особенности функционирования и внешний вид интерфейса экранных устройств в их привычном ныне виде. Были исследованы в диахронии исторически сменяющие друг друга требования культуры к трансформациям визуальных образов в отношении их восприятия. Посредством анализа визуальной культуры авторы рассматривают современную технику в качестве единства трех составляющих: технологического, социально-культурного и антропологического. Данные составляющие позволяют представить технику в качестве целостного феномена для философского рассмотрения. Методология исследования построена на использовании эмпирического материала из области развития современных технологий, а также включает в себя анализ историко-философских и культурологических источников, касающихся исследования техники. При сопоставлении миметических форм традиционной культуры с миметическими способами отражения интерфейсом экранного типа применен сравнительно-типологический подход. Научная новизна исследования заключается в попытке сопоставления миметических форм традиционной культуры с миметическими способами отражения интерфейсом экранного типа. Посредством сопоставления данных форм авторы выходят на изучения более широкого феномена современного общества и культуры – феномена техники. Данное исследование способствует развитию философии техники в России. Одной из задач философии техники является изучение субъекта технической деятельности, который функционирует сегодня в новых технических условиях, в условиях цифровых и нанотехнологий. Техническая деятельность является основой для возникновения новейших знаний об обществе. Техника выступает формой материализации идей в практике, влияет на развитие технических наук, всех отраслей знаний в современном мире. Экранная культура выступает как часть технического развития, построенная на цифровизации технологий, но, в то же, время, она позволяет представить технику как единство технологий, человека и общества.

Ключевые слова: виртуальная реальность, экран, культура, паттерн, человек, мимесис, экранный мимесис, техника, общество, интерфейс

Abstract: The work is devoted to the philosophical analysis of a number of culturological factors related primarily to visual genres and forms of culture, the subsequent impact of which on the rapid development of scientific and technological progress in the last decades of the XX – first decades of the XXI century directly or indirectly influenced the features of the functioning and appearance of the interface of screen devices in their now familiar form. The historically alternating cultural requirements for transformations of visual images in relation to their perception were investigated in diachrony. Through the analysis of visual culture, the authors consider modern technology as a unity of three components: technological, socio-cultural and anthropological. These components allow us to present the technique as an integral phenomenon for philosophical consideration. The research methodology is based on the use of empirical material from the field of modern technology development, and also includes an analysis of historical, philosophical and cultural sources related to the study of technology. When comparing the mimetic forms of traditional culture with the mimetic ways of reflecting the screen-type interface, a comparative typological approach is applied. The scientific novelty of the research lies in an attempt to compare the mimetic forms of traditional culture with the mimetic ways of reflecting the screen-type interface. By comparing these forms, the authors go out to study a broader phenomenon of modern society and culture – the phenomenon of technology. This research contributes to the development of the philosophy of technology in Russia. One of the tasks of the philosophy of technology is to study the subject of technical activity, which functions today as a new technical environment, in the context of digital and nanotechnology. Technical activity is the basis for the emergence of new knowledge about society. Technology acts as a form of materialization of ideas in practice, affects the development of technical sciences, all branches of knowledge in the modern world. Screen culture acts as a part of technical development based on the digitalization of technologies, but at the same time, it allows us to present technology as a unity of technology, man and society.

Keywords: technic, screen mimesis, mimesis, human, pattern, culture, screen, virtual reality, society, interface

Аннотация: Российский режиссер анимационного кино Александр Свирский известен своим стремлением расширять границы анимации и избегать традиционных условностей, часто отказываясь от стандартов, принятых в индустрии анимации. Его работы представляют собой синтез художественных приемов, где автор использует образы и символы, гармонично переплетая графику с музыкальным рядом. Актуальность исследования обусловлена тем, что работы режиссера заслуживают глубокого анализа с целью выявления перспективных типов художественных форм в отечественном анимационном кинематографе. Объектом исследования выступают анимационные фильмы Александра Свирского, художника-визионера, обладающего своеобразным взглядом на природу анимации. Предметом исследования является особенность синергетической анимации режиссера, которая проявляется, в частности, в интеграции визуального и звукового пространств в целостный художественный образ по типу ассоциативного потока. В работе использован комплекс общенаучных (сравнение, анализ, обобщение) и специальных методов (визуально-иконический, художественно-оценочный). В анализе анимационных фильмов применялся описательно-аналитический и структурно-семантический методы. В фильмах Свирского присутствует элемент импровизации, позволяющий легко переходить от абстрактных форм к фигуративным изображениям и создавать многослойные произведения, насыщенные образами, которые требуют от зрителя активного восприятия. Научная новизна работы обусловлена тем, что в искусствоведческих исследованиях анализу творчества Свирского не уделено достаточного внимания, тогда как создаваемые им картины высоко оцениваются на анимационных фестивалях. Вкладом автора в исследование темы является подробный анализ творчества режиссера на примере некоторых его произведений. Основные выводы проведенного исследования заключаются в том, что художественная форма анимационных фильмов Александра Свирского преимущественно относится к перспективному, активно разрабатывающемуся в медиапространстве плоскостно-концептуальному типу, резонирующему с восприятием аудиовизуального контента молодым поколением зрителей. При этом важным качеством его работ становится яркое, образное, динамическое выражение некоего концепта, который «достраивается» в воспринимающем сознании реципиента, при условии его вовлеченности в контекст и эстетику авторского высказывания. Результаты исследования имеют теоретическое и практическое значение, могут быть использованы как концептуально-методологический базис в творческом процессе специалистов, задействованных в сфере анимационного кино и дать направление дальнейшим научно-теоретическим работам в ракурсе анализа современного анимационного искусства.

Ключевые слова: синергетика в анимации, российская анимация, Саша Свирский, синестезия в анимации, плоскостно-концептуальная форма, эстетика анимационного фильма, концептуальная анимация, визуальная культура, современная авторская анимация, анимационные технологии

Abstract: Russian animation director Alexander Svirsky is known for his desire to push the boundaries of animation and avoid traditional conventions, often rejecting the standards accepted in the animation industry. His works are a synthesis of artistic techniques, where the author uses images and symbols, harmoniously intertwining graphics with a musical accompaniment. The relevance of the study is due to the fact that the director's works deserve deep analysis in order to identify promising types of artistic forms in domestic animation cinema. The object of the study is the animated films of Alexander Svirsky, a visionary artist with a unique view of the nature of animation. The subject of the study is the peculiarity of the director’s synergetic animation, which manifests itself, in particular, in the integration of visual and sound spaces into a holistic artistic image according to the type of associative flow. The work uses a complex of general scientific (comparison, analysis, generalization) and special methods (visual-iconic, artistic-evaluative). In the analysis of animated films, descriptive-analytical and structural-semantic methods were used. The scientific novelty of the work is due to the fact that in art studies the analysis of the director's work has not been given sufficient attention, while the films he creates are highly appreciated at animation festivals. The author's contribution to the study of the topic is a detailed analysis of the director's work using some of his works as an example. The main conclusions of the conducted research are that the artistic form of Alexander Svirsky's animated films predominantly belongs to the promising, actively developed in the media space, flat-conceptual type, resonating with the perception of audiovisual content by the younger generation of viewers.

Keywords: aesthetics of the animated film, flat conceptual form, synesthesia in animation, Sasha Svirsky, russian animation, synergetics in animation, conceptual animation, visual culture, modern author's animation, animation technologies

Аннотация: Предметом исследования является трансформация режиссерского замысла в условиях сферического кинематографа. В исследовании анализируются особенности работы режиссера в омнидирекциональном пространстве, которое предоставляет зрителю свободу выбора направления взгляда. Рассматриваются новые выразительные средства, включая пространственный звук и многоплановую мизансцену, а также изменение подходов к монтажу и драматургии. Особое внимание уделяется особенностям восприятия зрителем сферического контента и перспективам развития этого формата в киноиндустрии. Целью данного исследования является изучение влияния омнидирекционального пространства на режиссерский замысел. Исследование направлено на выявление ключевых изменений в подходах к монтажу, композиции и драматургии. В рамках работы поставлены следующие задачи: проанализировать особенности режиссерской работы в формате 360°; выявить новые выразительные средства, возникающие в сферическом формате; определить влияние омнидирекционального повествования на зрительское восприятие; оценить перспективы развития сферического кинематографа и его интеграции с другими медиа. Основываясь на методах сравнительного анализа, в работе рассмотрено влияние омнидирекционального пространства на режиссерский замысел. Основные выводы данного исследования заключаются в том, что привычные инструменты режиссера, такие как монтаж, композиция кадра и линейное повествование не всегда адаптированы для использования в сферическом пространстве. Новизна исследования заключается в том, что в работе выявлены перспективные направления развития сферического кинематографа; отмечено, что, в связи с появлением сферического кинематографа возникает необходимость пересмотра ключевых аспектов кинематографического языка. Исследование показало, что использование омнидирекционального пространства требует от режиссеров разработки новых выразительных средств и стратегий взаимодействия со зрителем. Работа предлагает обзор ключевых проблем (вызовов) и возможностей сферического кинематографа, что делает её актуальной для теоретиков и практиков в области аудиовизуальных искусств и будет полезна для разработки нового программно-методического материала для студентов специальности "Режиссура кино и телевидения".

Ключевые слова: сферический кинематограф, 360-градусное видео, омнидирекциональное пространство, режиссерский замысел, пространственный звук, иммерсивность, нелинейное повествование, виртуальная реальность, многоплановая мизансцена, управление вниманием зрителя

Abstract: The subject of the study is the transformation of the director's concept in the conditions of spherical cinematography. The study analyzes the peculiarities of the director's work in the omnidirectional space. New expressive means are considered, including spatial sound and multiplanar mise-en-scene, as well as changing approaches to editing and dramaturgy. Special attention is paid to the peculiarities of the viewer's perception of spherical content and the prospects for the development of this format in the film industry. The aim of this study is to examine the influence of omnidirectional space on the director's conception. The study aims to identify key changes in approaches to editing, composition and dramaturgy. The following objectives are set: to analyze the peculiarities of directorial work in 360° format; to identify new expressive means emerging in the spherical format; to determine the impact of omnidirectional narrative on the viewer's perception; to assess the prospects for the development of spherical cinema and its integration with other media. Based on the methods of comparative analysis, the paper examines the influence of omnidirectional space on directorial intent. The main conclusions of this study are that the director's usual tools are not always adapted for use in spherical space. The novelty of the study lies in the fact that the work identifies promising directions for the development of spherical cinematography. The study shows that the use of omnidirectional space requires directors to develop new expressive means and strategies of interaction with the audience. The paper offers an overview of the key problems (challenges) and opportunities of spherical cinematography, which makes it relevant for theorists and practitioners in the field of audiovisual arts and will be useful for the development of new program and methodological material for student directors of various specializations.

Keywords: multi-layered mise-en-scène, virtual reality, non-linear storytelling, spatial sound, immersiveness, directorial intent, omnidirectional space, 360-degree video, spherical cinema, viewer attention management

Аннотация: Статья рассматривает творчество советского художника Павла Леонова, который является одним из наиболее известных представителей наивного искусства XX века, в контексте ностальгического восприятия его работ современной публикой. Ностальгическое прочтение работ Леонова связано не только с их сюжетами и тематикой (идеализированной, утопической советской образностью), но и с самим художественным методом автора, основанным на идее изобретения и конструирования. Этот «конструктивистский» подход Леонова соотносится с широко распространенными в советской культуре практиками «сделай сам» (DIY), которые сегодня также являются частью ностальгической образности. Обращаясь к более поздним художественным практикам, можно сделать вывод, что подобный ностальгический эффект, имеющий схожую динамику и принцип, характерен и для ряда других художественных проектов в современном отечественном искусстве. Для исследования творческого наследия художника предлагается рассматривать наивное искусство, к которому принято относить его произведения, как дискурсивный феномен, а не как художественный стиль или направление, и обращаться к изучению отдельных художественных явлений не через выявление их «наивности», а сфокусировавшись на конкретной художественной стратегии как проявлении историко-культурного контекста. Показано, что подобный теоретический подход к отдельным художественным явлениям продуктивен и оправдан, поскольку разнообразие стилистических особенностей работ наивных художников затрудняет выделение наивного искусства как единого стилистического явления. В то же время история формирования дискурса «наивного» в искусстве и культуре, прослеживаемая начиная с эстетики романтизма, позволяет с уверенностью указать на идейную и ценностную нагруженность и сконструированность этого дискурса в советском и постсоветском искусствоведении, наследующего романтическим представлениям о наивности как простоте и естественности. Сегодня, однако, конструкт «наивного» всегда оказывается опосредованным институциональной реальностью мира современного искусства, что делает явными концептуальные ограничения этого понятия как искусствоведческого инструментария. Научная новизна исследования заключается отступлении от этой концептуальной рамки и в выявлении «конструирования» как важного принципа художественной стратегии Павла Леонова и как движущей силы ностальгического эффекта его работ, отмечаемого современными зрителями.

Ключевые слова: Павел Леонов, наивное искусство, наив, ностальгия, DIY-культура, дизайн, советская культура, советское искусство, современное искусство, эстетика

Abstract: The article examines the work of the Soviet artist Pavel Leonov, one of the most famous naive artists of the 20th century, in the context of the nostalgic perception of his works by today’s audience. The nostalgic perception of Leonov's works is associated not only with the plots and themes (i.e. idealized, utopian Soviet reality), but also with the author's artistic method itself, based on the idea of invention and construction. This "constructivist" approach of Leonov correlates with the widespread DIY practices in Soviet culture, which today are also part of nostalgic imagery. A similar nostalgic effect characterizes a number of other artistic projects in contemporary Russian art. In order to study Leonov’s artworks, it is proposed to consider naive art, to which they are usually attributed, as a discursive phenomenon, rather than as an artistic style or movement, and to study individual artistic phenomena not through the identification of their "naivety", but by focusing on a specific artistic strategy as a manifestation of the historical and cultural context. Such an approach is effective, since the diversity of stylistic features of the works of various naive artists makes it difficult to single out naive art as a proper stylistic phenomenon. The formation of the discourse of the "naive" in art and culture has a long history traced back to the aesthetics of Romanticism, which allows us to confidently point out the ideological and axiological nature of this discourse in Soviet and post-Soviet art criticism, and how it was constructed, inheriting romantic ideas about naivety as simplicity and naturalness. The scientific novelty of the study lies in identification of "construction" as an important principle of Pavel Leonov’s artistic strategy and as the driving force behind the nostalgic effect of his works, noted by contemporary viewers.

Keywords: Soviet art, Soviet culture, design, DIY-culture, nostalgia, naive, naive art, Pavel Leonov, modern art, aesthetics

Аннотация: В данной статье рассматривается развитие китайской фигуративной живописи жэнь-у в XX веке, её трансформации под влиянием как внешних факторов, так и внутренних культурных и политических изменений. Объектом исследования является живопись жэнь-у ХХ века. Жэнь-у — один из древнейших жанров китайской живописи, который претерпел значительные изменения в связи с реформами, культурными движениями и политическими событиями XX века. Предметом исследования являются эволюционные процессы, происходившие с живописью жэнь-у в Китае в ХХ веке. XX век стал временем значительных перемен для китайской культуры в целом и живописи в частности, что связано как с политическими, так и с культурными процессами.     Данное исследование выделяет три этапа: с 1900 г. по 1949 г., с 1949 г. по 1978 г. и с 1978 г. по 2000 г. Революция в стране и искусстве привели к тому, что жанр жэнь-у расширил свои визуальные и содержательные рамки, интегрировав элементы западного реализма и модернизма. С начала века художники исследовали новые формы и методы, сочетая западные стили и техники с китайскими традициями, что позволило жанру обрести уникальную идентичность, соединяющую прошлое и современность. Во второй половине века фигуративная живопись в Китае приобрела социальную направленность, особенно в рамках социалистического реализма, когда главными героями произведений становились рабочие и крестьяне. Также большую роль начал играть реализм в изображении человеческих фигур. В конце XX века, благодаря политике реформ, жанр жэнь-у вновь стал более разнообразным и свободным от идеологических ограничений. В результате жэнь-у обогатился элементами западной живописи, такими как светотень, объём, линейная композиция, реалистичность и стал более выраженным в плане психологизма. Таким образом, исследование жанра жэнь-у в XX веке позволяет глубже понять, как культурное наследие Китая адаптировалось к вызовам современности и сформировало уникальный культурный путь, сочетающий традиции и инновации.

Ключевые слова: жэнь-у, китайская живопись, гохуа, социалистический реализм, модернизм, Сюй Бэйхун, Лин Фэнмянь, Фан Цзэнсянь, Хэ Цзяин, Ши Голян

Abstract: This article examines the development of Chinese figurative Zhen-wu painting in the 20th century, its transformation under the influence of both external factors and internal cultural and political changes. The object of the study is the painting of the Zhen-wu of the 20th century. Zhen-wu is one of the oldest genres of Chinese painting, which has undergone significant changes due to the reforms, cultural movements and political events of the 20th century. The subject of the study is the evolutionary processes that took place with Zhen-wu painting in China in the twentieth century. This study identifies three stages: from 1900 to 1949, from 1949 to 1978, and from 1978 to 2000. The revolution in the country and art led to the fact that the Zhen-wu genre expanded its visual and content framework, integrating elements of Western realism and modernism. Since the beginning of the century, artists have explored new forms and methods, combining Western styles and techniques with Chinese traditions, which allowed the genre to gain a unique identity connecting the past and the present. In the second half of the century, figurative painting in China acquired a social orientation, especially within the framework of socialist realism, when workers and peasants became the main characters of the works. Realism also began to play an important role in the depiction of human figures. At the end of the 20th century, thanks to the policy of reforms, the genre of Zhen-wu again became more diverse and free from ideological restrictions. As a result, Zhen-wu was enriched with elements of Western painting, such as chiaroscuro, volume, linear composition, realism and became more pronounced in terms of psychologism. Thus, the study of the Zhen-wu genre century allows a deeper understanding of how China's cultural heritage.

Keywords: Fang Zengxiang, Lin Fengmian, Xu Beihong, modernism, Socialist realism, Guohua, He Jiaying, Chinese painting, Zhen-wu, Shi Golyan

Аннотация: Объект исследования – русское изобразительное искусство XIX в. Предмет исследования – история взаимодействия русских художников с китайской культурой, историей и искусством, их восприятие и интерпретация, а также особенности художественного воплощения образов и мотивов. Автор опирается на идею органичной взаимосвязи различных явлений культуры и искусства в рамках определенной эпохи. Иконографический, а также стилистический и композиционный анализ помогают выявить те черты, которые во многом определили содержание работ художников, их язык и отдельные приемы. Методология исследования построена на сочетании приемов, нацеленных на изучение разных аспектов феномена представительства китайского искусства и культуры в России. Методика опирается на комплексное изучение и сравнение различных видов источников, исследование художественного материала, а именно: произведений русских художников, участвовавших в деятельности миссии, отражавших в своем творчестве образы и мотивы, приемы. На фоне обращения к оценке современной ситуации и истории таких контактов необходим анализ процессов, которые оказывали влияние на их становление. В XIX в. главным, а порой чуть ли не единственным средством поддерживания связи между двумя государствами была деятельность Русской православной миссии, в состав которой входили живописцы, связанные с Императорской Академией художеств и, тем самым, лучшими традициями русской художественной школы. Пребывание русских художников в Китае наложило определенный отпечаток на их собственную творческую манеру, выбор сюжетов, специфику композиции и используемую символику в условиях сохранения приверженности академизму и реализму. Сопоставление произведений, созданных как в момент пребывания в Поднебесной, так и после завершения миссии, позволяет показать то, как развивали свои впечатления русские авторы, внося вклад в создание определенного имиджа Китая в глазах россиян.

Ключевые слова: Русская православная миссия, академическая живопись, русская школа, китайская культура, А. М. Легашев, портрет, бытовой жанр, культурные контакты, русско-китайские связи, Императорская Академия художеств

Abstract: The object of the study is the Russian fine art of the XIX century. The subject of the research is the history of the interaction of Russian artists with Chinese culture, history and art, their perception and interpretation, as well as the features of the artistic embodiment of images and motifs. Iconographic, as well as stylistic and compositional analysis help to identify the content of the artists' works, their language and individual techniques. Comparing the works created both during their stay in China and after the completion of the mission allows us to show how Russian authors developed their impressions, contributing to the creation of a certain image of China in the eyes of Russians. The research methodology is based on a combination of techniques aimed at studying various aspects of the phenomenon of representation of Chinese art and culture in Russia. The methodology is based on a comprehensive study and comparison of various types of sources, research of artistic material, namely: works by Russian artists who participated in the activities of the mission, reflecting images and motives, techniques in their work. The interaction of Chinese and Russian art is an urgent topic of research in the art history of both countries. Against the background of the appeal to the assessment of the current situation and the history of such contacts, it is necessary to analyze the processes that influenced their formation. Russian Russian Orthodox Mission in the XIX century. The main, and sometimes almost the only means of maintaining communication between the two states was the activity of the Russian Orthodox Mission, which included painters associated with the Imperial Academy of Arts and, thus, the best traditions of the Russian art school. The stay of Russian artists in China left a certain imprint on their own creative manner, the choice of subjects, the specifics of the composition and the symbols used in conditions of maintaining adherence to academicism and realism.

Keywords: Russian-Chinese relations, cultural contacts, household genre, portrait, A. M. Legashev, Chinese culture, academic painting, Russian school, The Russian Orthodox Mission, Imperial Academy of Arts

Аннотация: Предмет исследования – перспективы развития так называемого «телесного подхода» в дизайне, развиваемого западными исследователями последние десять лет. В контексте этого подхода каждая проектная ситуация рассматривается как уникальная, требующая от проектировщика учета огромного количества переменных, поэтому проектировщик опирается на собственную интуицию, на свое «телесное когито». Однако существует проблема теоретико-методологического обоснования «телесного подхода», поскольку он использует «молчаливое» знание тела. С другой стороны, существует крен западных исследований в сторону анализа только внешних движений тела потенциальных потребителей, что указывает на необходимость развития проектировщиком своего собственного телесного самосознания. По мнению автора статьи, сложившаяся ситуация делает сегодня актуальной восточную "теорию" творчества, неразрывно связанную с телесным опытом творца. Автор статьи обращается к опыту китайских и японских дизайнеров, для которых «мышление телом» глубоко укоренено в региональной традиции; а также опирается на категории традиционной восточной философии, позволяющие фиксировать опыт тела, и на их основе формулирует некоторые понятия, необходимые, по его мнению, для развития отечественной «теории» телесно-ориентированного дизайна. В ходе исследования автор акцентирует внимание на специфике восприятия тела на Востоке, поскольку восточный опыт ведет не к расширению задействованных каналов восприятия (использование помимо зрения, например, обоняния и слуха), а к пониманию творчества как спонтанного процесса, формы – как «открытой» для проживаемых телом смыслов. Для восточных дизайнеров в проектировании важным оказывается не «гештальт» предыдущего опыта, а телесная интуиция будущего, направленная на создание продукта. В заключение, опираясь на категории восточной философии, автор исследования вводит понятия «воплощенный образ» (спонтанно возникающая образно-схематическая структура взаимодействия человека с окружающей средой) и «телесная проектная интенция» (направленность мысли на преобразование действительности, основанная на телесных связях проектировщика с миром).

Ключевые слова: телесный подход, телесное сознание, воплощенное проектное мышление, телесно-ориентированный дизайн, концептуальная метафора, воплощенный образ, образ-сян, проектная интенция, интенция-и, каллиграфия

Abstract: The article subject is dialogue about the development prospects of the so-called “embodied approach” in design, conducted by Western researchers for the past ten years. Some of the Western researchers indicate the fundamental impossibility of creating the theory of somatic-oriented design in view of the fact that such a theory will have to rely on the “silent” knowledge of the body. The author of the article sees the exit in, firstly, to turn to the experience of Chinese and Japanese designers, for whom “embodied cognition” is deeply rooted in the regional tradition; and secondly, to form a categorical apparatus necessary for the development of the theory of somatic-oriented design, based on the category of traditional eastern philosophy, allowing to fix the experience of the body (we are talking about the image “хiang” and the intentions “yi”). In the course of the study, the author focuses on the specifics of the body's perception in the East, since oriental experience does not lead to the expansion of involved perception channels (use in addition to vision, for example, smell and hearing), but to understand the project as a spontaneous process, form as an “open” for the embodied meanings. For oriental designers it is important not to “gestalt” of previous experience, but an embodied intuition of the future, aimed at creating a product later in demand by society. In conclusion, based on the categories of eastern philosophy, the author of the study introduces the concepts of “embodied image” (spontaneously arising figurative-scheme of human interaction with the environment) and “embodied design intention” (the direction of the thought to the transformation of reality, based on the somatic relations of the designer with the world).

Keywords: calligraphy, yi, project intention, xiang, embodied image, conceptual metaphor, somatic-oriented design, embodied mind, embodied design thinking, embodied cognition approach

Аннотация: В статье предпринята попытка рассмотреть китайские растительные сюжеты в росписи немецких фарфоровых изделий XVIII в. в качестве области взаимодействия китайской и европейской художественной культур. Предметом исследования являются росписи произведений немецкого и китайского фарфора, которые рассматриваются в качестве «текста», заключающего в себя не только сюжетно-формальные смыслы, но и скрытые структурно-семантическими образования. На примере растительных сюжетов в росписи мейсенского фарфора XVIII в. выявлены и проанализированы формы прочтения и интерпретации художественных особенностей китайского фарфора западноевропейскими мастерами. Проведены систематизация и сравнение выявленных в рассматриваемых произведениях искусства элементов художественного языка, установлена специфика восприятия и интерпретации европейскими мастерами языка китайского искусства. Особое внимание уделено семантическому значению текстов художественных произведений. Посредством сравнительного метода сопоставлены росписи предметов китайского и мейсенского фарфора, на основании иконологического метода определено значение и смысл произведений фарфора в контексте породившей их культуры. Благодаря семиотико-герменевтическому методу произведения китайского и европейского фарфора XVIII в. изучены как тексты, установлены и охарактеризованы элементы художественных языков Востока и Запада. Новизна исследования заключается в том, что в нем реконструирован процесс перевода и механизмы потери символического смысла декора в мейсенских фарфоровых изделиях “шинуазри” в контексте рецепции и интерпретации художественного языка китайского фарфора мейсенскими мастерами XVIII в. на примере растительных сюжетов. Особым вкладом автора в рассмотрение темы является рассмотрение росписи предметов фарфорового искусства как текстов, анализ которых применяется для изучения художественного языка китайского и европейского искусства XVIII в., а также особенностей процесса коммуникации между ними. Основными выводами исследования являются следующие: оригинальные произведения китайского фарфора, содержащие в себе растительные образы, отличаются глубиной и богатством китайских культурных коннотаций. Мейсенские мастера, копируя китайские изделия, не столько излагали оригинальные культурные значения, вложенные китайскими мастерами, сколько интерпретировали китайские образы в контексте и с позиций европейской культуры, наделяя их местным содержанием, коннотациями и символикой.

Ключевые слова: взаимодействие художественных культур, роспись фарфора, растительные сюжеты, шинуазри, XVIII в., мейсенский фарфор, китайский фарфор, сюжетно-формальные смыслы, структурно-семантические образования, рецепция и интерпретация

Abstract: The article attempts to consider Chinese plant images in the painting of German porcelain products of the XVIII century as an area of interaction between Chinese and European artistic cultures. The subject of the study is the paintings of works of German and Chinese porcelain, which are considered as a "text" that includes not only plot-formal meanings, but also hidden structural and semantic formations. Using the example of plant images in the painting of Meissen porcelain of the XVIII century, the forms of reading and interpretation of the artistic features of Chinese porcelain by Western European masters are revealed and analyzed. The systematization and comparison of the elements of the artistic language identified in the considered works of art are carried out, the specifics of perception and interpretation by European masters of the language of Chinese art are established. Special attention is paid to the semantic meaning of the texts of works of art. By means of a comparative method, the paintings of Chinese and Meissen porcelain objects are compared, on the basis of the iconological method, the meaning of the porcelain works in the context of the culture that gave rise to them is determined. Thanks to the semiotic-hermeneutic method, the works of Chinese and European porcelain of the XVIII century were studied as texts, elements of the artistic languages of the East and West were established and characterized. The novelty of the research lies in the fact that it reconstructs the process of translation and the mechanisms of loss of symbolic meaning of decoration in Meissen chinoiserie porcelain products in the context of reception and interpretation of the artistic language of Chinese porcelain by Meissen masters of the XVIII century on the example of plant plots. A special contribution of the author to the consideration of the topic is the consideration of the painting of porcelain art objects as texts, the analysis of which is used to study the artistic language of Chinese and European art of the XVIII centuries, as well as the peculiarities of the communication process between them. The main conclusions of the study are the following: original works of Chinese porcelain containing plant images are distinguished by the depth and richness of Chinese cultural connotations. The Meissen masters, copying Chinese products, did not so much expound the original cultural meanings embedded by Chinese masters, as they interpreted Chinese images in the context and from the standpoint of European culture, endowing them with local content, connotations and symbols.

Keywords: reception and interpretation, plot-formal meanings, structural and semantic formations, the interaction of artistic cultures, porcelain painting, plant plots, chinoiserie, XVIII century, Meissen porcelain, Chinese porcelain