Аннотация: Объектом исследования является культурное пространство города. Предметом исследования являются морфологические свойства и мифологические сюжеты культурного пространства города (на примере г. Комсомольска-на-Амуре). Автор подробно рассматривает комплексное изучение культурного пространства города в призме историко-культурного, философско-культурологического, психоаналитического, символического, лингвистического и семиологического подходов. Сформирован авторский способ исследования городского пространства, базирующийся на линии мифа (лемниската Бернулли). Изучены и рассмотрены литературные, художественные произведения для выявления архетипических моделей и их морфологических свойств города Комсомольска-на-Амуре. Выявлены некоторые мифологические сюжеты и способы преобразования культурного пространства. Особое внимание уделяется анализу художественных текстов для выявления художественного образа культурного пространства города. Представлено описание ряда архитектурных объектов и интерпретация некоторых декоративных элементов. В исследовании используются традиционные подходы к изучению культурного пространства города, а также предпринимается попытка дополнить границы исследования на основе интерпретации мифических сюжетов, мифологемы с использованием технематической составляющей – Лемнискатой Бернулли. Научная новизна исследования заключается в том, что на основе традиционных и технематических подходов исследовано культурное пространство города Комсомольска-на-Амуре на основе анализа мифологических сюжетов города Комсомольска-на-Амуре, художественных текстов, литературных и архитектурных произведений. Выявлены морфологические свойства культурного пространства города. Основным выводом исследования является то, что используя междисциплинарный подход в изучении культурного пространства города выявлены возможности в его идентификации. С помощью технематичности или математического анализа, интерпретации литературных и художественных текстов, а также разностороннего комплексного изучения архитектурных объектов и его декоративных, выразительных средств стало возможным трактовать эти знания как способ преобразования культурного пространства города. Данное исследование открывает возможности для более тщательного изучения линии мифа как одного из возможных вариантов преобразования пространства города, сохранении исторического, архитектурного, художественного и литературного наследия.

Ключевые слова: культурное пространство города, морфология культуры, миф, мифологический сюжет, архетип, архетипическая модель, советский город, Лемниската Бернулли, мифологема, технематичность

Abstract: The object of the study is the cultural space of the city. The subject of the study is the morphological properties and mythological plots of the cultural space of the city (using the example of Komsomolsk-on-Amur). The author examines in detail the complex study of the cultural space of the city in the prism of historical-cultural, philosophical-cultural, psychoanalytic, symbolic, linguistic and semiological approaches. The author's method of exploring urban space has been formed, based on the line of myth (lemniscata Bernoulli). Literary and artistic works have been studied and reviewed to identify archetypal models and their morphological properties of the city of Komsomolsk-on-Amur. Some mythological plots and ways of transforming cultural space are revealed. Special attention is paid to the analysis of artistic texts to identify the artistic image of the cultural space of the city. The description of a number of architectural objects and the interpretation of some decorative elements are presented. The study uses traditional approaches to the study of the cultural space of the city, and also attempts to complement the boundaries of the study based on the interpretation of mythical plots, mythologems using a technematic component – the Bernoulli Lemniscate. The scientific novelty of the research lies in the fact that on the basis of traditional and technematic approaches, the cultural space of the city of Komsomolsk-on-Amur is studied based on the analysis of mythological plots of the city of Komsomolsk-on-Amur, artistic texts, literary and architectural works. The morphological properties of the cultural space of the city are revealed. The main conclusion of the study is that using an interdisciplinary approach in the study of the cultural space of the city, opportunities for its identification have been identified. With the help of technematics or mathematical analysis, interpretation of literary and artistic texts, as well as a comprehensive study of architectural objects and its decorative, expressive means, it became possible to interpret this knowledge as a way to transform the cultural space of the city. This study opens up opportunities for a more thorough study of the myth line as one of the possible options for transforming the city's space, preserving historical, architectural, artistic and literary heritage.

Keywords: the cultural space of the city, morphology of culture, The myth, mythological plot, The archetype, The archetypal model, the Soviet city, Lemniscata Bernoulli, mythologeme, technematics

Аннотация: Объектом данного исследования является организация визуальной культуры в вертикально ориентированной парадигме. Предметом исследования является эйдическая иерархия как основа организации визуальной среды в вертикально ориентированной парадигме. Цель данного исследования – эксплицировать эйдическую иерархию как основу эстетических представлений в вертикально ориентированной парадигме (для дальнейшего конструирования на основе данной умозрительной модели концепции эйдической дизайн-среды). Современная культура пришла к полному эстетическому релятивизму под влиянием модернизма. Сегодня в искусстве допустимо всё, поэтому художников и дизайнеров активно вытесняют из профессии нейросети. Нейросети являются продуктом горизонтально ориентированной культуры, в которой одинаково ценными признаются любые объекты, так как отсутствует апелляция к сверх-объекту. Поэтому сегодня актуальным становится перенести фокус исследовательского внимания на противоположную организацию культуры – вертикально ориентированную, признающую трансцендентную реальность. Такая культура должна иметь четкие критерии искусства, детерминированные эйдической иерархией. В разграничении вертикально и горизонтально ориентированной парадигмы автор опирается на А. Г. Дугина. Основной метод автора – семиотический анализ, позволяющий увидеть трансцендентное означаемое в культуре. Также автор опирается на учение Платона об эйдической иерархичности бытия. Основной вывод исследования заключается в том, что в вертикальной ориентированной парадигме существует четкая эстетическая иерархия, которая сегодня отсутствует в культуре в виду её горизонтальной ориентации. Вертикально ориентированная парадигма связана с представлением об эйдической иерархичности бытия. Канон, складывающийся веками, был инструментом для изображения эйдических форм вещей, не феноменов, а ноуменов. В современной культуре переориентация на наличие сверх-объекта может стать возможностью сохранить профессию художника и само искусство. Данное исследование является частью более крупного исследования, связанного с эйдической составляющей дизайна как феномена культуры. В данной статье важно было осветить момент эйдической иерархичности устройства вертикально ориентированной парадигмы, чтобы в дальнейшем показать, как данный подход может быть реализован в современной визуальной среде.

Ключевые слова: Символ, Канон, плоские онтологии, горизонтально ориентированная парадигма, вертикально ориентированная парадигма, трансцендентное, сверх-объект, означающее, означаемое, знак

Abstract: The object of this research is the organization of visual culture in a vertically oriented paradigm. The subject of the study is the eidetic hierarchy as the basis for the organization of the visual environment in a vertically oriented paradigm. The purpose of this study is to explicate the eidic hierarchy as the basis of aesthetic representations in a vertically oriented paradigm. Modern culture has come to full aesthetic relativism under the influence of modernism. Today, everything is acceptable in art, so artists and designers are actively being forced out of the profession by neural networks. Neural networks are the product of a horizontally oriented culture in which any objects are recognized as equally valuable, since there is no appeal to the super-object. Therefore, today it becomes relevant to shift the focus of research attention to the opposite organization of culture – vertically oriented, recognizing transcendent reality. Such a culture should have clear criteria of art, determined by the eidic hierarchy. In distinguishing the vertically oriented paradigm, the author relies on A. G. Dugin. The author's main method is semiotic analysis, which makes it possible to see the transcendent signified in culture. The author also relies on Plato's teaching about the eidetic hierarchy of being. The main conclusion of the study is that in the vertical oriented paradigm there is a clear aesthetic hierarchy, which is absent in culture today due to its horizontal orientation. The vertically oriented paradigm is associated with the idea of the eidic hierarchy of being. The canon, which has been developing for centuries, has been a tool for depicting the eidic forms of things, not phenomena, but noumens. Reorientation to the presence of a super-object can be an opportunity to preserve the profession of an artist and art itself from aesthetic relativism.

Keywords: Symbol, canon, flat ontologies, horizontally oriented paradigm, vertically oriented paradigm, transcendent, super-object, signifier, signified, sign

Аннотация: Предметом данного исследования выступают актуальные проекты (инсталляции, картины, скульптуры, перфомансы) современных южнокорейских художников, содержащие в себе символы, элементы или культурные артефакты, относящиеся к локальной идентичности страны. В статье предпринята попытка выявления основных тем, мотивов и техник, которые используются в корейском современном искусстве для усиления акцента на вопросах самоидентификации нации в рамках глобальных тем и проблем современного мира. Для осуществления данной цели выделяются основные признанные мировым арт-сообществом южнокорейские художники (Кимсуджа, Со До Хо, Ли Су Гён, Кван Йонг Чан, Пак Чхангён, Хам Гёна, Юн Соннам), творчество которых напрямую связано с традиционными культурными элементами своей страны. Их проекты, темы и техники исследуются с точки зрения взаимодействия глобальных и локальных процессов в современном обществе. Актуальность работы заключается попытке выявить уникальные процессы, протекающие в современном южнокорейском искусстве. Точечные исследования азиатской художественной культуры включают себя зачастую либо исследование творческого пути отдельных артистов, либо рассмотрение основных течений и направлений. В данной работе предпринята попытка посмотреть на южнокорейское искусство с точки зрения тем, технологий, которые присущи только локальной корейской культуре, и выявить точки их соприкосновения с глобальными вопросами и проблемами. В этом и заключается научная новизна исследования. Ряд современных южнокорейских художников, создают произведения искусства на основе своего жизненного опыта, напрямую связанного с традициями своей страны. В их работах возникают темы, связанные с поиском и отражением культурной идентичности и самоидентификации. В работе использованы как общенаучные методы исследования: аналитический, и сравнительный, так и специальный метод искусствоведения: структурно-функциональный.

Ключевые слова: современное искусство, современное южнокорейское искусство, номадизм, локальная идентичность, локальная корейская культура, южнокорейские традиции, южнокорейские современные художники, глобальные вопросы искусства, современные арт техники, халлю

Abstract: The subject of this study is current projects (installations, paintings, sculptures, performances) by contemporary South Korean artists that contain symbols, elements or cultural artifacts related to the local identity of the country. The article attempts to identify the main themes, motifs and techniques that are used in Korean contemporary art to emphasize the issues of the nation's self-identification within the global themes and problems of the modern world. To achieve this goal, the main South Korean artists recognized by the world art community (Kimsuja, So Do Ho, Lee Soo Kyung, Kwang Yong Chan, Pak Chang Kyung, Ham Kyuna, Yoon Seongnam) are singled out, whose work is directly related to the traditional cultural elements of their country. Their projects, themes and techniques are explored from the point of view of the interaction of global and local processes in modern society. The relevance of the work lies in an attempt to identify the unique processes taking place in contemporary South Korean art. Point studies of Asian artistic culture often include either the study of the creative path of individual artists, or the consideration of the main trends and trends. In this paper, an attempt is made to look at South Korean art from the point of view of topics and technologies that are inherent only in local Korean culture, and to identify points of contact with global issues and problems. This is the scientific novelty of the study. A number of contemporary South Korean artists create works of art based on their life experiences, directly related to the traditions of their country. Themes related to the search and reflection of cultural identity and self-identification arise in their works. The work uses both general scientific research methods: analytical and comparative, and a special method of art history: structural-functional.

Keywords: contemporary art, South Korean contemporary art, nomadism, local identity, local korean culture, South Korean traditions, South Korean contemporary artists, global issues of art, modern art techniques, hallyu

Аннотация: Предметом исследования выделены основополагающие методические принципы преподавания рисунка для обучающихся направления подготовки 54.05.03 графика, художник анимации и компьютерной графики кафедры графического искусства и коммуникативного дизайна Института медиакоммуникаций, медиатехнологий и дизайна: принцип поэтапности создания рисунка, выполнение его от цельного к элементарному и наоборот, принцип структурного анализа передачи формы в рисунке, активные методы привлечения к усилению мыслительной активности, проявлению креативности; углубленного изучения изображаемой натуры; применение наглядности, постановка проблемы, систематичная организация натурных постановок, совместные обсуждения выполненных работ, комментарии педагога, пространственное мышления, композиционное построение; самостоятельная работа. Цель: применение методических принципов в работе с обучающимися. Метод: изучение научного, исторического опыта разработки, применения методических принципов. Результаты работы: в курс подготовки художника анимации и компьютерной графики частично внедрены методологические принципы преподавания рисунка. Выявлены некоторые недостатки в работе с абитуриентами и обучающимися первых курсов. Рассмотрены еще не все этапы подготовки обучающихся от абитуриентов до последних курсов, их профессиональное становление в области рисунка. Область применения результатов: обучающиеся направления подготовки 54.05.03 графика, художник анимации и компьютерной графики. Новизна в том, что эти принципы применены именно к данной области обучения. Выводы: Исследованы методологические принципы преподавания рисунка для обучающихся вуза. Выделены необходимые способы и методы образования. Выявлена необходимость проследить применение этих принципов от первого курса до последнего.

Ключевые слова: графика, линейно-конструктивный рисунок, перспектива, тональный рисунок, фактура, абитуриент, принцип наглядности, комментарии преподавателя, пространственное мышление, профессионально-художественное восприятие

Abstract: The subject of the study is the fundamental methodological principles of teaching students graphics, animation and computer graphics artist by the Department of Graphic Art and Communicative Design of the Institute of Media Communications, Media Technologies and Design: the principle of step-by-step creation of a drawing, its implementation from integral to elementary and vice versa, the principle of structural analysis of the transfer of form in drawing, active methods of attracting to strengthening mental activity, manifestation of creativity; in-depth study of the depicted nature; the use of visualization, problem statement, systematic organization of full-scale productions, joint discussions of completed works, comments of the teacher, spatial thinking, compositional construction; independent work. Purpose of the study is the application of methodological principles in working with students. Methods of the study are scientific, historical experience of development, application of methodological principles. Results of the study: the methodological principles of teaching drawing are partially implemented in the course of training an animation and computer graphics artist. Some shortcomings in working with applicants and first-year students have been identified. Not all stages of training of students from applicants to the last courses, their professional formation in the field of drawing are considered yet. The scope of application of the results: students of the field of training graphics, animation and computer graphics artist. The novelty is that these principles are applied specifically to this field of study. Conclusions: The methodological principles of teaching drawing for university students are investigated. The necessary methods and methods of education are highlighted. The necessity to trace the application of these principles from the first course to the last is revealed.

Keywords: graphics, linear-constructive drawing, perspective, tonal drawing, texture, entrant, principle of visibility, teacher's comments, spatial thinking, professional and artistic perception

Аннотация: Предметом исследования является сеть литературных музеев Москвы, которая является крупнейшей в стране. В статье рассматривается история формирования и современное состояние сети литературных музеев столицы в контексте историко-культурного процесса. Хронологические рамки охватывают период с XIX в. по настоящее время. Это обусловлено моментом появления в Москве первых протомузейных форм литературных музеев, первых музеев этого профиля, а также становления и развития их сети. Обозначены значимые исторические и культурные предпосылки для возникновения музеев данного профиля. Рассмотрены основные периоды в истории формирования и развития сети литературных музеев в контексте периодизации истории музейного дела и исторического процесса в стране. Выявлены не только литературные, но и близкие им музеи книги, а также учреждения музейного типа литературной тематики, памятные места, связанные с писателями и литературным процессом. Проведен качественный и количественный анализ сети литературных музеев в Москве в контексте историко-культурного процесса, произведена статистическая обработка результатов. Новизна исследования заключается в выявлении общего количества литературных музеев в Москве, включая государственные, муниципальные, ведомственные, общественные, частные и школьные. В рамках данной профильной группы выявлены как монографические музеи, так и музеи истории литературы (отражающие различные явления в истории литературы и литературного процесса и включающие музей национальной литературы, музеи литературных жанров, музеи детской литературы, музеи сказки, музеи литературных произведений и их героев). Проведенный анализ позволяет зафиксировать объективную картину развития сети литературных музеев Москвы в контексте историко-культурного процесса, заполнить лакуны в статистических данных и более полно представить данную профильную группу музеев в рамках музейной сети столицы. Особым вкладом автора в исследование темы является качественно и количественно исследованная история формирования сети литературных музеев Москвы, подтверждающая уже существующую периодизацию, ее соотношение с ключевыми факторами, которые оказали влияние на создание новых литературных музеев: частные лица, общественные организации, политика государства, культурное развитие страны в целом.

Ключевые слова: сеть литературных музеев, музейная сеть, протомузйеные формы, литературные музеи, школьные литературные музеи, частные литературные музеи, учреждения музейного типа, музеи книг, Москва, статистика по музеям

Abstract: The network of literary museums in Moscow is the largest in the country. The article examines the history of the formation and present condition of the network of literary museums in the capital in the context of the historical and cultural process. The chronological framework covers the period from the 19th century until now. This is due to the moment of the appearance in Moscow of the first proto-museum forms of literary museums, the first museums of this profile, as well as the formation and development of their network. Significant historical and cultural prerequisites for the emergence of museums of this profile are identified. The main periods in the history of the formation and development of the network of literary museums are considered in the context of the periodization of the history of museum affairs and the historical process in the country. Museums that also have characteristics of another profile, such as historical and literary, literary and artistic, and literary and local history, are also considered. The total number of literary museums in Moscow has been identified, including state, municipal, departmental, public, private and school. Museum-type institutions representing and popularizing literary heritage are shown. Museums of other profiles (music, art, local history and others) are indicated, the funds and exhibitions of which contain literary monuments and collections of rare books. A special place is occupied by book museums, which are not literary museums, but are close to them in that their collections also contain monuments of literature (including fiction). The total number of literary museums in the capital and their percentage in the museum network have been calculated.

Keywords: network of literary museums, museum network, proto-museum forms, literary museums, school literary museums, private literary museums, museum-type institutions, museums of books, Moscow, museum statistics

Аннотация: В статье рассматривается проблема закрытости мира-в-себе в силу непреодолимости человеческой субъективности в процессе познания мира. В философии позитивизма и спекулятивизма тезис о фундаментальной непознаваемости реальности позволяет вывести целый аспект мира, недоступный к познанию аналитическими методами. Эта часть мира в силу своей фундаментальной сокрытости сопротивляется всякому рациональному познанию, но, тем не менее, может проявляться особым образом, имеющим больше общего с мистическим опытом, чем с объективным познанием. Цель статьи – предложить образный язык кинотекстов жанра космического ужаса в качестве способа помыслить мир-в-себе, иначе недоступный для познания. Анализ производится на примере двух текстов – «Сквозь Горизонт» (реж. Пол У. С. Андерсон, 1997) и «Пекло» (реж. Д. Бойл, 2007). В качестве метода исследования выбран системный киноанализ. Экранные произведения анализируются с точки зрения того, как предмет исследования раскрывается через структурные элементы кинопроизведения. Основными выводами исследования являются тезисы о том, что экранные произведения в жанре ужасов, в частности космического хоррора, могут быть использованы как способ помыслить аспект мира, недоступный познанию рациональными методами. Это возможно в силу того, что фундаментальная сокрытость мира-не-для-нас с одной стороны делает его недоступным для традиционного анализа, а с другой - сближает с мистическим опытом. Фильмы жанра космического ужаса, и в особенности те из них, которые являются продолжателями т. н. лавкрафтовской традиции используют характерную пугающую образность чтобы вызвать у зрителя ощущение потустороннего, мистического, создать то же ощущение жуткого, которое возникает когда мир-не-для-нас проявляет себя. Но кроме образов, сама структура повествования фильма и его средства выразительности работают на то, чтобы направить мысль зрителя в сторону осмысления этого странного скрытого от нас мира.

Ключевые слова: Экранная культура, Хоррор, Спекулятивизм, Мир-в-себе, Кинотекст, Теология, Кино, Киноанализ, Теория культуры, Массовая культура

Abstract: The article deals with the problem of the world–in–itself being closed to our perception due to the inevitability of human subjectivity in the process of cognition of the world. In the philosophy of positivism and speculativism, the thesis of the fundamental unknowability of reality allows us to deduce an entire aspect of the world that is inaccessible to perception by analytical methods. This part of the world, by virtue of its fundamental concealment, resists all rational cognition, but, nevertheless, it can manifest itself in a special way that has more in common with mystical experience than with objective cognition. The purpose of the article is to offer a figurative language of the cinema texts of the cosmic horror genre as a way to think of the world–in–itself, otherwise inaccessible to cognition. The analysis is based on the example of two texts – "Through the Horizon" (dir. Paul W. S. Anderson, 1997) and "Hell" (directed by D. Boyle, 2007).  A systematic film analysis was chosen as the research method. Screen works are analyzed from the point of view of how the subject of this research is revealed through the structural elements of film production. The main conclusions of the study are the theses that screen works in the horror genre, in particular space horror, can be used as a way to think about an aspect of the world that is inaccessible to knowledge by rational methods. This is possible due to the fact that the fundamental concealment of the world–not–for–us, on the one hand, makes it inaccessible to traditional analysis, and on the other hand, brings it closer to mystical experience. Films of the cosmic horror genre, and especially those that are the successors of the so–called Lovecraftian tradition, use characteristic frightening imagery to evoke in the viewer a feeling of the otherworldly, mystical, to create the same feeling of the creepy that occurs when the world-not–for–us manifests itself. But besides the images, the very structure of the film's narrative and its means of expression work to direct the viewer's thought towards understanding this strange world hidden from us.

Keywords: Screen culture, Horror, Speculativism, World-in-itself, Film-as-text, Theology, Cinema, Film analysis, Theory of culture, Mass culture

Аннотация: Творчество Эрика Сати, его ценностная оценка, равно как и особенности ненормативного художественного мышления автора неоднократно становились предметом музыковедческих дискуссий, однако по-прежнему целый ряд его художественных открытий в разных жанровых областях остается вне поля зрения исследователей. В предлагаемой статье анализируется балетное творчество французского композитора, ставшее пространством экспериментирования в процессе поиска нового облика музыкально-хореографического спектакля. В качестве материала исследования привлекается не только одиозный «Парад», ставший манифестом «нового искусства», но и другие четыре произведения Эрика Сати в жанре балета, без изучения которых невозможно составить целостную картину этой сферы («Успуд», «Приключения Меркурия», «Эксцентричная красавица», «Спектакль отменяется»). Их рассмотрение с точки зрения эволюции подхода автора к созданию музыки к балетному спектаклю, а также в аспекте выявления содержательно-смысловых, композиционно-драматургических и стилистических новаций является предметом исследования в данной статье.   В процессе изучения проблемы применяется комплексный подход, сочетающий сравнительный и культурно-исторический методы с теоретико-аналитическими инструментами музыкознания. В ходе проведенного анализа автор приходит к выводу, что трансформации подвергаются все компоненты художественного целого балетного спектакля. На сюжетно-смысловом уровне происходит постепенный отказ от традиционного либретто, процессуально раскрывающего фабулу происходящего на сцене, в пользу небольшого сценарного плана, решенного зачастую без сквозного развития и причинно-следственных связей между эпизодами. Композиционно-драматургическое решение балетов опирается на корневую для жанра сюитность, интерпретированную, однако, в модифицированном виде, с активным привлечением комбинаторности и монтажности. Музыкально-стилистический облик спектаклей также зачастую определяется «антиакадемической» концепцией, характерной не только для этого жанра, но и для творчества Эрика Сати в целом. Звуковое пространство балетов композитора в высокой степени гетерогенно и представляет собой микс академических музыкальных традиций с культурой повседневности, как музыкальной (мюзик-холл, кабаре, джаз), так и внемузыкальной (использование в партитуре «Парада» бытовых предметов, воспроизводящих шум городской среды).

Ключевые слова: Эрик Сати, балет, Франция, начало XX века, художественное экспериментирование, обновление жанра, сюжет, композиция, драматургия, музыкальная стилистика

Abstract: The work of Erik Satie, his value assessment, as well as the peculiarities of the author's non-normative artistic thinking have repeatedly become the subject of musicological discussions, but still a number of his artistic discoveries in different genre areas remain out of the researchers' field of vision. The proposed article analyzes the French composer's ballet work, which became a space of experimentation in the process of searching for a new image of a musical-choreographic performance. The material of the study includes not only the odious "Parade", which became a manifesto of the "new art", but also four other works by Erik Satie in the genre of ballet, without the study of which it is impossible to draw a complete picture of this sphere ("Uspud", "The Adventures of Mercury", "Eccentric Beauty", "The Spectacle is Canceled"). Their consideration from the point of view of the evolution of the author's approach to the creation of music for a ballet performance, as well as in the aspect of revealing content-semantic, compositional-dramaturgical and stylistic innovations, is the subject of research in this article. In the process of studying the problem, a comprehensive approach is applied, combining comparative and cultural-historical methods with theoretical and analytical tools of musicology. In the course of the analysis, the author comes to the conclusion that all components of the artistic whole of a ballet performance undergo transformation. At the narrative and semantic level, there is a gradual rejection of the traditional libretto, procedurally revealing the fabula of what is happening on stage, in favor of a small script plan, often without development and cause-and-effect relationships between episodes. The compositional and dramaturgical solution of the ballets is based on the suite, which is the root of the genre, but interpreted in a modified form, with the active involvement of combinatorics and montage. The musical and stylistic appearance of the performances is also often determined by an "anti-academic" concept characteristic not only of this genre, but also of Erik Satie's work in general. The sound space of the composer's ballets is highly heterogeneous and represents a mix of academic musical traditions with the culture of everyday life, both musical (music hall, cabaret, jazz) and extra-musical (the use of everyday objects reproducing the noise of the urban environment in the score of Parade).

Keywords: Erik Satie, ballet, France, early 20th century, artistic experimentation, genre upgrade, plot, composition, dramaturgy, musical style