Аннотация: В творчестве польского сценографа Анджея Пронашко оригинальным образом отразились характерные для польского и европейского театра первой половины XX в. процессы переосмысления проблемы организации сценического пространства. Пронашко много работал с профессиональными архитекторами, и это отразилось на его концепции сценического пространства. В статье представлены проекты художника, в которых он пытался реализовать свою концепцию сценического пространства, адресованную «театру будущего»: архитектоническая сценография для спектакля «Голем» (1928), поставленного на арене варшавского цирка и архитектурно-театральные проекты Симультанный театр (1928-1929) и Передвижной театр (1934). Каждый из них выполнен совместно с архитектором (с Шимоном Сыркусом в первых двух случаях и Стефаном Брылой – в третьем). В польском театре между двумя мировыми войнами сценография явилась особой областью авангардистского активизма, манифестирующего возникновение «театра будущего», который обещает некий исключительный перцептивный опыт. Рассмотренные архитектурно-театральные проекты польского сценографа связаны с выходом за границы привычного театра и использованием современных технических достижений в области организации сцены, освещения и звукоинженерии. Они стали попыткой радикально изменить характер театрального события на уровне архитектоники пространства и расширить тем самым возможности театра в работе с динамикой представления. Так художник создавал новые условия для воздействия на восприятие зрителя.

Ключевые слова: сценическое пространство, театральная архитектура, Анджей Пронашко, театральный авангард, симультаный театр, передвижной театр, театр будущего, архитектоника театрального пространства, сценография, польский театр

Abstract: The work of Polish stage designer Andrzej Pronaszko embodied in a particular manner a certain turn to a new approach to the organization of stage space, which appeared to be a characteristic process for the Polish and European theatre of the first half of XX century. Pronaszko cooperated intensively with professional architects, which had a considerable effect upon his conception of stage space. The article reviews projects of the artist, which proved to be a realization of his conception of stage space referred to the „theatre of the future”: the stage design for the „Golem” play (1928), set up on the circus arena and the theatrical architectural projects of Simultaneous theatre (1928-1929) and the Mobile theatre (1934). Each of those three was created in cooperation with an architect (with Szymon Syrkus in the first two cases and with Stefan Bryła in the third one). In Polish theatre between two World Wars, scenography came out as a special domain of an avant-garde activism manifesting an uprise of the „theatre of the future”, which offered prospects of some extraordinary perceptional experience. The reviewed projects presuppose overrunning the boundaries of conventional theatre and using innovative engineering solutions in stage organization, lightning and sound engineering. They became an ambitious attempt to change drastically the mode of theatrical event at the level of the space architectonics and extend thereby theatre’s capabilities in dealing with dynamics of spectacle. The artist created new conditions for affecting the spectator’s comprehension of the stage performance.

Keywords: architectonics of stage space, theatre of the future, mobile theatre, simultaneous theatre, theatrical avant-garde, Andrzej Pronaszko, theatrical architecture, stage space, scenography, Polish theatre

Аннотация: Объектом данного исследования является дизайн как культурный феномен и его историческое формирование. Предметом исследования является модернистская дизайн-эпистема, которая начала свое формирование в парадигме модерна. Цель исследования – показать, что в проекте модерна развитие дизайна как культурного феномена не было жестко детерминировано, и могло пойти по другому пути. Однако исторический выбор был сделан в пользу американского функционализма и европейского интернационального дизайна. Интернациональный дизайн создает предметную и информационную среду, которая подходит для любой страны, вне зависимости от культурного контекста. Такой дизайн отвечает целям глобализации. При этом сущность дизайна допускает и такое применение, как эстетизация действительности и сохранение культурной идентичности. Основной вывод исследования заключается в том, что историческое развитие феномена дизайна могло пойти по другому пути. Нынешнее состояние дизайна определяется вектором глобализации, который был задан при переходе от модерна к модернизму. Данный вектор является результатом выбора в пользу функционализма, стиля, который отвечает идеологии глобализации, трансформации общества в однородную потребительскую среду. Именно в период модерна генезис дизайна мог пойти по другому пути, так как изначально модерн был проектом эстетизации и одухотворения предметной среды, однако, история сложилась так, что дизайн выбрал вектор развития, связанный с функционализмом. С данным выводом связана научная новизна исследования, так как до сих пор история дизайна интерпретировалась однозначно, с позиций преимущества интернационального стиля и функционализма. В то время как феномен дизайна шире, и может включать в себя возможности сохранения культурной идентичности, которая обсуждалась в эпоху модерна.

Ключевые слова: Дизайн, модерн, модернизм, функционализм, интернациональный стиль, глобализация, культурная идентичность, дизайн-эпистема, эстетизация, среда

Abstract: The object of this research is design as a cultural phenomenon and its historical formation. The subject of the study is the modernist design episteme, which began its formation in the paradigm of modernity. The purpose of the study is to show that in the modernist project, the development of design as a cultural phenomenon was not rigidly determined, and could have taken a different path. However, the historical choice was made in favor of American functionalism and European international design. International design creates a subject and information environment that is suitable for any country, regardless of the cultural context. This design meets the goals of globalization. At the same time, the essence of design also allows for such applications as the aestheticization of reality and the preservation of cultural identity. The main conclusion of the study is that the historical development of the design phenomenon could have taken a different path. The current state of design is determined by the vector of globalization, which was set during the transition from to modernism. This vector is the result of a choice in favor of functionalism, a style that meets the ideology of globalization, the transformation of society into a homogeneous consumer environment. It was during the Art Nouveau period that the genesis of design could have taken a different path, since Art Nouveau was originally a project of aestheticization and spiritualization of the subject environment, however, history has developed so that design has chosen a vector of development associated with functionalism. The scientific novelty of the study is connected with this conclusion, since so far the history of design has been interpreted unambiguously, from the standpoint of the advantages of international style and functionalism. While the phenomenon of design is broader, and may include the possibility of preserving cultural identity, which was discussed in the modern era.

Keywords: environment, aestheticization, design episteme, cultural identity, globalization, international style, functionalism, modernism, Art Nouveau, Design

Аннотация: Объектом исследования статьи является процесс развития художественного образования китайского города Шанхая начала XX столетия. Предметом исследования стал вклад в культурную жизнь города образовательных учреждений, деятельность которых была направлена на подготовку мастеров в области изобразительного искусства. Целью статьи стало выявление уникального сценария развития художественного образования китайского мегаполиса, в формирование которого были включены творческие традиции не только Поднебесной, но и европейских стран, в том числе России. Для достижения данной цели были использованы научные методы таких дисциплин, как культурология, история, искусствоведение, определивших междисциплинарный характер исследования. В статье особое внимание уделено художественным обществам, деятельность которых в первой четверти XX столетия отличалась особенной активностью и направленностью как на развитие художественного образования, так и проведение творческих экспозиций. Для объективности полученных результатов в исследовании использовались уникальные документы, в том числе архивные источники и ретроспективная литература, что определяет научную новизну работы. Шанхай в первой четверти XX века стал «пионером» в становлении современной системы художественного образования страны. Под влиянием западной культуры творческое образование Шанхая за очень короткий срок претерпело глубокие трансформации, изменив художественную жизнь страны, внеся в нее жанровое, тематическое, технологическое.

Ключевые слова: Китай, Шанхай, XX век, изобразительное искусство, художественное образование, художественная выставка, художник, педагог, художественные общества, художественная жизнь

Abstract: The object of research of the article is the process of development of art education in the Chinese city of Shanghai at the beginning of the XX century. The subject of the study is the contribution of educational institutions to the cultural life of the city, whose activities were aimed at training masters in the field of fine arts. The purpose of the article was to identify a unique scenario for the development of art education in the Chinese metropolis, in the formation of which the creative traditions of not only the Celestial Empire, but also European countries, including Russia, were included. The article pays special attention to art societies, whose activities in the first quarter of the XX century were particularly active and focused both on the development of art education and the organizing of creative expositions. For the objectivity of the results obtained, unique documents were used in the study, including archival sources and retrospective literature, which determines the scientific novelty of the work. Shanghai in the first quarter of the XX century became a "pioneer" in the formation of the modern system of art education in the country. Under the influence of Western culture, the creative education of Shanghai has undergone profound transformations in a very short time, changing the artistic life of the country, bringing genre, thematic, technological into it.

Keywords: art societies, teacher, artist, art exhibition, art education, arts, 20th century, Shanghai, China, art life

Аннотация: На основе неоднозначности идеи о сложности объекта исследования – видеоигр, необходимости их анализа через призму нескольких подходов, предметом исследования стала попытка к созданию относительно универсального нарративно-психологического концепта, который мы назвали "Белой комнатой". Универсальность данного концепта заключается в его применимости к различным игровым контекстам, однако эта универсальность не влечет за собой шаблонность, а предполагает необходимость учета трех компонентов при проектировании данного концепта в игровом сценарии: пространства, сознания и симулякров. Пространство – то, где разворачивается игровое действие, сознание - игровой опыт, восприятие игрового процесса, симулякры – все то, что наполняет игровой мир (объекты, игроки и т.д.), в зависимости от контекста, определяет интерпретацию игровых событий. Научная новизна заключается в создании нового нарративно-психологического концепта, который базируется на идеях смежных дисциплин и может использоваться для широкого круга задач при создании нарративного дизайна видеоигры. Специфика концепта Белой комнаты заключается в композиционно правильном оформлении пространства и регуляции игрового опыта, ее наложении на несвязные игровые сцены, выборе правильных симулякров, которые определяются игровым контекстом. Белая комната может выступать в качестве стартовой настройки мира, сеттинга, сотворения мира, места «психологической разгрузки», самокопания, воспоминания о прошлом для понимания себя сегодняшнего, кульминационной сцены, в ней также может проходить вся игра полностью.

Ключевые слова: видеоигра, нарративный дизайн, пространство, виртуальный мир, нарративно-психологическая модель, восприятие видеоигры, белая комната, игровой сценарий, универсальная нарративная модель, концепт игры

Abstract: Based on the ambiguity of the idea of the object of study complexity - videogames, the need to analyze them through the prism of several approaches, the subject of the study was an attempt to create a relatively universal narrative-psychological concept, which we called the "White Room". The universality of this concept lies in its applicability to various game contexts, however, this universality does not entail stereotypes, but implies the need to take into account three components when designing this concept in a game scenario: space, consciousness and simulacra. Space is where the game action takes place, consciousness is the game experience, the perception of the game process, simulacra - everything that fills the game world (objects, players, etc.), depending on the context, determines the interpretation of game events. Scientific novelty lies in the creation of a new narrative-psychological concept, which is based on the ideas of related disciplines and can be used for a wide range of tasks when creating a narrative video game design. The specificity of the concept of the White Room lies in the compositionally correct design of the space and the regulation of the game experience, its imposition on incoherent game scenes, the choice of the right simulacra, which are determined by the game context. The white room can act as the starting setting of the world, the setting, the creation of the world, the place of "psychological relief", self-digging, memories of the past to understand yourself today, the climactic scene, the whole game can also take place in it.

Keywords: game concept, universal narrative model, game scenario, white room, video game perception, virtual world, narrative-psychological model, space, narrative design, videogame

Аннотация: Предметом исследования данной статьи является творчество немецких режиссеров-экспрессионистов. Актуальность данного исследования связана с тем, что экспрессионисты оказали большое влияние на весь кинематограф в области открытия света и тени. В советской науке этому вопросу уделялось мало внимания. В настоящее время исследователи обращаются к теме экспрессионизма, но вопрос соотношения света и тени недостаточно изучен. Цель исследования – показать важность открытия немецких экспрессионистов в области света и тени, их влияние на мировой кинематограф, а также влияние советских режиссеров на немецких экспрессионистов в области монтажа. Новизна данного исследования заключается в изучении соотношения света и тени у экспрессионистов, а также в выявлении влияния советских режиссеров на немецких экспрессионистов в области монтажа. Эти аспекты остаются малоизученными. В данном исследовании использован комплексный подход. Применяются сравнительный, феноменологический, интертекстуальный методы в их сочетании и взаимодополнительности. Основными выводами данного исследования являются выводы об открытии немецких экспрессионистов в области света и тени, их влиянии на мировой кинематограф, а также о влиянии советских режиссеров на немецких экспрессионистов. Фильмы, исполненные в традициях экспрессионистов, часто имеют и коммерческий успех.

Ключевые слова: экспрессионизм, кино, Фридрих Вильгельм Мурнау, Фриц Ланг, Пауль Вегенер, Пауль Лени, Сергей Эйзенштейн, Дзига Вертов, Лотте Айснер, Зигфрид Кракауэр

Abstract: The subject of research of this article is the work of German expressionist directors. The relevance of this study is due to the fact that expressionists had a great influence on the entire cinema in the field of light and shadow discovery. In Soviet science, this issue received little attention. Researchers are currently addressing the topic of expressionism, but the issue of light-shadow ratio is not well understood. The purpose of the study is to show the importance of the discovery of German expressionists in the field of light and shadow, their influence on world cinema, as well as the influence of Soviet directors on German expressionists in the field of editing. The novelty of this study is to study the ratio of light and shadow in expressionists, as well as to identify the influence of Soviet directors on German expressionists in the field of editing. These aspects remain poorly understood. This study uses an integrated approach. Comparative, phenomenological, intertextual methods are used in their combination and complementarity. The main conclusions of this study are about the discovery of German expressionists in the field of light and shadow, their influence on world cinema, as well as the influence of Soviet directors on German expressionists. Films performed in the tradition of expressionists often have commercial success.

Keywords: Dziga Vertov, Sergey Eisenstein, Paul Leni, Paul Wegener, Fritz Lang, Friedrich Wilhelm Murnau, cinema, expressionism, Lotte Eisner, Siegfried Krakauer

Аннотация: Деятельность современных художественных объединений, творческих союзов и арт-групп профессиональных художников Санкт-Петербурга в настоящее время является мало изученным и дискуссионным вопросом. Специфика петербургских сообществ такого рода тесно связана с традициями местной художественной школы, является одновременно новаторской, а порой и с радикальными творческими исканиями их представителей. Подобное сочетание приводит к формированию разнообразного, но неоднородного и подвижного культурного пространства города на Неве. Для понимания его специфики необходим анализ структуры, состава и содержания работы художественных объединений Северной Венеции, актуальных для начала XXI века. В современном Санкт-Петербурге продолжается процесс формирования арт-объединений разной формации, что способствует развитию изобразительного искусства и утверждения его основных форм, тем и жанров. Основным вкладом настоящего исследования в разработку проблематики является выявление основных причин создания «молодых» творческих объединений, деятельность которых не связана с работой Союза художников России, а также освещение процессов их вовлечения в культурную жизнь города. Установлено, что «молодым» творческим объединениям присуще единство идейно-стилевых взглядов и концепций, а также весьма гибкий характер, позволяющий активно вовлекаться в художественную жизнь Санкт-Петербурга и всей России, участвовать в самых разнообразных и разноплановых проектах.

Ключевые слова: художественное объединение, союз художников, выставка, арт-группа, художественная жизнь, Санкт-Петербург, выставочно-коммерческая практика, просветительская деятельность, творческий союз, неофициальная ассоциация

Abstract: The activity of modern art associations, creative unions and art groups of professional artists of St. Petersburg is currently a little-studied and debatable issue. The specifics of St. Petersburg communities of this kind are closely connected with the traditions of the local art school and at the same time innovative, and sometimes are radical creative searches of their representatives. Such a combination leads to the formation of a diverse, but heterogeneous and mobile cultural space of the city on St. Petersburg. To understand its specifics, it is necessary to analyze the structure, composition and content of the work of the artistic associations of St. Petersburg, relevant for the beginning of the XXI century. In modern St. Petersburg, the process of forming art associations of various formations continues, which contributes to the development of fine art and the approval of its main forms, themes and genres. The main contribution of this research is to identify the main reasons for the creation of "young" creative associations whose activities are not related to the work of the Union of Artists of Russia, as well as to highlight the processes of their involvement in the cultural life of the city. It has been established that the "young" creative associations are characterized by unity of ideological and stylistic views and concepts, as well as a very flexible nature that allows them to be actively involved in the artistic life of St. Petersburg and the whole of Russia, to participate in the most diverse projects.

Keywords: educational activities, exhibition and commercial practice, Saint-Petersburg, artistic life, art group, exhibition, union of artists, art association, creative union, unofficial association

Аннотация: В статье обсуждается небольшой начальный опыт применения синхронического описания в текстах музыкознания. В начале, раскрывается происхождение дихотомии синхрония – диахрония, введенных в лингвистику Фердинандом де Соссюром. Эти термины и понятия из языкознания, оказались настолько генеративными в методологическом плане, что были адаптированы в иные научные дисциплины. Начиная с Соссюра, специфика соотношений двух подходов наиболее глубоко выражена, как отношение системы предмета – синхронии и его эволюции – диахронии. В статье рассматривается коллективный интеллект (Лотман) как результат деятельности экспертов одной специальности. Подчеркивается продуктивность использования синхронического подхода для адекватного сравнения музыкальных произведений, в истории и теории исполнительского искусства. Основной задачей статьи было апробировать использование синхронического подхода для концентрации тематической информации о становлении классического стиля в музыкальной Европе XVIII века. В качестве информационного средства использовалась полнотекстовая база данных вместе с поисковой машиной DtSearch 7.94 (8600). Главный пафос и функция синхронического подхода, – «сопоставление». Когда начала событий выравнены, появляется возможность сопоставлять их (события) между собой, а результаты сопоставления относить ко времени синхронизации. Синхронический подход демонстрирует сплошность и мономерность исторического времени. В синхронии мы видим, что сопоставление и сравнение преодолевают естественную раздельность исторических событий. В выводах статьи суммируются основные свойства синхронического и диахронического подходов: синхрония отражает системное устройство предмета и явления, а диахрония, их эволюцию. Для более продуктивного сопоставления событий, необходима синхронизация нескольких параметров и типов. Такой тип исторического исследования можно обозначить, как многофакторный синхронический анализ исторических событий. Дальнейшие перспективы развития синхронического и диахронического подходов заключаются в их синтезе, когда множественные срезы синхронии отсортированы по хронологии, а диахрония состоит из синхронических срезов времени.

Ключевые слова: синхрония, диахрония, сопоставление, сравнение, одновременность, история, исторический метод, событие, история музыки, текст

Abstract: The author discusses a small initial experience of using synchronic description in musicology texts. In the beginning, the origin of the synchrony–diachrony dichotomy introduced into linguistics by Ferdinand de Saussure is revealed. These terms and concepts from linguistics turned out to be so generative in methodological terms that they were adapted into other scientific disciplines. Starting with Saussure, the specificity of the relations of the two approaches is most deeply expressed as the relation of the system of the subject – synchrony and its evolution – diachrony. Next, the article discusses collective intelligence (Lotman) as a result of the activity and cooperation of experts of the same specialty. The productivity and relevance of using a synchronic approach for an adequate comparison of musical works, especially in the history and theory of performing arts, is emphasized. The main objective of the article was to test the use of a synchronic approach for the formation of textual information about the formation of the classical style in musical Europe of the XVIII century. The main pathos and function of the synchronic approach is "comparison". When the beginnings of events are aligned, it becomes possible to compare them (events) with each other, and the results of the comparison are attributed to the synchronization time. The synchronic approach demonstrates the continuity and monomericity of historical time. In synchrony, we see that juxtaposition and comparison overcome the natural separateness of historical events. The conclusions of the article summarize the main properties of the synchronic and diachronic approaches: synchrony reflects the system structure of the object and phenomenon, and diachrony, their evolution. For more productive event matching, synchronization of several parameters and types is necessary. This type of historical research can be described as a multifactorial synchronic analysis of historical events. Further prospects for the development of synchronic and diachronic approaches lie in their synthesis, when multiple slices of synchrony are sorted by chronology, and diachrony consists of synchronic slices of time.

Keywords: synchrony, diachrony, juxtaposition, comparison, concurrency, history, text, history of music, event, historical method