Аннотация: Исследуются традиции взаимодействия слова и музыки в якутской народной песне дьиэрэтии ырыа в олонхо центрального (приленского) региона. Изучение традиции взаимодействия слова и музыки в якутской народной песне важно в связи с тем, что помогают понять механизмы в соотношении слова и музыки в фольклоре, кроме того этот вопрос как специальный в науке еще не подвергался рассмотрению, тем более, что стиховые структура и их закономерности в древних поэтических текстах имеют отличия от современных фольклорных и вокальных произведений, а их напевы – надсемантический характер. Песенные традиции дьиэрэтии ырыа в олонхо сформировались до I в. до н.э. и многие значимые их элементы сохранились до нашего времени. Материалом исследования послужили нотные расшифровки дьиэрэтии ырыа олонхо классических и общепризнанных олонхосутов. Методология основана на теоретических разработках по этнографии, филологии и народной музыке. В данной работе автор опирался, в первую очередь, на метод сравнительного анализа. Впервые на основе сопоставительных работ показано, что традиции взаимодействия слова и музыки в якутских народных песнях дьиэрэтии ырыа в олонхо в центральном (приленском) регионе возможно выявить при сравнении ритма структуры стиха и квантитативной ритмики напева, которые в перспективе помогут раскрыть и более глубинные интегративные возможности этих двух семантических систем и временных видов искусства. Традиции взаимодействия слова и музыки в дьиэрэтии ырыа центрального (приленского) региона Якутии каноничны и сохраняются на протяжении веков. В песнях дьиэрэтии ырыа олонхо мелодическая линия развивается по принципу «вращения в замкнутом кругу» и имеет маятникообразный характер мелодического рисунка, что подтверждает древность и патриархальность подобных песен из якутских сказаний. В стиховой структуре дьиэрэтии ырыа в олонхо выявляется свойственное тюркскому стихосложению стремление к равносложности и наличие семисложных и шестисложных периодов. В квантитативной ритмике напева наблюдается доминирование распевов в большей степени долгими длительностями, каждый звук которых равен кратким длительностям, выраженным восьмыми, шестнадцатыми длительностями и триолями. Сверхдолгие представляют собой вступительную часть и обязательно открывают напев, подчеркивая этим зачин песни.

Ключевые слова: музыкальная этнография, традиции, взаимодействие, соотношение слова-музыки, дьиэрэтии ырыа, олонхо, семантика, словесная структура, квантитативная ритмика, якуты

Abstract: The traditions of the interaction of word and music in the Yakut folk song of Dyeretia Yrya in Olonkho culture of the central (Prilensky) region are investigated. The study of the tradition of the interaction of word and music in the Yakut folk song is important due to the fact that it helps to understand the mechanisms in the relationship of word and music in folklore, in addition, this issue has not yet been considered as a special one in science, especially since the verse structure and their patterns in ancient poetic texts differ from modern folklore and vocal works, and their melodies are suprasemantic in nature. The song traditions of Dyeretia yrya in Olonkho were formed before the 1st century BC and many of their significant elements have survived to our time. The material of the study is the musical transcriptions of the Dyeretia Yrya Olonkho recognized by Olonkhosuts (Olonkho culture researchers). The methodology is based on theoretical developments in ethnography, philology and folk music. In this work, the author relied primarily on the method of comparative analysis. For the first time, on the basis of comparative works, it is shown that the traditions of the interaction of word and music in the Yakut folk songs of Dyereti Yrya in Olonkho culture of the central (Prilensky) region can be revealed by comparing the rhythm of the verse structure and the quantitative rhythmics of the chant, which in the future will help to reveal the deeper integrative possibilities of these two semantic systems and temporary art forms. The traditions of the interaction of word and music in the Dyeretia of the central (Prilensky) region of Yakutia are canonical and have been preserved for centuries. In the songs of Dyeretia Yrya, the melodic line develops according to the principle of "rotation in a closed circle" and has a pendulum-like character of the melodic pattern, which confirms the antiquity and patriarchy of such songs from Yakut legends. In the verse structure of the dyereti of yrya in olonkho, the tendency to equilocation and the presence of seven-syllable and six-syllable periods characteristic of Turkic versification are revealed. In the quantitative rhythm of the chant, the dominance of chants is observed to a greater extent with long durations, each sound of which is equal to short durations, expressed by eighth, sixteenth durations and trioles. The super-long ones represent the introductory part and necessarily open the melody, thereby emphasizing the beginning of the song.

Keywords: the verbal structure, semantics, olonkho, dyeretii yrya, The word-music ratio, interaction, traditions, musical ethnography, quantitative rhythmics, Yakuts

Аннотация: Предметом статьи является феномен юродства в творчестве Галины Уствольской. Автор предлагает рассматривать во внешних проявлениях данного феномена (протест, обличение) подспудное трагическое содержание. По мнению автора статьи, стремление к крайностям, как характерная черта творческого облика Уствольской, является желанием композитора скрыть эмоцию в своих сочинениях. Именно эмоциональное напряжение является и причиной интонационной амбивалентности музыкального языка Уствольской. В этой связи автор обнаруживает в творчестве композитора сходство с юродством, описанным в монографии Натальи Ростовой «Человек обратной перспективы». В этом исследовании фигура юродивого сравнивается с иконой, обратная перспектива в которой предполагает множественность точек зрения. У Уствольской подобная множественность смыслового наполнения превращается в особый метод — жанровую диффузию. Научная новизна представленного исследования заключается в авторской интерпретации метафоры юродства в творчестве Уствольской в контексте философского обоснования данного феномена. Особым вкладом автора в исследование темы является анализ некоторых специфических особенностей стиля музыкальной речи Галины Уствольской на примере ее фортепианного творчества. В статье приводятся нотные примеры из Двенадцати прелюдий для фортепиано, а также Третьей и Четвертой фортепианных сонат, как наиболее ярко иллюстрирующих позицию автора. Объектами внимания в представленных сочинениях становятся интонационная и жанровая сфера, а также намечен дальнейший путь развития этих сфер.

Ключевые слова: Галина Уствольская, соната для фортепиано, юродство, парадоксальность, амбивалентность, плач, икона, молитва, детскость, трагизм

Abstract: The subject of the article is the phenomenon of foolishness in the works of Galina Ustvolskaya. The author suggests that in the external manifestations of this phenomenon (protest, denunciation) there is an underlying tragic content. In the opinion of the author, the urge towards extremes, as a typical feature of Ustvolskaya's creativity, is the composer's desire to conceal emotion in her compositions. This emotional tension is the very reason for the intonational ambivalence of Ustvolskaya's musical language. In this connection, the author identifies similarities in the composer's work with the foolishness described in Natalia Rostova's monograph, The Man of Reverse Perspective. In this study, the figure of the foolish man is compared to an icon, a reverse perspective which implies a multiplicity of viewpoints. For Ustvolskaya, this multiplicity of meanings is transformed into a special method - genre diffusion. The scientific novelty of the presented study lies in the author's interpretation of the metaphor of foolishness in the works of Ustvolskaya in the context of philosophical justification of this phenomenon. The author's special contribution to the theme's research is the analysis of some specific features of Galina Ustvolskaya's musical style on the example of her piano works. The article provides the notational examples of Twelve Preludes for Piano as well as Third and Fourth Piano Sonatas as the most vivid illustrations of the author's stance. The presented works focus on the intonation and genre spheres as well as outline the further development of these spheres.

Keywords: childishness, prayer, icon, lament, ambivalence, paradox, foolishness, piano sonata, Galina Ustvolskaya, tragedy

Аннотация: Статья посвящена изучению жанра этюда, который в творчестве отечественных композиторов-пианистов второй половины XX – начала XXI столетия стал полем эксперимента и запечатления личной художественной картины мира. В центре внимания статьи – два опуса современных композиторов-пианистов Михаила Георгиевича Коллонтая (род. 1952) и Алексея Евгеньевича Чернова (род. 1982). В результате проведенного анализа цикла этюдов ор. 55 (2006-2007) М. Г. Коллонтая автор приходит к выводу о том, что данное сочинение продолжает линию листовской трансцендентальности. Особое внимание в данном цикле уделяется рассмотрению религиозно-духовной тематики, выраженной на вербальном уровне. Художественные комментарии композитора к этюдам, эпиграф из стихотворения поэта и католического священника Г. Гезелле, послесловия к пьесам дополняют и углубляют концептуальное поле программного сочинения, в котором воплотились новозаветные сюжеты, связанные с крестным путем Иисуса Христа на земле. Для фортепианного цикла Девять этюдов-картин ор. 11 (2006-2013) А. Е. Чернова вдохновляющим источником и моделью послужили девять этюдов-картин ор. 39 (1917) С. Рахманинова. В ходе проведенного анализа автором статьи отмечается, что цикл этюдов А. Е. Чернова характеризуют следующие черты: концентрический тип композиции с устремленностью к финалу, наличие лирической сердцевины, развитие и переплетение двух психологических модусов (лирического и драматического), парная группировка этюдов по принципу контраста, наличие лейтмотивов («лейтимпульсов»), в том числе и лейтжанров (ноктюрна и вальса), пронизывающих фортепианный цикл, что придает циклу цельность и стройность. В статье подчеркивается мысль о том, что интерес именно к такому жанровому импровизационному миксту как «этюд-фантазия» или «фантазия-этюд» встречается преимущественно в наследии композиторов-пианистов-виртуозов XIX – XX столетий, стремящихся в своем творчестве к пролонгированию романтических традиций.

Ключевые слова: Этюд, романтические традиции, композитор-пианист, Михаил Георгиевич Коллонтай, Алексей Евгеньевич Чернов, отечественные композиторы, виртуозность, трансцендентальность, программность, цикл

Abstract: The article is devoted to the study of the etude genre, which in the work of domestic composers-pianists of the second half of the twentieth – early twenty-first centuries became an experiment and capture of a personal artistic picture of the world. The focus of the article is two opuses by contemporary pianist composers М. Kollontai and E. Chernov. As a result of the cycle of analysis of etudes op. 55 Kollontai, the author comes to the conclusion that this work continues the line of Liszt’s transcendentalism. Particular attention in this cycle is aimed at considering religious and spiritual themes expressed at the verbal level. The composer’s artistic comments on the etudes, the epigraph from the poems of the poet and Catholic priest Geselle, the afterword to the plays, explain and explore the conceptual field of the program composition, which embodied New Testament stories related to the way of the cross of Jesus Christ on earth. For the piano cycle – Nine etudes-pictures op. 11 by Chernov, nine etudes-pictures op. 39 Rachmaninoff. In the course of the analysis, it is noted that the cycle of etudes by Chernov is characterized by the following features: a concentric type of composition with an aspiration to the finale, the presence of a lyrical core, the development and interweaving of two psychological modes (lyrical and dramatic), which gives the cycle integrity and harmony, paired grouping of etudes according to the principle of contrast, the presence of leitmotifs, as well as leitgenres (nocturne and waltz) that permeate the piano cycle. The article emphasizes the idea that interest in such a genre of improvisational mix as «etude-fantasy» is found mainly in the legacy of virtuoso composers-pianists of the 19th-20th centuries, striving in their work to prolong romantic traditions.

Keywords: programming, transcendence, virtuosity, Russian composers, Aleksey Evgenievich Chernov, Mikhail Georgievich Kollontai, composer-pianist, romantic traditions, Etude, cycle

Аннотация: Статья обращает внимание на систему музыкальных украшений, данных в дидактическом стандарте итальянского педагога середины XIX века Джусто Даччи. Созданная в условиях изменившейся практики исполнительства, где важность приобрело прочтение нотного текста максимально близкое к намерениям композитора, система украшений маэстро Даччи не только предложила педагогам их унификацию в виде знаков сокращенного письма, но и установила эталоны их расшифровки. По отношению к содержанию раздела теория музыки, связанного с изучением орнаментики, система Даччи стала тем организующим конструктом, который приобрел устойчивую форму дидактического обобщения. Выделенные Джусто Даччи виды украшений: апподжиатура – аччаккатура – мордент – группетто – трель, это те элементы музыкальной теории, которые сохраняют универсальность по сей день. Они введены в дидактический стандарт в особый исторический момент активного создания методических концептов, обеспечивающих теоретические и технологические основания для педагогической работы в профессиональных музыкальных учебных заведениях Италии. Подобная работа не только обогатила музыкальную культуру XIX века. В формировании базовых навыков колорирования она и сегодня остается важным образовательным ориентиром. Впервые введенное в данной статье знание о стандарте Джусто Даччи необходимо по трем причинам: 1. В теории музыки оно фиксирует опыт точного кодирования украшений. Этот опыт, по сути, является залогом визуализации неизменного звучания. Для музыкознания он представляет интерес с точки зрения изучения истории формирования цикла музыкально-теоретических дисциплин и его содержания. 2. В образовательной практике оно расширяет существующий формат знания, открывает педагогам возможность включить данный образовательный материал в свою практическую работу. 3. В исполнительстве оно необходимо для понимания граней возможной исполнительской свободы в дешифровке украшений в произведениях, взятых из того или иного временного хронотопа.

Ключевые слова: украшения в музыке, теория музыки, Джусто Даччи, учение об украшениях, дидактический стандарт, терминология, апподжиатура и аччаккатура, мордент, группетто, трель

Abstract: The article draws attention to the system of musical ornaments given in the didactic standard of the Italian teacher of the mid-XIX century Giusto Dacci. Created in the conditions of the changed practice of performance, where the importance of reading the musical text as close as possible to the composer's intentions, Maestro Dacci's ornamentation system not only offered teachers their unification in the form of abbreviated letter signs, but also set standards for their decoding. In relation to the content of the music theory, section related to the study of ornamentation, the Dacci system has become the organizing construct that has acquired a stable form of didactic generalization. The types of ornamentation highlighted by Giusto Dacci: appoggiatura – accaccatura – mordent – gruppetto – trill, these are the elements of musical theory that retain universality to this day. They were introduced into the didactic standard at a special historical moment of the active creation of methodological concepts that provide theoretical and technological foundations for pedagogical work in professional musical educational institutions in Italy. Such work not only enriched the musical culture of the XIX century. In the formation of basic coloring skills, it remains an important educational guideline today. 1. In music theory, it captures the experience of accurately encoding ornaments. This experience, in fact, is the key to the visualization of an unchanging sound. For musicology, it is of interest from the point of view of studying the history of the formation of the cycle of musical-theoretical disciplines and its content. 2. In educational practice, it expands the existing format of knowledge, opens up the opportunity for teachers to include this educational material in their practical work. 3. In performance, it allows to understand the facets of possible performing freedom in deciphering jewelry in works taken from a particular time chronotope.

Keywords: appoggiatura and accaccatura, terminology, didactic standard, the doctrine of ornamentation, Giusto Dacci, music theory, decorations in music, mordent, gruppetto, trill

Аннотация: В современном исполнительстве старинной музыки одной из центральных задач певцов является стремление к самостоятельному декорированию мелодии. Принимая во внимание отсутствие у отечественных исполнителей знаний и навыков барочной импровизации, применяемые украшения зачастую представляют, по сути, только технический элемент, с которым необходимо справиться. В данном случае художественной ценности орнаменты не имеют, звучат блекло, бессодержательно в отношении экспрессии, не соответствуя главному предназначению – подчеркиванию аффекта и усилению его выразительности, о чем настоятельно писали старинные мастера. Предлагаемая статья направлена на решение актуальных проблем в области барочного исполнительства, связанных с вокальной орнаментацией и передачей аффекта сочинения. В современном отечественном музыкознании данная тема не получила еще своего освещения. Автор статьи приводит исторические данные о характеристике мелизмов и их направленности на выражение определенных аффектов, что и определяет научную новизну исследования. Методология исследования базируется на историческом подходе. Особое значение имеют также методы анализа и синтеза, благодаря которым при изучении разрозненных данных удалось воссоздать историю орнаментального искусства во взаимосвязи с оперными традициями первой половины XVIII века. Позиция автора заключается в том, что любой вид орнаментации в старинных ариях должен применяться в мелодической линии с целью подчеркивания и усиления аффекта исполняемого сочинения. Певцу при исполнении сочинений рассматриваемого времени важно понимать значение декорирования мелодии, как одного из главных средств выразительности и в соответствии с этим руководствоваться выбором украшений. Автор делает выводы о взаимосвязи и взаимовлиянии орнаментики и аффекта в музыке эпохи барокко. Материал статьи и выводы будут полезны певцам, исполняющим старинную музыку, для стилистически верной ее интерпретации, а также в учебных курсах истории вокального исполнительства на исполнительских отделениях в музыкальных колледжах и факультетах вузов.

Ключевые слова: XVIII век, итальянская оперная традиция, вокальная орнаментация, пассажи, мелизмы, орнаментация и аффект, стиль, аффекты в музыке, украшения в пении, выразительность в пении

Abstract: In the modern performance of ancient music, one of the central tasks of singers is the desire to decorate the melody independently. Taking into account the lack of knowledge and skills of Baroque improvisation among domestic performers, the decorations used often represent, in fact, only a technical element that needs to be dealt with. In this case, the ornaments have no artistic value, they sound faded, not corresponding to the main purpose – to emphasize the affect and enhance its expressiveness. The proposed article is aimed at solving topical problems in the field of Baroque performance related to vocal ornamentation and the transmission of the affect of the composition. The author of the article provides historical data on the characteristics of melisms and their focus on the expression of certain affects, which determines the scientific novelty of the study. The research methodology is based on a historical approach. Methods of analysis and synthesis are also of particular importance, thanks to which, when studying disparate data, it was possible to recreate the history of ornamental art in connection with the opera traditions of the first half of the XVIII century. The author's position is that any kind of ornamentation in ancient arias should be used in the melodic line in order to emphasize and enhance the affect of the composition being performed. When performing compositions of the time in question, it is important for a singer to understand the importance of decorating a melody as one of the main means of expression and, accordingly, be guided by the choice of jewelry. The author draws conclusions about the relationship and mutual influence of ornamentation and affect in the Baroque music. The material of the article and the conclusions will be useful to singers performing ancient music for its stylistically correct interpretation.

Keywords: decorations in singing, affects in music, style, ornamentation and affect, melisms, passages, vocal ornamentation, expressiveness in singing, Italian opera tradition, XVIII century

Аннотация: Имя Виттории Аркилеи вошло в историю вокального искусства, как первой оперной примадонны в новом для рубежа XVI-XVII столетий стиля пения. При жизни певица пользовалась огромной популярностью. Выдающиеся композиторы Дж. Каччини, Я. Пери, С. Д’ Индиа, Э. де’ Кавальери и др. восхищались ее мастерством, отмечая необычайную нежность звучания голоса, сочетающуюся с его яркой виртуозностью. Исполнение Аркилеи значительно отличалось от других певцов, ее современников. Не случайно Я. Пери называет примадонну Эвтерпой своего времени. В предлагаемой статье представлен творческий портрет Виттории Аркилеи – первого блестящего интерпретатора монодической музыки, выдающейся певицы, создавшей новый метод пения женщин. Методологическую основу работы составляет принцип историзма. Использован культурно-исторический метод исследования. Биографическая реконструкция произведена на основе источниковедческой работы с отзывами современников певицы, письмами, музыкально-критическими статьями. В отечественном музыковедении данная статья является первой специальной публикацией, посвященной творческому пути Виттории Аркилеи. Этот материал будет полезен музыкантам, певцам, исполняющим старинную музыку, для стилистически верной ее интерпретации, а также в учебных курсах истории вокального исполнительства на вокальных отделениях музыкальных колледжей и факультетах вузов.

Ключевые слова: Виттория Аркилеи, оперная примадонна, виртуозное пение, вокальная орнаментация, импровизация, вокальная техника, музыка барокко, Джулио Каччини, Антонио Аркилеи, монодическая музыка

Abstract: The name of Vittoria Archilei has entered the history of vocal art as the first opera prima donna in a new style of singing for the turn of the XVI-XVII centuries. During her lifetime, the singer enjoyed great popularity. Outstanding composers G. Caccini, J. Peri, S. D'India, E. de’ Cavalieri, etc. they admired her skill, noting the extraordinary tenderness of the sound of her voice, combined with its bright virtuosity. Archilei performance was significantly different from other singers, her contemporaries. It is not by chance that J. Peri calls the prima donna the Euterpe of his time. The article presents a creative portrait of Vittoria Archilei, the first brilliant interpreter of monodic music, an outstanding singer who created a new method of singing women. The methodological basis of the work is the principle of historicism. The cultural and historical research method was used. The biographical reconstruction was made on the basis of source studies with reviews of the singer's contemporaries, letters, music-critical articles. In Russian musicology, this article is the first special publication dedicated to the creative path of Vittoria Archilei. This material will be useful for musicians, singers performing old music, for its stylistically correct interpretation, as well as in training courses on the history of vocal performance at vocal departments of music colleges and faculties of universities.

Keywords: vocal technique, improvisation, vocal ornamentation, virtuoso singing, opera diva, Vittoria Archilei, baroque music, Giulio Caccini, Antonio Archilei, monodic music

Аннотация: Предметом исследования являются условия развития профессиональных умений и навыков концертмейстера в работе над интерпретацией произведения. В статье рассматривается проблема интерпретации музыкального произведения как базового качества личности музыканта в целом, и в частности, в структуре профессиональной деятельности концертмейстера. Данная статья посвящена описанию процесса работы над музыкальным произведением музыканта вообще, и, в частности, концертмейстера. В работе рассмотрены педагогические условия формирования умений и навыков интерпретации музыкальных произведений, как важного компонента в подготовке музыканта-исполнителя, концертмейстера; определена значимость коммуникативных навыков концертмейстера, как одного из факторов в работе над интерпретацией музыкального произведения.   В данной статье выявлена роль психологических и профессиональных качеств музыканта в художественном воплощении интерпретации, которые зависят от его музыкально-слуховых представлений, интеллекта, темперамента, эмоциональной чуткости, музыкального опыта, исполнительской выдержки, концентрации внимания, способности контролировать свою игру. Новизна данного исследования заключается в выявлении определенного алгоритма работы, направленного на создание интерпретации музыкального произведения в совместном исполнительстве солист – концертмейстер. Основным выводом данной работы является то, что применение художественно-педагогической интерпретации в работе концертмейстера над музыкальным произведением может способствовать развитию профессионально значимых качеств концертмейстера.

Ключевые слова: интерпретация, исполнительство, коммуникативные навыки, музыкальный образ, знаково-графический язык, вербальный язык, ориентировочные действия, исполнительский стиль, знаковые системы, эмоциональная культура

Abstract: The subject of the study is the conditions for the development of professional skills of the concertmaster in the music interpretation. The article deals with the problem of interpreting a piece of music as a basic quality of a musician's personality in general, and in particular, in the structure of the concertmaster's professional activity. This article is devoted to the description of the process of working on a musical work of a musician in general, and, in particular, an accompanist. The author considers the pedagogical conditions for the formation of skills and abilities of interpretation of musical works as an important component in the training of a musician-performer, concertmaster; the importance of the concertmaster's communicative skills as one of the factors in the work on the interpretation of a musical work is determined. The role of psychological and professional qualities of a musician in the artistic embodiment of interpretation is revealed, which depend on his musical and auditory representations, intelligence, temperament, emotional sensitivity, musical experience, performing endurance, concentration of attention, ability to control his playing. The novelty of the research lies in the identification of an algorithm of work aimed at creating an interpretation of a musical work in the joint performance of a soloist – concertmaster. The main conclusion of this work is that the use of artistic and pedagogical interpretation in the work of an accompanist on a piece of music can contribute to the development of professionally significant qualities of an accompanist.

Keywords: performance style, orientation actions, verbal language, sign-graphic language, musical image, communication skills, performance, interpretation, sign systems, emotional culture

Аннотация: Предметом исследования является «женский» камерно-вокальный цикл в отечественной музыке 1960–1970-х годов, который, по мысли автора, стал особой приметой времени перемен и обновления, пришедшими в музыкальную культуру Советского Союза вместе с хрущевской «оттепелью». Статья посвящена типологии «женского» вокального цикла, появлению большого числа произведений на стихотворения А. Ахматовой и М. Цветаевой, музыки для детей и юношества, многочисленных вокальных сочинений в духе «новой фольклорной волны», работ-посвящений выдающимся интерпретаторам вокальной музыки современных советских композиторов – З. Долухановой, Л. Давыдовой, Г. Вишневской, Е. Образцовой, Е. Гороховской, Н. Юреневой и другим. Основным выводом проведенного исследования становится мысль о том, что существует несколько устойчивых типов «женских» камерно-вокальных циклов, связанных, прежде всего, с современной поэтической традицией, с народным музыкальным творчеством, со сложившейся в стране концертной исполнительской практикой, с различными голосовыми возможностями певцов, шириной их вокального диапазона, гибкостью, тембровыми характеристиками и т.д. Отечественная камерно-вокальная музыка впервые изучается в подобном ракурсе и это направление необходимо признать плодотворным. Совершенно очевидно, что именно «женский» вокальный цикл стал важнейшей приметой времени коренного обновления отечественного музыкального искусства в 1960–1970-е годы.

Ключевые слова: Вокальный цикл, Отечественная музыка, Авангард, Обновление, Анна Ахматова, Марина Цветаева, Дмитрий Шостакович, Борис Тищенко, Валерий Гаврилин, Школа камерного пения

Abstract: The subject of the study is the "female" chamber vocal cycle in Russian music of the 1960s and 1970s, which, according to the author, became a special sign of the time of changes and renewal that came to the musical culture of the Soviet Union together with the Khrushchev "thaw". The article is devoted to the typology of the "female" vocal cycle, the appearance of a large number of works based on poems by A. Akhmatova and M. Tsvetaeva, music for children and youth, numerous vocal compositions in the spirit of the "new folklore wave", works dedicated to outstanding interpreters of vocal music by modern Soviet composers - Z. Dolukhanova, L. Davydova, G. Vishnevskaya, E. Obraztsova, E. Gorokhovskaya, N. Yureneva and others. The main conclusion of the study is the idea that there are several stable types of "female" chamber vocal cycles associated primarily with the modern poetic tradition, folk music, with the concert performance practice established in the country, with various vocal capabilities of singers, the width of their vocal range, flexibility, timbre characteristics etc. Russian chamber and vocal music is being studied for the first time in such a perspective and this direction must be recognized as fruitful. It is quite obvious that it was the "female" vocal cycle that became the most important sign of the time of the radical renewal of the national musical art in the 1960s and 1970s.

Keywords: Chamber singing tradition, Vanguard, Renewal, Anna Akhmatova, Marina Tsvetaeva, Dmitry Shostakovich, Valery Gavrilin, Boris Tishchenko, Domestic music, Vocal cycle

Аннотация: В статье предпринята попытка обоснования необходимости повышенного внимания заинтересованных сторон к актуальности обновления профессиональной подготовки педагогов по вокалу. Автор публикации пошагово раскрывает идеальную структуру компетентности педагога по вокалу на основании систематизированных им взглядов различных экспертов, а также предлагает делать отдельные принципиальные акценты на комплексном изучении студентами трендов современной музыкальной культуры, поскольку осознанное и целенаправленное ознакомление с таковыми является, на его взгляд, неотъемлемым элементом в системе современной профессиональной компетентности. Достаточно подробно раскрываются личностные и профессиональные характеристики, которыми должен обладать каждый будущий педагог по вокалу; подчёркивается особенное значение каждого из этих слагаемых успеха в конкурентной борьбе на рынке педагогического труда. Помимо этого, освещаются ключевые особенности распространения музыкальной информации в современном обществе, влияние сетевых технологий на специализированную подготовку педагогов и реципиентов. Отмечается специфика восприятия и использования музыкальной информации различными поколениями российских людей. В качестве вывода автор предлагает дальнейшее, более глубокое изучение затронутой им проблематики, поскольку, на его взгляд, она недостаточно разработана на научном уровне. В качестве вывода автор предлагает дальнейшее изучение затронутой им проблематики.

Ключевые слова: педагог по вокалу, вокал, педагог, педагогическая деятельность, музыкальная культура, тренды музыкальной культуры, культура, искусство, творческое саморазвитие, профессионал

Abstract: The article attempts to substantiate the need for increased attention of stakeholders to the relevance of updating the professional training of vocal teachers. The author of the publication step-by-step reveals the ideal structure of a vocal teacher's competence based on the views of various experts systematized by him, and also suggests making separate principal accents on the comprehensive study of trends in modern musical culture by students, since conscious and purposeful familiarization with them is, in his opinion, an integral element in the system of modern professional competence. The personal and professional characteristics that every future vocal teacher should possess are disclosed in sufficient detail; the special importance of each of these components of success in the competitive struggle in the pedagogical labor market is emphasized. In addition, the key features of the dissemination of musical information in modern society, the impact of network technologies on the specialized training of teachers and recipients are highlighted. The specifics of the perception and use of musical information by different generations of Russian people are noted. As a conclusion, the author suggests a further, more in-depth study of the issues he raised, since, in his opinion, it is insufficiently developed at the scientific level. As a conclusion, the author suggests further study of the issues he raised.

Keywords: creative self-development, professional, culture, art, trends in musical culture, musical culture, pedagogical activity, teacher, vocals, vocal teacher

Аннотация: В данной статье производится рассмотрение сонаты для арфы соло №2 «Былинные звукоряды» Валерия Кикты с целью выявления жанровых особенностей, положенных в основу художественной задачи. Русская арфовая школа прошла собственный путь становления и обладает признанным авторитетом. Несмотря на данный факт, сочинения для солирующей арфы в творчестве современных отечественных авторов – явление довольно редкое. Валерий Кикта стал одним из композиторов, стремящихся возродить интерес к национальному арфовому искусству и выступающих за сохранение традиции. Его главное достижение на этом поприще заключено не только в создании новой музыки, прочно вошедшей в исполнительский и концертный репертуар, но и участие в организации Русского арфового общества. Проанализированные автором статьи три знаковые характеристики сочинения – жанр, тембр и лад – дали возможность определить произведение музыкального искусства как текст, поддающийся расшифровке. В процессе работы отдельное внимание уделено подробной характеристике традиционным и новаторским способам работы с материалом. Особый акцент сделан на поиске связей с отечественной композиторской школой и свойственной для нее опорой на народно-национальную культуру. Определен семиозис сонаты и составляющие его выразительные особенности музыкального языка. Символика былины в объединении с объявленным автором программным компонентом позволила обнаружить заключенное в ней «послание».

Ключевые слова: Кикта, соната, арфа, былина, семиотика, семиозис, фольклор, сонатная форма, лад, традиция

Abstract: This article examines the sonata for solo harp No. 2 "Epic sound patterns" by Valery Kikta in order to identify the genre features that form the basis of the artistic task. The Russian harp school has passed its own path of formation and has a recognized authority. Despite this fact, compositions for solo harp in the works of modern Russian authors are quite rare. Valery Kikta became one of the composers seeking to revive interest in the national harp art and advocating the preservation of tradition. His main achievement in this field is not only in the creation of new music, firmly included in the performing and concert repertoire, but also participation in the organization of the Russian Harp Society. The three iconic characteristics of the composition analyzed by the author of the article – genre, timbre and fret – made it possible to define a work of musical art as a text that can be deciphered. In the process of work, special attention is paid to the detailed characteristics of traditional and innovative ways of working with the material. Special emphasis is placed on the search for links with the Russian school of composition and its characteristic reliance on national culture. The semiosis of the sonata and its constituent expressive features of the musical language are determined. The symbolism of the epic in combination with the software component announced by the author made it possible to discover the "message" contained in it.

Keywords: tradition, mode, sonata form, folklore, semiosis, semiotics, epic, harp, sonata, Kikta

Аннотация: Дов Аттья и Альбер Коэн – французские авторы, режиссеры, продюсеры дают импульс развитию жанра в XXI веке. Поэтому предметом анализа в статье определено их творчество, почти не изученное наукой о театре. Цель исследования заключается в необходимости на теоретическом уровне раскрыть роль Дов Аттья и Альбера Коэна в развитии французского мюзикла. Методологию работы составляют подходы: междисциплинарный - привлекает научные теории и концепции из других областей познания; историко-культурологический - помогает выявлять факторы, которые способствуют сближению французской культуры с традициями других культур; системный подход, направленный на рассмотрение профессионального исполнительства во французском мюзикле как результат творчества Дов Аттья и Альбера Коэна.   Научной новизной является введение в научный оборот ранее отсутствующие материалы о творчестве Дов Аттья и Альбера Коэна, их деятельности в контексте развитии жанра французского мюзикла. Теоретическая значимость подтверждается тем, что охарактеризованы понятия «французский мюзикл нового века», «интерпретация классики», «французский шансонный стиль» в контексте искусствоведческого знания, а также - методологии науки. Практическая значимость доказана тем, что результаты позволяют понимать роль становления и распространения французского мюзикла, популяризуют творчество Дов Аттья и Альбера Коэна. Результаты работы констатируют, что Дов Аттья и Альбер Коэн в французском мюзикле укрепляют образ мыслей и эстетические вкусы французов. Для них этот жанр является возможностью остро и красиво высказаться в защиту национальных ценностей.

Ключевые слова: Франция, музыкальный театр, мюзикл, Дов Аттья, Альбер Коэн, религиозный мюзикл, рок-опера, детский мюзикл, антагонисты, гротеск

Abstract: Dove Attia and Albert Cohen – French authors and stage directors, and musical producers – contribute to the development of the genre in the XXI century. The subject of this research is their creativity, which is poorly studied by the science of theater. The goal lies in describing the role of Dove Attia and Albert Cohen in the development of the French musical on the theoretical level.  Research methodology is comprised on the following approaches: interdisciplinary, which involves scientific theories and concepts from other fields of knowledge; historical-culturological, which reveals that factors contributing to the convergence of French culture with the traditions of other cultures; systematic, which examines professional performance in French musical as a result of the works of Dove Attia and Albert Cohen. The scientific novelty lies in introduction into the scientific discourse of previously missing materials on the works of Dove Attia and Albert Cohen, their activity in the context of evolution of the genre of French musical. The theoretical significance consists in characterization of the concepts of “French musical of the new century”, "interpretation of classics", “French chanson style” within the framework of art history and methodology of science. The acquired result reveal the role of establishment and proliferation of French musical, as well as popularize the works of Dove Attia and Albert Cohen, which determines the practical importance of this study. It is noted that in French musical, Dove Attia and Albert Cohen invigorate the aesthetic tastes and mentality of the French, using it as an opportunity to defend the national values in a savory and beautiful way.

Keywords: children's musical, rock opera, religious musical, Albert Cohen, Dove Attia, musical, musical theater, France, antagonists, grotesque

Аннотация: Предметом исследования является симфоническое творчество выдающегося отечественного композитора второй половины ХХ века Бориса Ивановича Тищенко (1939–2010). В статье рассматривается первый большой балет композитора по поэме А. Блока «Двенадцать», заказанный ему в 1963 году выдающимся советским хореографом Л. Якобсоном для постановки в Кировском театре в Ленинграде. Автор работы подробно останавливается на таких аспектах темы, как новаторская роль Тищенко в деле обновления отечественного симфонизма второй половины прошлого столетия, взаимоотношение музыки и поэзии в оркестровых произведениях Тищенко, а также на серьезном влиянии литературных концепций на развитие его симфонизма. Особое внимание в исследовании уделяется вопросу наследования Б. Тищенко большой русской симфонической традиции. Основным выводом статьи становится мысль о том, что «Двенадцать» Б. Тищенко – первый по-настоящему современный балетный спектакль в советском музыкальном театре. Особым вкладом автора в исследование темы является детальное изучение сочинений выдающегося отечественного композитора не становившихся до сих пор предметом пристального внимания со стороны музыковедов. Новизна исследования заключается в том, что автор показывает важную роль Б. Тищенко в общем процессе обновления отечественной симфонической музыки 1960-х годов на примере его раннего балета. Тищенко, развивая свои собственные художественные концепции, симфонизировал балетный спектакль, проложив в этом направлении дорогу многим советским композиторам.

Ключевые слова: Борис Тищенко, балет, литература, поэзия, симфонический оркестр, обновление, драматургия, музыка ХХ века, Александр Блок, музыкальный авангард

Abstract: The subject of this research is the symphonic works of the prominent Russian composer of the late XX century Boris Ivanovich Tishchenko (1939–2010). The article analyzes the composer's first major ballet based on the poem “The Twelve” by A. Blok, which was requested in 1963 by the outstanding Soviet choreographer L. Yakobson for production design in the Kirovsky Theater in Leningrad. The author examines such aspects of the topic as Tishchenko's innovative role in the revival of Russian symphonic style in the second half the XX century, interrelation between music and poetry in the orchestral compositions of B. Tishchenko, as well as strong influence of the literary concepts upon the development of his symphonic style. Special attention is given to the topic of B. Tishchenko's succession of the great Russian symphonic tradition. The main conclusion lies in the thought that B. Tishchenko's ballet “The Twelve” is the first truly contemporary ballet performance in the Soviet musical theater. The author’s special contribution to this research consists in comprehensive examination of the works of the prominent Russian composer that have not receive due attention of the musicologists. The novelty lies in demonstration of the important role of Boris Tishchenko in the overall process of the revival of the Russian symphonic music of the 1960s on the example of the ballet of his early period. Developing his original artistic concepts, Tishchenko symphonized the ballet performance, paving the way for many Soviet composers in this direction.

Keywords: dramaturgy, renewal, symphony orchestra, poetry, literature, ballet, Boris Tishchenko, music of the XX century, Alexander Blok, musical Avant-garde

Аннотация: Статья посвящена вопросам специфики обучения музыкантов – исполнителей в классе фортепиано в условиях «удалённого» обучения в ВУЗе. Автор предлагает рассматривать дистанционную форму обучения в качестве активного способа осуществления познавательной деятельности, т.е. как метод обучения студентов – исполнителей. А также с позиции современной организационной инновации. Последовательно освещаются некоторые исторические предпосылки существования дистанционного метода обучения в музыкальном образовании в середине XX века, а также условия для успешной реализации исследуемого метода. Описываются форматы дистанционного обучения, интернет – платформы, позволяющие реализовать on – line и off - line взаимодействие участников образовательного процесса. На основании проанализированных мнений авторитетных педагогов – исполнителей, а также, опираясь на собственный опыт проведения дистанционных занятий автором определяется практическая значимость и целесообразность использования дистанционной формы как метода обучения в работе со студентами – исполнителями. Автор приходит к выводу о том, что современная повсеместная модернизация, внедрение и разработка технологии дистанционного обучения в сфере традиционного образования мало учитывает специфику ВУЗов музыкальной (творческой) направленности. При всех недостатках и несовершенстве дистанционной инновации описаны положительные стороны, которые позволят педагогам частично использовать дистанционный метод для достижения определенных учебных задач.

Ключевые слова: студент, озвученное музыкальное пособие, обучение исполнителей, музыкальное образование, музыкальное искусство, исполнительские задачи, класс фортепиано, дистанционный метод, музыкальное пособие, творческие навыки

Abstract: This article explores the specificity of teaching piano class in the university in the conditions of distance learning. The author suggests to consider distance learning as an active method of carrying out cognitive activity, i.e. a method of educating future piano performers, as well as from the perspective of modern organizational innovation. The article gradually covers certain historical prerequisites for the existence of distance learning method in music education in the middle of the XX century, as well as the conditions for its successful implementation. The author describes the formats of distance learning, Internet platforms that allow online and offline interaction of the participants of educational process. Based on the opinions of reputable educators-performers, as well leaning on the own experience of teaching classes remotely, the author determines the practical significance and feasibility of using the distance form of learning as a method of teaching future musicians. The conclusion is made that the all-round modernization, implementation and development of distance learning technology in the sphere of traditional education does not take into account the specificity of music and art universities. Despite all the flaws and imperfections of distance innovation, the author finds positive aspects, which would allow the pedagogues to implement distance learning to a certain extent for achieving certain educational objectives.

Keywords: dubbed musical aid, training of performers, musical education, musical art, performing tasks, piano class, distance learning method, student, musical aid, creative skills

Аннотация: Предметом исследования является Вторая симфония «Марина» выдающегося отечественного композитора второй половины XX века Бориса Ивановича Тищенко. Она закончена в 1964 году и долгое время оставалась не исполненной и неизданной. Особое внимание в статье уделяется симфонической драматургии произведения, проблеме взаимоотношения музыки и поэтического текста, вопросам обновления композиторского языка. В симфонии в полной мере проявилась характерная особенность симфонизма Тищенко — стремление и умение вскрыть, обнажить окружающие конфликты и противоречия. Тищенко мастерски воссоздает в звуке любую нужную ему эмоционально-психологическую атмосферу, отсюда разнообразие приемов и технических решений. Вторая симфония Бориса Тищенко явилась значительным явлением отечественной музыки и, конечно, серьезным этапом в становлении симфонизма самого композитора. В «Марине» Тищенко решает важнейший вопрос не только своего творчества, но, пожалуй, и всего музыкального искусства XX века: вопрос о мере подчинения авторской фантазии музыкальной форме. Фантазия его здесь безудержна, язык в высшей степени современен, форма — классически ясная и глубоко связана с добротным русским и советским симфонизмом. Новизна исследования заключается в том, что выдающееся симфоническое произведение Бориса Тищенко рассматривается и анализируется с позиций сегодняшнего времени и в контексте обновления всего отечественного симфонизма 1960-х годов.

Ключевые слова: Борис Тищенко, Марина Цветаева, хоровая симфония, симфонический оркестр, смешанный хор, обновление, Марина Мнишек, история России, поэзия, драма

Abstract: The subject of this research is Marina Symphony No.2 by the prominent Russian composer of the late XX century Boris Ivanovich Tishchenko. It was completed in 1964, and for a long time remained unreleased. Special attention is given to the symphonic dramaturgy of the piece, interrelation between the music and the poetic text, as well as modernization of the language of composing. Specific trait of Tishchenko's symphonic style — the aspiration and ability to expose the surrounding conflicts and contradictions – is amplified in the symphony. Tishchenko masterfully reconstructs any desirable emotional and psychological atmosphere, which manifests in the variety of techniques and technical solutions. Symphony No.2 by Boris Tishchenko is a remarkable phenomenon in the national music, as well as an important step towards formation of the composer's unique symphonic style. In “Marina”, Tishchenko addresses the pivotal question of not only his creative path, but perhaps of the entire musical art of the XX century: the level of adherence of the author's imagination to the musical form. His imagination is irrepressible; the language is highly modern; the form is classically clear and closely related to the good Russian and Soviet symphonic style. The novelty of this research consists in consideration of the remarkable symphonic piece of Boris Tishchenko from the present-day perspective and in the context of revival of the entire national symphonic style of the 1960s.

Keywords: Marina Mnishek, renewal, mixed choir, symphony orchestra, choir symphony, Marina Tzvetaeva, Boris Tishchenko, history of Russia, poetry, drama

Аннотация: В статье рассматривается жизненный и творческий путь польского композитора Витольда Лютославского в период 1913–1945 гг. Особое внимание уделяется судьбе его отца Юзефа, расстрелянного вместе со своим братом в 1918 г., а также судьбе самого композитора и его брата Хенрика в годы Второй мировой войны. Во второй части статьи предметом исследования становятся особенности музыкального языка Лютославского, а также его взгляды на звуковысотную структуру и на драматургическое строение произведений. Доказывается наличие двух главных содержательных аспектов в музыке Лютославского: 1) постепенная трансформация гармонической вертикали за счёт последовательных изменений или добавлений звуков (в соединении с интонационными преобразованиями); 2) драматургия секций и драматургия пластов. Предлагается новый взгляд на творчество Лютославского как на продолжение традиций Г. Малера - как в области общей концепции симфонизма, так и в области интонационной фабульности. В заключительной части производится попытка объяснить особенности восприятия музыки Лютославского российским слушателем в контексте сравнения русского и польского менталитета.

Ключевые слова: Витольд Лютославский, биографическое исследование, история Польши, чекистские операции, звуковысотная структура, музыкальная драматургия, Витольд Малишевский, Густав Малер, польская культура, менталитет

Abstract: This article examines the life and artistic journey of the Polish composer Witold Lutosławski over the period from 1913 to 1945. Special attention is given to the fate of his father Józef who along with his brother were executed by a firing squad in September 1918, as well as to the fate of the omposer himself and his brother Henryk during the World War II. In the second part of the article, the subject of research becomes the peculiarities of musical language of W. Lutoslawski, as well as his views upon the sound structure and dramaturgical construct of the compositions. The presence of two substantive aspects in Lutoslawski’s music is proven: 1) gradual transformation of harmonious vertical due to progressive changes or addition of sounds (in combination with intonation transformations); 2) dramaturgy of sections and dramaturgy of layers. The author offers a new perspective on the works of Witold Lutosławski as the continuation G. Mahler in the area of the general concept of symphonic style, as well as in the area of intonation plot. At attempt is made to explain the peculiarity of perception of Lutosławski’s music by Russian audience in the context of comparison of the Russian and Polish mentality.

Keywords: Gustav Mahler, Witold Maliszewski, musical dramaturgy, pitch structure, Chekist operations, hystory of Poland, biographical research, Witold Lutosławski, Polish culture, mentality

Аннотация: В современной музыкальной науке одной из актуальных задач является изучение национальных культур. Объектом исследования является фортепианная музыка бурятского композитора Юрия (Цыбикжапа) Ирдынеевича Ирдынеева. Предмет исследования – особенности претворения национальных традиций в фортепианных сочинениях композитора. В статье проанализированы опусы для фортепиано, созданные в годы учебы композитора в консерватории и относящиеся к раннему периоду творчества. На основе анализа фортепианных сочинений, которые стали своего рода "творческой лабораторией" Ю. И. Ирдынеева, прослеживается эволюция его стиля: от первых опытов работы с фольклорным материалом в фортепианном цикле "Шесть детских пьес", через обращение к романтическому жанру в цикле "Три экспромта", к значительному итогу творческих поисков – Сонате для фортепиано (1971). Для понимания самобытности и уникальных черт композиторского стиля авторами предпринят целостный анализ фортепианных сочинений, который включает в себя изучение каждого произведения с точки зрения интонационного, тонального и гармонического развития, особенностей образной сферы и драматургии. В исследовании уделяется внимание и специфике исполнительской интерпретации национальных фортепианных произведений. Метод исследования в статье выбран комплексный, сочетающий в себе подходы источниковедческого, музыкально-теоретического, интонационного, исполнительского и сравнительного анализа. Новизна работы состоит в проведении развернутого исследования, которое позволило выявить системные связи фортепианной музыки Ю. И. Ирдынеева с национальными и европейскими музыкальными традициями. В результате, сделан вывод о том, что своеобразие фортепианного наследия Ю. И. Ирдынеева заключается в глубоком и многогранном претворении национальных традиций в фортепианных сочинениях композитора. Автор отмечает определяющую роль бурятского фольклора, народных праздников, песен, танцев, имитации звучания народных инструментов (лимби, хур), философско-мировоззренческих констант в формировании композиторского стиля. Фортепианная музыка Ю. И. Ирдынеева отличается своей оригинальной палитрой художественных образов, вызывающей богатый строй эмоций и ассоциаций. Композитор использует традиционные жанры и современные композиционные техники, привнося индивидуальность с помощью интонационно-тематического материала, бурятских национальных истоков и ладовости, а также способами работы с тематическим материалом. Ю. И. Ирдынеев обогатил бурятскую музыку рядом новых для неё приёмов музыкальной выразительности (сонорные созвучия, кластеры, додекафония) и внёс значительный вклад в фортепианный учебно-педагогический репертуар музыкальных учебных заведений Бурятии.

Ключевые слова: пентатоника, ёхор, жанры, соната, экспромты, фигурации, кварто-квинтовые, вертикали, кластер, додекафония

Abstract:   One of the relevant tasks of the modern science of music is the examination of ethnic cultures. The object of this research is the piano music of the Buryat composer Yuri Irineevich Irdyneev. The subject is the peculiarities of realization of ethnic traditions in his piano compositions. The article analyzes opuses for the piano created during the composer's study at the conservatory, attributed to his early period. Based on the analysis of piano compositions, which became a so-called “creative laboratory” of Y. I. Irdyneev, the author traces the evolution of his style: since the first experiments of working with folk material in the piano cycle "Six Children Musical Compositions", through the reference to a romantic genre in the cycle "Three Improvisations", to a monumental conclusion of his creative pursuits – “The Piano Sonata” (1971). For understanding the uniqueness of composer's style, the carried out a comprehensive analysis of piano compositions, which includes examination of each piece from the perspective intonation, tonal and harmonious development, peculiarities of imagery sphere and dramaturgy. Emphasis is made on the specifics of performing interpretation of the ethnic piano compositions. The novelty lies in determination of systemic correlations of Y. I. Irdyneev's piano music with the national and European music traditions. It is concluded that the uniqueness of his piano heritage consists in the profound and multifaceted realization of ethnic traditions in the piano compositions. The author underlines the defining role of Buryat folklore, traditional festivities, songs, dances, imitation of the sound of folk instruments, philosophical and worldview constants in the formation of composer's style. The piano music of Y. I. Irdyneev is known for the original palette of artistic images, which evokes rich emotions and associations. The composer employs the traditional genres along with modern compositional techniques, bringing individuality by means of intonation-thematic material, Buryat ethnic origins and modality, as well as ways of working with thematic material. Yuri Irdyneev has enriched Buryat music with a number of new techniques of musical expression (sonorous consonances, clusters, dodecaphony), and significantly contributed to the piano educational and pedagogical repertoire for the music educational institutions of Buryatia.  

Keywords: кварто-квинтовые, figurations, impromptu, sonata, genres, yohor, pentatonic, vertical lines, cluster, dodecaphony

Аннотация: Творчество Софии Губайдулиной принадлежит к лучшим страницам антологии современной музыки. Несмотря на возрастающий исследовательский интерес к ее сочинениям, трудов, посвященных хоровым композициям Губайдулиной, существует немного, они представлены в различных источниках и до сих пор не подвергались комплексному изучению. Целью предпринятого в настоящей статье аналитического обзора стало выявление спектра музыковедческих подходов к изучению хоровой музыки композитора, которые, при существующих различиях, способствовали созданию целостной исследовательской картины этого пласта творчества Губайдулиной. Достижение поставленной цели потребовало применения автором компаративного метода научного исследования, а также использования системного анализа. Результатами обзора исследований хоровой музыки Губайдулиной, производимого по жанровому принципу, явились, во-первых, разделение вопросов, поднимаемых искусствоведами, на два блока – теоретический и практический; во-вторых, обнаружение эволюции роли хора в зависимости от масштаба сочинения. Выводом статьи стало заключение о перспективности изучения хоровых произведений Софии Губайдулиной в силу специфики хоровой фактуры, требующей пристального теоретического внимания и порождающей целый комплекс хормейстерских и исполнительских задач.

Ключевые слова: София Губайдулина, хоровая музыка, Sonnengesang, Из Часослова, Посвящение Марине Цветаевой, Ночь в Мемфисе, Теперь всегда снега, Аллилуиа, Страсти по Иоанну, хор

Abstract: The works of Sofia Gubaidulina comprise the best pages of the anthology of modern music. Despite the growing scientific interest towards oeuvres of S. Gubaidulina, not many studies are dedicated to her choral compositions. The goal of this analytical review became the determination of the range of musicological approaches to studying the composer’s choral music, which regardless of the existing discrepancies, contributed to the creation of holistic research image of this vector of Gubaidulina’s works. The results of research, conducted in accordance with genre principle, lead to demarcation of the questions raised by art historians into two blocks – theoretical and practical, as well as detection of evolution of the role of choir depending on the scale of composition. The author concludes on the prospects of studying the choral compositions of Sofia Gubaidulina due to the specificity of choral texture that requires meticulous theoretical attention and generates an entire complex of choirmastering and performative objectives.

Keywords: Night in Memphis, Hommage à Marina Tsvetayeva, Aus dem Stundenbuch, Sonnengesang, choral music, Sofia Gubaidulina, Jetzt immer Schnee, Alleluja, Johannes-Passion, choir

Аннотация: Статья посвящена вопросам интерпретации инструментальных жанров академической музыки (concerto grosso, сюита, инструментальный концерт, симфония) в контексте стилевого диалога с роком, начавшегося на рубеже 1960-1970-х годов. В статье анализируются произведения «на стыке» рока и академической музыки, атрибутированные самими авторами (прежде всего рок-музыкантами) как «симфония», «концерт» и т. д. Рассматриваются стилевые особенности, выявляется, что в большинстве случаев на первый план выходят такие характерные для рока способы формообразования и развития музыкального материала, как ритмическое и мелодическое остинато, динамическое нагнетание, тембровое варьирование. Уделяется внимание вопросам единства цикла, интонационных и структурных связей в конкретных произведениях. Методология исследования сочетает музыковедческий и историко-культурологический подходы; автор опирается на труды М. Арановского, Т. Диденко, В. Конен, В. Сырова, А. Цукера и других учёных. В научный оборот вводится новый материал из области рок-музыки («Симфония для семи исполнителей» и «Концерт для пишущей машинки ре мажор» In Spe, «Concerto Grosso №1» Kostarev Group и др.), уточняются особенности жанровой интерпретации известных сочинений («Concerto for Group and Orchestra» Deep Purple). Делается вывод о том, что композиционные принципы рок-музыки и сам её звуковой материал сопротивляются «диалектичности» классического сонатного allegro, хотя функциональная нагрузка частей сонатно-симфонического цикла во многих случаях сохраняется. При этом важное значение получают доклассические типы многочастной композиции и связанные с ними принципы концертирования, контраста, игры.

Ключевые слова: сюита, стиль, жанр, рок-музыка, сонатно-симфонический цикл, concerto grosso, симфония, концерт, музыкальная форма, прогрессив-рок

Abstract: This article is dedicated to the questions of interpretation of instrumental genre in art music (concerto grosso, suite, instrumental music concert, symphony) in the context of stylistic dialogue with rock music started at the turn of the 1960’s – 1970’s. The compositions “at the intersection” of rock and art music, attributed by the composers (primarily rock musicians) as “symphony”, “concert”, etc. are analyzed. The author explores the stylistic peculiarities, and determines that in most cases the methods of formation and development of musical content characteristic to the rock music, such as rhythmic and melodic ostinato, dynamic pick up, and timbre variation, come to the fore. Attention is given to the questions of the unity of cycle, intonation and structural lings in the particular musical compositions. Research methodology combines the musicological and historical-culturological approaches; leans on the works of M. Arnovsky, T. Didenko, V. Konen, V. Syrov, A. Ysuker and other scholars. The author introduces into the scientific discourse new material from the field of rock music (In Spe - Typewriter Concerto in D Major, Kostarev Group – Concerto Grosso #1); determines the specificities of genre interpretation of the famous pieces (Deep Purple – Concerto for Group and Orchestra). The conclusion is made that the compositional principles of rock music and the sound material withstand the “dialecticity” of the classical sonata allegro, although the functional load of the parts of sonata-symphonic cycle retains most of the time. However, the pre-classical types of multi-frequency composition and the related principles of concentration, contrast and playing acquire an important meaning.

Keywords: progressive rock, music form, suite, style, genre, rock music, sonata-symphonic cycle, concerto grosso, symphony, concerto

Аннотация: Автором подробно рассматриваются периоды профессионального обучения исполнительскому искусству игры на трубе и деятельность педагогов-трубачей, работавших в Московской консерватории с 1930-х по 2005 гг. – учеников и последователей М. И. Табакова в Московской консерватории, различия их методик, нововведения, прослежена преемственность педагогических и исполнительских традиций, проанализированы их новаторства, педагогические и исполнительские принципы. В статью вошли как ранее известные сведения о педагогической деятельности Г. А. Орвида, С. Н. Еремина, Л. Н. Володина, Ю. А. Усова, А. Максименко, В. Ю. Юдина Е. Я. Фомина и Ю. Е. Власенко, так и еще не получившие своего освещения, которые обретены путем бесед и интервью с их коллегами и учениками. метод исследования был выбран комплексный, объединяющий в себе историко-хронологический метод, метод логического анализа, ретроспективный метод, хронологический метод, метод системного анализа, метод сравнительного и описательного анализа, метод типологии, аналитический, источниковедческий, исторический подходы к изучению документальных материалов, а также технологический подход. Новизна исследования заключается в в том, что впервые освещена в полном объеме работа преемников М. И. Табакова в Московской консерватории, проанализированы их творческая деятельность и педагогические принципы, как часть особого самобытного феномена русской музыкальной культуры, российского музыкального образования, части общемирового музыкального наследия.

Ключевые слова: Труба, Михаил Иннокентьевич Табаков, Русское музыкальное наследие, Московская консерватория, Георгий Орвид, Валентин Юдин, Евгений Фомин, Сергей Еремин, Юрий Усов, Юрий Власенко

Abstract: The author examines the periods of professional training in the art of playing the trumpet and activity of the pedagogues-trumpeters who worked in the Moscow Conservatory from 1930’s to 2005 – students and successors of M. I. Tabakov, differences in their methods, innovations, continuity of pedagogical and performing traditions, as well as their principles. The article contains the previously known records on pedagogical activity of G. A. Orvid, S. N. Yeremin, L. N. Volodin, Y. A. Usov, A. Maksimenko, V. Y. Yudin, E. Y, Fomin, and Y. E. Vlasenko, along with the new information obtained via conversations and interviews with their colleagues and students. The selected complex methodology combines the historical-chronological method, logical analysis, retrospective method, chronological method, systemic analysis, comparative and descriptive analysis, method of classification; analytical, historiographical and historical approaches towards studying documental materials, as well as technological approach. The scientific novelty consists in the fact that this article is first to provide a full-scale review of the work of M. I. Tabakov’s successors in the Moscow Conservatory, analyze their creative activity and pedagogical principles as a part of a peculiar and unique phenomenon of the Russian music culture and education, as well as a part of the world’s musical heritage.

Keywords: Evgeniy Fomin, Valentin Yudin, Georgiy Orvid, Moscow Conservatory, Russian musical heritage, Mikhail Innokentyevich Tabakov, Trumpet, Sergey Yeremin, Yuriy Usov, Yuriy Vlasenko

Аннотация: В статье освещены традиции гусельного исполнительства от VI века до современности. В опоре на сохранившиеся документы анализируются аспекты искусства игры на гуслях в различные исторические периоды, а также выявляются несколько внутренне однородных традиций: эпическая, духовная, скоморошья, сословная XVII-XIX вв. Предметом исследования являются ранние традиции искусства игры на гуслях. Объект исследования – сохранившиеся документальные и литературные источники, повествующие об игре на гуслях с VI века по начало XX-го. Особое внимание уделяется взаимосвязям традиций с современным исполнительским искусством на инструменте гусли. Методология исследования комплексно объединяет в себе историко-хронологический метод, элементы исторической социологии, источниковедческий, методы анализа литературных текстов, метод сравнительного и описательного анализа, искусствоведческий метод типологии художественных традиций. Основной вывод проведенного исследования: игра на гуслях как древнейшее традиционное русское искусство была распространена во всех слоях общества, оказала большое влияние на русскую доклассическую и классическую музыку, способствуя развитию в ней эпического начала. Интерес к игре на гуслях возродился с новой силой в конце XX века, когда этот род исполнительства вошёл в сферу профессионального академического искусства. Новизна работы заключается в том, что впервые систематически рассматривается связь искусства исполнительства на гуслях с момента его зарождения и раннего бытования с практикой наших дней.

Ключевые слова: гусли, традиции, русский эпос, игра на гуслях, древнерусская музыка, гусляры, скоморохи, фольклор, христианство, самобытность

Abstract: This article covers the traditions of gusli performance since the VI century until present time. Leaning on the extant documents, the author analyzes the art of playing gusli during the different historical periods, as well as determines several inwardly homogenous traditions: epic, spiritual, buffoonish, and class of the XVII-XIX centuries.  The subject of this research is the early traditions of the art of playing gusli. The object of this research is the survived archival documents and literary sources reciting about the art of playing gusli since the VI century until the beginning of the XX century. Particular attention is given to correlation between the traditions and the modern performance art of playing gusli. The main conclusion in the statement that playing gusli being the most ancient Russian folk art was popular among all social classes and greatly impacted the Russian pre-classical and classical music, contributing to the development of its epic beginning. The interest to playing gusli revived in the late XX century, when it became a part of the professional academic art. The scientific novelty consists in the fact that the author is first to systematically examine the connection of the art of playing gusli since its conception and early existence with the modern practice.

Keywords: Christianity, folklore, buffoons, gusli players, Russian ancient music, gusli playing, Russian epos, traditions, gusli, distinctiveness

Аннотация: Прогрессивное развитие инструментостроения повлияло на факт становления арфы одним из инструментов с виртуозным потенциалом. По этой причине предметом анализа в статье становится эволюция арфы в контексте строения инструмента, репертуара и исполнительства в XVIII веке. Цель исследования заключается в необходимости на теоретическом уровне раскрыть специфику феномена эволюции арфы, а также особенности искусства игры на этом инструменте в исследуемый период. Теоретическая значимость подтверждается характеристикой понятий «эволюция арфы», «строение арфы», «особенности арфовой дидактики» в контексте истории философско-искусствоведческого знания. Практическая значимость подтверждается тем, что полученные результаты позволяют более широко понимать роль эволюции арфы, проследить соотношение строения инструмента с исполнительской практикой XVIII века. Методология работы предопределена целью и задачами исследования. Ее основой стал метод аналитического изучения источников, проясняющий логику и содержание понятия «эволюция арфы»; методы сравнительного анализа для определения взаимосвязи проблем универсальной истории европейской музыкальной культуры и концепции локальных культур, связанных с развитием игры на арфе. Научная новизна статьи заключается в том, что в ней впервые систематизация существующих знаний о вопросах эволюция арфы построена на изучении идеи универсальной истории музыки и концепции локальных культур посредством исследования музыкально-выразительных средств, строения и репертуара арфы в XVIII веке. Результатом работы стала констатация того, что эволюция арфы в контексте строения инструмента, репертуара и исполнительства в XVIII веке выступает неповторимым социокультурным феноменом, который проявляет себя через систему духовных ценностей и содержание духовной жизни многих народов.

Ключевые слова: Арфа, музыкальный инструмент, строение, музыка, искусство, исполнители, репертуар, эволюция, Европа, XVIII век

Abstract: Progressive development of instrument design affected the establishment of harp as one of the instruments with potential for virtuosity. Therefore, the subject of this analysis is the evolution of harp in the context of instrument’s design, repertoire and performance art in the XVIII century. The goal of the research lies in the need to reveal on the theoretical level the specificity of the phenomenon of evolution of harp, as well as the peculiarities of playing harp during the period under review. The theoretical importance is substantiated by the characteristics of the concepts “evolution of harp”, “design of harp”, “peculiarities of harp’s didactics” in the context of the history of philosophical and art knowledge. The practical significance is acknowledged by the fact that the acquired results allow examining the role of evolution of harp in a broader sense, as well as tracing the correlation between the instrument’s design and performance practice of the XVIII century. The main research method became the method of analytical study of the sources to elucidate the logics and content of the concept of “evolution of harp”. The method of comparative analysis allowed determining the correlation between the problems of universal history of the European music culture and the concept of local cultures associated with the evolution of playing harp. The scientific novelty is that this article is first to systematize the existing knowledge on the questions of evolution of harp based on examination of the idea of the universal history of music and the concept of local cultures via studying the means of musical expression, design and repertoire of harp in the XVIII century. The author underlines that the evolution of harp in the context of instrument’s design, repertoire and performance art of the XVIII is a unique sociocultural phenomenon, manifesting itself through the system of spiritual values and the essence of spiritual life of multiple nations.

Keywords: evolution, repertoire, performers, art, music, structure, musical instrument, Harp, Europе, XVIII century

Аннотация: Предметом исследования является современная исполнительская школа игры на трубе в Московской консерватории. В статье рассматривается современное профессиональное обучение исполнительскому искусству игры на трубе и деятельность педагогов-трубачей Московской консерватории с 1970 года по н/в. Прослежена эволюция современной исполнительской школы игры на трубе, выделены главные творческие принципы педагогов-трубачей Московской консерватории, отличия и сходство их методик и исполнительских принципов. В статье приведены, как ранее известные сведения об их творческой деятельности, так и еще не получившие своего освещения, которые обретены путем бесед и интервью. Метод исследования был выбран комплексный, объединяющий в себе иметод логического анализа, ретроспективный метод, хронологический метод, метод системного анализа, метод сравнительного и описательного анализа, метод типологии, аналитический, источниковедческий к изучению документальных материалов. Новизна исследования заключается в в том, что впервые освещена в полном объеме работа В. Новикова, А. Икова, А. Корнильева, В. Лаврика и Л. Гурьева в Московской консерватории, описаны различия их методик, нововведения, прослежена преемственность педагогических и исполнительских традиций, проанализированы их новаторства, педагогические и исполнительские принципы.

Ключевые слова: Московская консерватория, Русское музыкальное наследие, Современная исполнительская школа, Труба, Вадим Новиков, Алексей Корнильев, Евгений Гурьев, Владислав Лаврик, Андрей Иков, Современные педагоги

Abstract: The subject of this research is the modern performing school of playing the trumpet at the Moscow Conservatory. The article reviews the modern professional training in the art of playing the trumpet and the activity of pedagogues-trumpeters of the Moscow Conservatory since 1970 until now. The author traces the evolution of the modern performing school of playing the trumpet, highlights the basic artistic principles of the pedagogues-trumpeters of the Moscow Conservatory, similarities and differences in their methods and performing principles. The article provides the previously known information of their creative activity, as well as the new facts obtained through conversations and interview. The selected complex methodology combines the logical analysis, retrospective method, chronological method, systemic analysis, comparative and descriptive analysis, method of classification; analytical, and historiographical approaches towards studying documental materials. The scientific novelty consists in the detailed coverage of the work of V. Novikov, A. Ikov, A. Korniliev, V. Lavrik and L. Guryev in the Moscow Conservatory, description of similarities and differences in their methods, innovations, continuity of pedagogical and performing traditions and principles.

Keywords: Eveniy Guryev, Alexey Korniliev, Vadim Novikov, Trumpet, Modern performing school, Russian musical heritage, Moscow conservatory, Vladislav Lavrik, Andrey Ikov, Modern teachers

Аннотация: Объектом исследования являются неопубликованные и преимущественно неизвестные тексты М.Ф. Гнесина о еврейской музыкальной культуре: доклад «Рихард Вагнер и еврейство» (1913), статья «Антисемитизм и музыка» (1915), а также рукописи, посвященные истории и теоретическим основам еврейской музыки («Еврейская музыка» и др., 1920-е гг.). Предметом исследования выступают проблемы культурной идентичности, национального самосознания, «музыкального» национализма, отражающие сложный процесс становления профессиональной еврейской музыкальной культуры в России начала ХХ века. Основные методы исследования — анализ рукописных и печатных текстов Гнесина, а также сравнение их ключевых положений и выводов с позицией отечественных и зарубежных современников. Основными выводами статьи являются следующие: Гнесин — один из первых отечественных исследователей, серьезно размышлявших и всесторонне изучавших историю и стилистические особенности еврейской музыки; в текстах Гнесина затронуты наиболее важные и актуальные для своего времени вопросы — не только музыковедческие, культурологические, но и философские, социальные, психологические (в частности, феномен т.н. «еврейской самоненависти»), а также отражена эволюция взглядов на еврейскую музыкальную культуру в среде представителей еврейской интеллигенции начала ХХ века. Научная новизна исследования заключается во введении в научный оборот неизученных и неопубликованных текстов Гнесина, ранее не становившихся предметом специального изучения.

Ключевые слова: Гнесин, Вагнер, Вейнингер, еврейская музыка, еврейская культура, еврейское искусство, антисемитизм, национализм, еврейская самоидентичность, еврейская самоненависть

Abstract: The object of this research is the unpublished and mostly unknown texts of M. F. Gnesin on the Jewish music culture: the report “Richard Wagner and Judaism” (1913), article “Anti-Semitism and Music” (1915), as well as manuscripts dedicated to the history and theoretical bases of Jewish music (“Jewish Music” and others, 1920’s). The subject of this research is the problems of cultural identity, national self-consciousness, “musical” nationalism that reflect a complicated process of establishments of the professional Jewish music culture in Russia of the early XX century. The key research methods contain the analysis of the handwritten and printed texts of M. F. Gnesin, as well as comparison of their fundamental premises and conclusions with the perspective of the national and foreign contemporaries. The following conclusions were made: Gnesin is one of the first national scholars, who comprehensively studied the history and stylistic peculiarities of Jewish music; Gnesin’s texts touch upon most important and relevant for his time questions – not only musicological, culturological, but also philosophical, social, psychological (particularly the phenomenon of the so-called “Jewish self-hatred”), as well as reflect the evolution of views upon the Jewish music culture within the environment of the representatives of Jewish intelligentsia of the early XX century. The scientific novelty consists in introducing into the scientific discourse the unstudied and unpublished texts of M. F. Gnesin, which have not previously been the subject of a particular research.

Keywords: nationalism, antisemitism, Jewish art, Jewish culture, Jewish music, Weininger, Wagner, Gnesin, Jewish self-identity, Jewish self-loathing

Аннотация: Объектом данного научного исследования являются представители отечественного музыкального искусства – военные духовые оркестры. Целью статьи является рассмотрение и изучение проблемы формирования служебно-строевого репертуара отечественных военных оркестров в военный и послевоенный периоды СССР (1945 – 1985 гг.) в историко-культурном контексте. Актуальность статьи заключается в раскрытии общих особенностей и принципов репертуарного отбора, а также закономерностей его изменения и дальнейшего развития. Дается оценка роли советских композиторов в развитии отечественной маршевой музыки рассматриваемых периодов. Анализ проблемы производится через призму исторических событий, количественно-качественных характеристик произведений служебно-строевого репертуара. Данный анализ необходим для более полного понимания тех факторов, на основе которых и был сформирован репертуар отечественных военных оркестров в послевоенное время – 1945 – 1985 гг. Особым вкладом автора в исследовании является рассмотрение характерных образцов произведений для военных оркестров, относящихся к тому или иному временному отрезку как с художественной, так и с композиционно-технической стороны. В заключении статьи подводятся итоги композиторской работы в направлении расширения и обогащения репертуара военных оркестров в послевоенный период.

Ключевые слова: эволюция жанра, маршевое творчество, военный оркестр, отечественные марши, национальная музыка, массовая песня, военная музыка, репертуар, творческое наследие, советские композиторы

Abstract: The object of this research is the representatives of the Russian musical art – military wind orchestras. The goal is the examination of the problem of establishment of the military-formation repertoire of Russian military orchestra during the war and postwar periods of USSR (1945-1985) in historical-cultural context. Relevance of the article consists in revelation of common peculiarities and principles of the repertoire selection, as well as its future transformations and development. The author gives evaluation to the role of Soviet composers in evolution of the national march music of the indicated timeframe. Analysis of the problem is conducted through the prism of historical events, quantitative-qualitative characteristics of the compositions of military-formation repertoire. Such analysis is necessary for the more complete understanding of the factors that formed the repertoire of the national military orchestras in the postwar time (1945-1985). Author’s special contribution lies in consideration of the characteristic examples of compositions for the military orchestras that relate to one or another time segment from the artistic and compositional-technical perspectives. In conclusion, the author underlines the broadening of composer work towards expansion and enrichment of the repertoire of military orchestras in postwar time.

Keywords: creative heritage, the evolution of the genre, marching creativity, military band, domestic marches, national music, a massive song, military music, repertoire, soviet composers

Аннотация: Объектом исследования является ритмическое остинато, которое понимается как повторение элементов музыкального языка, экспонирующее обособленную мысль и мыслящее себя как постоянно узнаваемое подобие. В статье подробно рассматривается ритмическое остинато в контексте эволюции музыкального мышления, в рамках коммуникативной функции музыки, многогранность его проявлений на разных стадиях развития музыкальной ритмики и в основных течениях новоевропейской музыки от барокко до массовых музыкальных жанров XX столетия. Выявляется взаимодействие ритмического остинато с другими элементами музыкального языка. В основе данной работы лежит описательно-аналитический метод, который представляется действенным при изучении как научной литературы, так и музыкальных произведений. Научная новизна статьи состоит в том, что в ней впервые выполнен теоретический анализ тенденций использования ритмического остинато. Их комплексное рассмотрение и впервые представленное панорамное освещение позволили выработать собственный взгляд на соотношение и взаимодействие ритмических элементов в музыкальной практике. Теоретическая значимость статьи состоит в том, что осмысление ритмического остинато в контексте новоевропейской музыки проясняет и снимает некоторые противоречия, накопленные в музыкознании.

Ключевые слова: Ритмическое остинато, подобие, диахрония, синхрония, квантитативность, квалитативность, свинг, антиостинато, джаз, ритм

Abstract: The object to this research is the rhythmic ostinato, understood as a repetition of the musical language, which expose a particular thought and cogitating itself as a constantly recognized resemblance. The article meticulously examine the rhythmic ostinato in the context of evolution of musical thinking, within the framework of communicative function of music, multifacetedness of its manifestations at various staged of development of the musical rhythmic and major flows of the new-European music, from Baroque to mass musical genres of the XX century. The interaction of rhythmic ostinato with other elements is revealed. The scientific novelty lies in the fact that this article is the first to conduct a theoretical analysis of the trends of application of rhythmic ostinato. Their integrated consideration and newly introduced panoramic coverage allowed developing an original outlook upon the correlation and cooperation of the rhythmic elements in musical practice. The theoretical importance consists in the thesis that the comprehension of rhythmic ostinato in the context of new-European music and eliminates some contradictions accumulated in musicology.

Keywords: qualitative, quantitative, synchrony, diachrony, similarity, rythmic ostinato, swing, antiostinato, jazz, rythm

Аннотация: Статья посвящена вопросам воспитания профессионального музыкального слуха на интонационно-стилевой основе на занятиях сольфеджио. Предметом исследования является стилевое воспитание слуха как способности воспринимать музыкальный стиль на основе проявлений его признаков, оценки соответствия стилевых элементов и осмысления содержания музыкального произведения в стилевом контексте. Стиль в музыке представляет собой иерархическую систему, включающую множество составляющих, выступает на различных уровнях обобщения, характеризуется многоаспектностью своего существования и может быть познан через изучение его детерминант-факторов, обуславливающих конкретно-исторические проявления, материализованные в его категориальном аппарате. Статья посвящена вопросам воспитания профессионального музыкального слуха на интонационно-стилевой основе на занятиях сольфеджио. Предметом исследования является стилевое воспитание слуха как способности воспринимать музыкальный стиль на основе проявлений его признаков, оценки соответствия стилевых элементов и осмысления содержания музыкального произведения в стилевом контексте. Стиль в музыке представляет собой иерархическую систему, включающую множество составляющих, выступает на различных уровнях обобщения, характеризуется многоаспектностью своего существования и может быть познан через изучение его детерминант-факторов, обуславливающих конкретно-исторические проявления, материализованные в его категориальном аппарате. Автор приводит перечень аспектов слухового восприятия, необходимых для формирования стилевого отношения к музыкальному материалу, основанного на изучении исторических, национальных и авторских стилей. Предложенные методы интонационно-стилевого постижения музыки предполагают обеспечение представлений различных пластов музыкальной культуры, выявление традиций и новаторства композиторов, произведений, форм, методов и формирование целостного восприятия всей музыкальной ткани, что способствует обогащению интонационно-слухового опыта музыканта.

Ключевые слова: музыкальный слух, стиль в музыке, стилевые признаки, музыкальный язык, тематизм, фактура, ритм, сольфеджио, диктант, слуховой анализ

Abstract: The article is devoted to the education of professional musical ear for intonation and style based on the solfege classes. The subject of study is stylistic education hearing as the ability to perceive musical style on the basis of the manifestations of his signs, assessment of compliance with the stylistic elements and understand the content of a musical work in the style context. Music represents a hierarchical system comprising many components, acts at different levels of aggregation, characterized by the multidimensional nature of its existence and can be known through the study of its determinants-determinants of specific historical manifestations, persisted in his categorical system.Methodological basis are the works in the field of theoretical musicology B. V. Asafyev, V. N. Kholopova, V. E. Nazaikinskii, M. K. Mikhailov, in the study of musical-auditory perception and methods of teaching solfeggio – work L. A. Ostrovsky, L. Maslenkova, Z. I. Glideskina, Z. Lissa.The author gives a list of aspects of auditory perception necessary for the formation of stylistic relationship to the musical material, based on the study of historical, national and author's styles. The proposed methods are intonation and stylistic comprehension of music are supposed to provide the concept of different layers of musical culture, revealing the traditions and innovation of composers, compositions, forms, methods and the formation of a holistic perception of the whole musical tissue that contributes to the enrichment intonation and auditory experience of the musician.

Keywords: rhythm, texture, themes, musical language, stylistic feautures, style in music, musical hearing , ear training, dictation, aural analysis

Аннотация: Современное медиапространство эксплицитно и имплицитно влияет на все сферы культуры технологически развитых регионов мира. Традиционные и классические артефакты культуры не только репрезентируются, но и претерпевают перекодировку в современном медиапространстве. Так предметом исследования являются трансформации оперной постановки в рамках современного медиапространства. Автором рассматриваются основные репрезентационные стратегии актуализации визуальной составляющей современных оперных постановок. Изучается влияние феномена клиповой культуры на традиционный музыкальный артефакт, в частности, классическую оперу. Анализируется перекодировка современных оперных постановок классических композиторов с точки зрения изменения соотношения и роли аудиальной и визуальной культуры. В статье используется структурно-функциональный метод, благодаря которому становится возможным наиболее полно проанализировать основные изменения классической оперной постановки в современном медиапространстве. Основными выводами проведённого исследования являются: 1. Перекодировка оперы происходит в рамках визуализации постановки и способов её последующей репрезентации и транслирования в современную культурную действительность. 2. Первичная роль аудиального субстрата в оперной постановке редуцируется, уступая своё место фрагментированному визуальному образному ряду. 3. Оперная сцена становится монитором, который отражает не события сюжета оперы, а репрезентирует клипы (фрагменты) современной действительности, которые не имеют ничего общего с классическим проектом искусства. 4. Клиповый монтаж и динамичная съёмка оперной постановки способствуют её фрагментированному восприятию субъектом культуры. Новизна исследования заключается в следующем положении: На примере классической академической культуры, в частности оперы, рассмотрены некоторые варианты воздействия клиповой клиповой культуры современного медиапространства на традиционные артефакты.

Ключевые слова: оперная постановка, классический артефакт, современное медиапространство, перекодировка, трансформации, клиповая культура, визуальная культура, аудиальная культура, классическая музыка, медиакультура

Abstract:  Modern media space explicitly and implicitly affects all forms of culture of the technologically developed regions of the world. Traditional and classical artifacts of culture are not only being represented, but also experience decoding in the modern media space. The subject of this research is the transformation of opera performance within the framework of modern media space. The author examines the main representational strategies of actualizing the visual component of modern opera productions. The work studies the influence of the phenomenon of clip culture upon the traditional musical artifact, in particular, the classical opera. The modern opera performance of classical composers is analyzed from the perspective of changes in interrelation of the role of audial and visual culture. The following conclusions are made: 1. Decoding of opera takes place in the context of visualization of the production and ways of its subsequent representation and broadcasting pnto the modern cultural reality; 2. The main role of audial content in the opera production is reduced; 3. The opera performance represents clips (fragments) of modern reality that have nothing in common with the classical art project; 4.  Rapid cuts and dynamic shooting of the opera performance contribute to its fragmented perception by the subject of culture. The scientific novelty consists in the thesis that leaning on the example of classical academic culture, namely opera, the author considers certain variants of the impact of clip culture of the modern media space upon the traditional artifacts.

Keywords: visual culture, clip culture, transformations, decoding, modern media space, classical artifact, opera performance, audial culture, classical music, media culture

Аннотация: В статье последовательно рассматривается процесс поиска отечественными композиторами национальной самобытности в светской музыке XIX века, начиная с периода конца XVIII века, когда композиторами производились первые попытки создания классической музыки, включающей элементы народного песенного творчества, и заканчивая историческими операми второй половины XIX века. Рассматривается деятельность следующих композиторов по созданию национальной русской музыки: А. А. Алябьева, А. Л. Гурилева, А. Е. Варламова, М.И. Глинки, А. С. Даргомыжского, М. А. Балакирева, Ц. А. Кюи, М. П. Мусоргского, Н. А. Римского–Корсакова и А. П. Бородина, П. И. Чайковского и А. Г. Рубинштейна и др. Данный процесс исследуется при помощи метода музыкальной компаративистики, а также анализа наиболее влиятельных эстетических, идеологических процессов, протекающих в русских городах XIX века. Сформулирован вывод о том, что наиболее интенсивно характерные черты русской культуры раскрылись в произведениях оперного жанра в сравнении с прочими светскими музыкальными жанрами, популярными в XIX веке. Определены причины избрания композиторами оперы в качестве наиболее адекватной музыкальной формы выражения особенностей русской культуры.

Ключевые слова: Балакиревский кружок, Михаил Иванович Глинка, русский фольклор, русская песенная традиция, городская культура, светская музыка, историческая опера, русская музыкальная культура, русская опера, национальная самобытность

Abstract:   This article gradually examines the process of searching the national identity in secular music of the XIX century by the Russian composers, beginning from the late XVIII century, when took place the first attempts of creating the classical music that includes the elements of folk songs, and endinf with the historical operas of the late XIX century. The author reviews the professional musical activity of the following composers: A. A. Alyabiev, A. L. Gurilev, A. E. Varlamov, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, M. A. Balakirev, C. A. Cui, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky–Korsakov, A. P. Borodin, P. I. Tchaikovsky, A. G. Rubinstein, and others. This process is examined using the method of music comparative studies, as well as the analysis of most influential aesthetic ideological processes, which took place in Russian cities of the XIX century. The conclusion is formulated that the inherent to Russian culture features were most intensively depicted in the opera genre oeuvres, if draw comparison with other secular music genres popular in the XIX century. The author defines the reasons that led the composers to pick opera as the most adequate musical form for expressing the peculiarities of Russian culture.  

Keywords: Mikhail Ivanovich Glinka, The Mighty Handful, Russian folklore, Russian song tradition, urban culture, historical opera, secular music, Russian musical culture, Russian opera, national identity

Аннотация: В данной статье раскрывается одна из важных и малоисследованных проблем инструментовки – трактовка инструментов семейства саксофонов в качестве оркестровых инструментов – и отражается часть основных научных выводов одноимённого диссертационного исследования, посвящённого трактовке саксофона как оркестрового инструмента. Основываясь на результатах анализа авторских партитур военных маршей второй половины XIX – первой половины ХХ века, написанных композиторами стран Западной Европы и Америки (Франции, Германии, Великобритании, Италии, Австро-Венгрии, Испании, США, Мексики), а также научных трудов по вопросам теории и практики инструментовки, в статье раскрываются способы, особенности и тенденции применения инструментов семейства саксофонов в жанре военного марша. Для исследования использовались партитуры, как правило, только тех произведений, в состав которых авторами включалась одна или несколько партий саксофонов. Современные коммуникативные средства (Интернет) помогли отыскать многие сочинения в жанре марша, но не всегда эти партитуры являются авторскими первоисточниками. Во всяком случае, объём ставших доступными материалов позволяет сформировать целостные представления и сделать обоснованные заключения. Раскрыть сведения о применении саксофонов в марше представляется целесообразным, опираясь на национальную принадлежность композитора или, выражаясь иначе, в рамках отдельной страны.

Ключевые слова: оркестровая фактура, партитура, духовой оркестр, оркестр, произведения, композитор, военный марш, марш, трактовка саксофона, саксофон

Abstract: This article reveals one of the important and insufficiently studied problems of orchestration – the interpretation of saxophone family instruments as the orchestral instruments, as well as reflects part of the major scientific conclusions of the cognominal thesis research that is dedicated to the interpretation of saxophone as an orchestral instrument. Based on the results of the analysis of the military marches original scores of the late XIX – early XX centuries, written by the composers of Western Europe and America (France, Germany, Great Britain, Italy, Austria-Hungary, Spain, USA, and Mexico), as well as academic works on the questions of theory and practice of the orchestration, the article reveals the ways, peculiarities, and trends of application of the saxophone family instruments in the genre of martial music. The modern communicative means (Internet) helped to find multiple compositions in the genre of march, but at times such scores dare not the original primary sources. However, the volume of materials that became accessible allows forming the holistic perception, as well as making substantiated conclusions. Discovering the facts on the use of saxophones in marches seems purposeful if leaning on the national affiliation of a composer, or in other words, within the framework of a separate country.  

Keywords: Orchestral texture, Score, Wind ensemble, Orchestra, Compositions, Composer, Martial music, March, Interpretation of saxophone, Saxophone

Аннотация: Актуальность темы прежде всего связана с малочисленностью исследований, посвященных деятельности Колледжа искусств им. П. И. Чайковского, которому в этом году исполнилось 85 лет. Основное внимание в статье уделено раскрытию значения личности Екатерины Дмитриевны Миронской-Прозоровой, заслуженного деятеля искусств Бурят-Монгольской АССР, возглавлявшей коллектив учебного заведения с 1944 по 1958 гг. Через освещение разных граней деятельности директора, автор прослеживает и дает обобщенную характеристику становления и развития театрального и музыкального образования в Бурятии. Метод исследования связан с историческим анализом проблемы: применен метод сбора, обобщения и анализа архивных документов, материалов, полученных в ходе свободного интервьюирования с выпускниками Е. Д. Миронской-Прозоровой. Результаты исследования могут послужить отправной точкой для дальнейшего изучения процессов становления театрально-музыкального образования Бурятии. Область применения результатов – история культуры Бурятии, сохранение культурного наследия, история театрального образования Бурятии, история музыкального образования Бурятии, история Колледжа искусств им. П.И. Чайковского. Выводы: Результаты исследования расширяют знания об истории Колледжа искусств им. П.И. Чайковского (Республика Бурятия, г. Улан-Удэ), оценивается вклад Е.Д. Миронской-Прозоровой в развитие театрального и музыкального образования Бурятии. Представлены имена музыкантов и актеров драматического театра, сыгравших значительную роль в истории культуры и искусства республики.

Ключевые слова: музыкальная культура Бурятии, музыкальное образование Бурятии, Колледж искусств, Бурят-Монгольское театрально-музыкальное училище, В. В. Лужский, Е. Д. Прозорова, В. Ц. Найдакова, Ф. С. Сахиров, П. В. Шапова, Л. М. Литвинова

Abstract: The relevance of this topic first and foremost is associated with the small number of research dedicated to the work of the College of Arts named after P. I. Tchaikovsky. The main attention is given to the revelation of the importance of persona of the Honored Art Worker of the Buryat-Mongolian Autonomous Soviet Socialist Republic Ekaterina Dmitrievna Mironskaya-Prozorova, who was the head of this educational facility over the period of 1944-1958. Through the coverage of various aspects of her work, the authors follow and give a generalized characteristic to the establishment and development of the theatrical and music education in Buryatia. The results of this research can serve as the starting point for the further examination of the processes of establishment of the theatrical and music education of Buryatia. The area of implementation of the results includes the history of culture of Buryatia, preservation of the cultural heritage, history of theatrical education of Buryatia, history of music education of Buryatia, as well as the history of P. I. Tchaikovsky College of Arts.   

Keywords: V. T. Naydakova, E.D. Prozorova, V. V. Lugski, Buryat- Mongolian School of Theatre and Music, College of Arts, music education of Buryatia, musical culture of Buryatia, F. S. Sakhirov, P. V. Shapova, L. M. Litvinova

Аннотация: В данной статье рассматривается одна из важных, но недостаточно исследованных проблем инструментовки, музыковедения, а также музыкальной педагогики, связанной с инструментоведением, инструментовкой и композицией – использование авторами оперно-симфонической и балетной музыки инструментов семейства саксофонов в своём творчестве. На основании результатов исследования ряда авторских партитур сочинений композиторов различных стран и культурно-исторических эпох, , а также научных трудов по вопросам теории и практики инструментовки, в статье раскрываются способы, особенности и тенденции применения представителей семейства саксофонов в партитурах произведений для симфонического оркестра и – как музыкально-сценического (опера, балет, музыкальные иллюстрации к драматическим произведениям), так и иных направлений (автономные сочинения и музыкальные иллюстрации к кинофильмам). Несмотря на проявленный композиторами интерес к семейству саксофонов, его представители семейства, однако, не стали постоянными участниками симфонического оркестра.

Ключевые слова: Саксофон, трактовка саксофона, солирующий саксофон, семейства саксофонов, композитор, произведения, оркестр, симфонический оркестр, элемент оркестровой фактуры, партитур

Abstract:   This article examines one of the important but insufficiently studied problems of orchestration, musicology, as well as music pedagogy – the use by the authors the opera-symphonic and ballet music of the saxophone family instruments in their creative work. Based on the results of the study of a number of the original score of compositors’ oeuvres of various countries and cultural-historical eras, the article reveals the ways, specificities, and trends of application of the representatives of saxophone family in score of compositions for the symphony orchestra as the music-theatrical (opera, ballet, musical illustrations to dramatic compositions), as well as other directions (autonomous compositions and musical illustrations to the films). Despite the demonstrated interest of the composers to the saxophone family, such instruments have not become the permanent participants pf the symphony orchestra.  

Keywords: composer, family of saxophones, saxophone solo, interpretation of the saxophone, Saxophone, works, orchestra, symphonic orchestra, element of the orchestral texture, score

Аннотация: Объектом исследования является система профессионального музыкального образования в период с 1920 по 1940 гг. Предметом исследования является история становления и развития первого в Республике Бурятия учреждения музыкального образования - Колледжа искусств имени П. И. Чайковского. Актуальность изучения истории музыкального образования обусловлена потребностью в осмыслении аспектов развития национальной культуры и образования. Результаты исследования могут послужить отправной точкой для создания инновационных учреждений в сфере музыкального образования, сохраняющих лучшие национальные традиции республики. Область применения результатов – история культуры Бурятии, сохранение культурного наследия, история музыкального образования Бурятии, история Колледжа искусств им. П.И. Чайковского. Метод исследования связан с комплексным анализом истории становления и развития Колледжа искусств им. П. И. Чайковского. К проведенному историческому исследованию был применен метод сбора, обобщения и анализа архивных документов. Научная новизна исследования состоит в том, что дана целостная картина становления и развития Колледжа искусств им. П. И. Чайковского в 1920-1940 гг. в контексте конкретно-исторических условий советского общества; показано влияние политики государства на формирование и развитие профессионального музыкального образования в республике; введены в научный оборот уникальные архивные материалы.

Ключевые слова: музыкальное образование Бурятии, Верхнеудинский музыкальный техникум, музыкально-инструктивная передвижка, Бурят-Монгольский техникум искусств, Бурят-Монгольское театрально-музыкальное училище, Музыкальное училище, Колледж искусств, Борис Сальмонт, Павел Берлинский, Доржи Линхобоев

Abstract: The object of this research is the system of professional music education during the period of 1920-1940. The subject is the history of establishment and development of the first in the Republic of Buryatia music school – College of Arts named after P. I. Tchaikovsky. The relevance of the study of the history of music education is substantiation by the need for understanding the aspects of development of the national culture and education. The results of the research can serve as the starting point for creation of the innovation institutions in the sphere of music education, which would preserve the best national traditions of the Republic. The area of application of the results is the history of culture of Buryatia, as well as history of P. I. Tchaikovsky College of Arts. The scientific novelty of this work consists in the fact that it provides a complete picture of the establishment and development of P. I. Tchaikovsky College of Art in the 1920-1940’s in the context of the specific historical circumstances of Soviet society. The authors demonstrate the impact of state policy upon formation and development of the professional music education in the Republic, as well as introduce the unique archive materials into the scientific discourse.

Keywords: Dorzhi Lunkhoboev, Pavel Berlinsky, Boris Salmont, College of Arts, Music school, Buryat-Mongolian School of Theatre and Music, Buryat-Mongolian College of Arts, Development of professional music education, Verkhneudinsk Music College, Music education of Buryatia

Аннотация: В статье рассматривается история распространения учения австрийского музыковеда Генриха Шенкера в России. Если в англоязычном мире теория Шенкера во второй половине ХХ века оказала мощное влияние на методологию гармонического анализа, то в СССР о ней практически ничего не было известно. Лишь благодаря трудам Б.Т. Плотникова и Ю.Н. Холопова отечественные музыковеды в начале XXI века смогли познакомиться с этой теорией. Приводится обзор российских публикаций о Шенкере; более подробно рассмотрены работы Плотникова. Автор статьи поднимает вопрос об особом "аналитическом слышании", воспитываемом шенкерианской методологией, а также о присущем ей неизбежном субъективном моменте. Рассматривая возможность использования теории Шенкера за пределами тональности, автор приходит к выводу, что в условиях атональной и додекафонной музыки эта теория в полном объёме неприменима, однако метод редукции может быть вычленен из контекста теории и направлен на поиск плавных звуковысотных линий, скрывающихся за слышимой и видимой фактурой. В конце статьи рассматриваются перспективы развития теории Шенкера в России.

Ключевые слова: История теоретического музыкознания, Г. Шенкер, Б.Т. Плотников, Ю.Н. Холопов, линаерно-гармонический анализ, аналитическое слышание, метод редукции, додекафонная музыка, анализ мелодии, перспективы теории Шенкера

Abstract: The article discusses the history of the spread of H. Schenker’s doctrine in Russia. While in the English-speaking world the theory of Schenker had a powerful impact on the harmonic analysis, in the USSR it almost wasn’t known. Only through the efforts of Boris Plotnikov and Yurii Kholopov Russian musicologists were able to get acquainted with this theory at the beginning of the XXI century. The article provides an overview of publications on Schenker in Russia; in particular, we consider some works of Plotnikov.The author raises the question of the special "analytic hearing," which is educated by schenkerian methodology, as well as its inherent inevitable subjective factors.Considering the possibility of applying the theory of Schenker outside tonality the author comes to the conclusion that it can’t be entirely applied to the analysis of atonal and twelve-tone music. However, the reductive method may be isolated from Schenker’s theory in order to find the middleground pitch lines. The final part of article discusses the prospects of Schenker’s theory in Russia.

Keywords: analysis of melody, dodecaphonic music, reductive method, analytic hearing, linear-harmonic analysis, Yurii Kholopov, Boris Plotnikov, Heinrich Schenker, history of the music theory, perspectives of Schenker’s theory

Аннотация: Предметом исследования является выявление и обобщение особенностей вокального стиля бурятского композитора Гур-Дармы Дашипылова (1937-1980). Целью работы является: исследование песенного творчества одного из ярких и талантливых композиторов Бурятии, определение его самобытности, роли и места в музыкальной культуре Бурятии. Данная статья - одно из первых исследований, посвященных изучению песенного творчества бурятского композитора Г.-Д. Дашипылова на примере песни «Буряад оронойм соло». Материалы исследования могут быть использованы при изучении музыкальной культуры и профессиональной музыки Бурятии, а также в учреждениях музыкального образования республики. Результаты исследования могут послужить отправной точкой для дальнейшего изучения процессов становления и развития жанра песни в творчестве бурятских композиторов. Область применения результатов – история культуры Бурятии, сохранение культурного наследия, песенное искусство, творчество бурятских композиторов. Метод исследования - поиск и изучение песен Г-Д. Дашипылова в печатных источниках, аудио-визуальных исполнениях. Выводы: необходимо отметить умение композитора достигать в малой, афористически сжатой форме песни поэтически обобщенной, емкой образности и психологической глубины, воплощение в своем творчестве традиций народной бурятской музыки, а также унаследование наиболее ценных достижений советской массовой песни. Песни Г.-Д. Дашипылова завоевали симпатии слушателей своей несомненной психологической чуткостью, тонким проникновением в жизнь эмоций, умением передать многообразные оттенки настроений. Следует также отметить их романтическую настроенность, устремленность к светлому поэтическому идеалу, способному служить вдохновляющим примером для слушателей.

Ключевые слова: бурятская народная песня, жанр песни, песенное творчество, Жигжит Батуев, Бау Ямпилов, Гур-Дарма Дашипылов, бурятская профессиональная музыка, музыкальная культура Бурятии, магтал, соло

Abstract: The subject of this research is the determination and generalization of the peculiarities of the Buryat composer Gur-Darma Dashipylov (1937-1980) vocal style. The goal of this work is the study of the songwriting of one of the brightest and talented composers of Buryatia, as well as definition of his uniqueness, the role and place within the musical culture of Buryatia. This article is one of the first researches dedicated to the examination of the songwriting of the Buryat composer G-D. Dashipylov based on the example of the song “Buryad Oronoym Solo”. The materials from this research can be used in the study of musical culture and professional music of Buryatia, as well as in the music education facilities of the republic. The results of this research can serve as a starting point for the further study of the processes of establishment and development of the song genre within the creative work of the Buryat composers. The area of application of the results includes the history of culture of Buryatia, preservation of cultural heritage, songwriting, and creative work of Buryat composers. It is necessary to note the composer’s ability to achieve poetically generalized and expansive imagery and psychological depth within small, aphoristically compact form of a song, as well as embodiment in his work of the traditions of Buryat folk music. The composer’s songs reached the audience’s sympathy with their psychological sensitivity, ability to express various shades of the mood, and serve as an inspirational example for their listeners.

Keywords: magtal, Buryat folk song, song genre, songwriting, Bau Yampilov, Gur-Darma Dashipylov, Zhigzhit Batuev, Buryat professional music, Buryat musical culture, solo

Аннотация: В статье рассматривается научная биография советского музыковеда-фольклориста Л.В. Кулаковского (1897-1989). Особое внимание уделено оригинальной методике анализа мелодии, разработанной Кулаковским в 1928–1930 годах. Эта методика была основана на теории ладового ритма Б. Яворского. Кулаковский выделил три форманты мелодии (ладовое строение, ладо-метрическое строение, рисунок мелодии), последовательно продемонстрировав методы анализа каждой из них. Особого внимания заслуживает предложенный им метод расчёта ладометрических индексов каждой мелодии. На основании этого метода был произведён статистический анализ 255 песен разных народов. Кулаковский рассматривал закономерности рисунка мелодии и ладовые тяготения ступеней как две противоборствующие силы. Однако теория Кулаковского была незаслуженно забыта в СССР в связи с идеологическими факторами. Впоследствии учёный целиком переключился на исследование русского фольклора (в том числе в экспедициях), а также на разработку гипотезы, согласно которой «Слово о полку Игореве» рождалось в синкретическом единстве с пением.

Ключевые слова: Музыковедение 1920-х годов, анализ мелодии, музыкальная фольклористика, Л.В. Кулаковский, Б.Л. Яворский, теория ладового ритма, мелодический центр, анализ выразительности, идеология и музыковедение, «Слово о полку»

Abstract: The article discusses the scientific biography of the Soviet musicologist and folklorist Lev Kulakovsky (1897-1989). Particular attention is paid to the original methodology of melody analysis developed by Kulakovsky in 1928-1930. This methodology was based on the Theory of modal rhythm by B. Yavorsky. Kulakovsky identified three formants of melody (modal structure, mode-metric structure, melody pattern), consistently demonstrating the methods of analysis of each of them. His work shows the results of the statistical analysis of 255 songs of different nations on the basis of calculating the mode-metrical index of each tune. Kulakovsky considered melodic patterns and modal tensions as two opposing forces. Nevertheless Kulakovsky’s theory was undeservedly forgotten in the USSR due to the ideological factors. In the following years scientist turned to the study of Russian folklore; also he developed the hypothesis of syncretic unity of word and singing at “The Tale of Igor's Campaign”.

Keywords: analysis of expressivity, melodic center, theory of modal rhythm, Boleslav Yavorsky, Lev Kulakovsky, ethnomusicology, analysis of melody, Musicology of 1920-s, ideology and musicology, The Tale of Igor's Campaign

Аннотация: Предметом исследования являются процессы, характерные для фортепианного исполнительства в Сибири во второй половине XX-начале XXI вв. Автор подробно рассматривает важнейшие для периодов становления фортепианного искусства в Сибири факты и события. Указываются принципы организации концертно-просветительской работы в связи с традициями отечественной фортепианной исполнительской школы. Особое внимание уделяется деятельности педагогов кафедр Новосибирска и Красноярска, кратко освещаются их творческие биографии, роль и значение в становлении профессионального исполнительства. В качестве основного метода исследования используется метод исторического музыкознания – рассмотрение событий в их исторической логике. Основным выводом проведенного исследования является установление двух взаимосвязанных «школ» фортепианного исполнительства в Сибири, сосредоточенных в крупнейших музыкальных центрах – Новосибирске и Красноярске. Делается вывод о вкладе сибирских исполнителей в развитие лучших традиций отечественного музыкального искусства; отмечается их роль в пропаганде академической музыки и творчества сибирских композиторов.

Ключевые слова: фортепианное исполнительство, Новосибирск, Красноярск, концерты, фестивали, Е.М. Зингер, З.Н. Тамаркина, В.И. Слоним, Н.Л. Тулунина, А.Е. Шварцбург

Abstract: The subject of this research is the processes characteristic to the piano artistic performance in Siberia in the late XX – early XXI centuries.  The author thoroughly examines the most important events and factors associated with establishment of piano arts in Siberia. The author underlines the principles of organization of concert-educational work in connection with the traditions of the Russian piano school. A special attention is given to the work of pedagogues of Novosibirsk and Krasnoyarsk departments; their biographies, as well as role and importance in the establishment of the professional artistic performance are briefly covered. The main conclusion consists in the determination of the two interconnected “schools” of the piano artistic performance in Siberia, concentrated in the major musical centers – Novosibirsk and Krasnoyarsk. The author also highlights the contribution of the Siberian performers into the development of best traditions of the Russian musical art, as well as their role in propagation of the academic music and creative work of the Siberian composers.

Keywords: piano performance, Novosibirsk, Krasnoyarsk, concerts, festivals, EAT. Singer, ZN Tamarkin, IN AND. Slonim, NL Tulunina, AE Shvartsburg

Аннотация: Предметом исследования в данной статье являются «идея» и «мораль», как инструменты режиссерского действенного анализа пьесы или партитуры оперы. При этом особое внимание уделяется выработке четких определений для каждого понятия с целью точного их разграничения. Указывается, что «идея» и «мораль» - принципиально отличны одно от другого, высказывается мысль о недопустимости повсеместного «смешения» этих двух понятий. Показывается опасность подмены понятием «мораль» понятия «идея» и их последствия для целостности и смысла спектакля. Особо подчеркивается, что ангажированность, идеологичность, социологичность реализованному на сцене драматургическому материалу как раз придает использование «морали», реализуемое через строгое конфликтное разграничение персонажей на две конфронтационные стороны. В то время, как использование такого инструмента, «идея» существенно расширяет образные возможности режиссера путём включения в конфликт всех без исключения действующих лиц, без искажения их характеров и мотивировок. В статье проведён тщательный теоретический анализ с целью дать строгое определение, то есть выделить характерные стороны, признаки, особенности, свойства и принцип действия категорий «идея» и «мораль». Для этого по теме исследования проведено тщательное изучение литературы классиков режиссерского действенного анализа в драматическом и оперном театре, теории драматической и оперной режиссуры (малая часть из которого представлена в списке литературы) с подробным конспектированием и цитированием. Появление за последние тридцать лет на сценах оперных и драматически театров спектаклей, где режиссером проведена искусственная «актуализация» исходного классического драматургического материала отчетливо указывает на кризис в теории режиссуры. В частности, за отсутствием четких определений ключевых для анализа пьесы и партитуры, категорий, режиссеры либо по неведению, либо намеренно смешивают понятия «идея» и «мораль» и тем самым извращают изначальный драматургический замысел, сводя глубокие философские произведения к идеологическим, ангажированным агиткам.

Ключевые слова: театр, режиссура, теория режиссуры, действие, действенный анализ, сюжет, опера, оперная режиссура, идея, мораль

Abstract: The subject of study in this article are the "idea" and "morality" as a director effective tools of analysis of the play or the score of the opera. Special attention is paid to the development of clear definitions for each concept with a view to their precise delineation. It is stated that the "idea" and "morality" - fundamentally different from one another, expressed the idea of non-universal "mixing" of these two concepts. Shows the dangers of the concept of substitution of "morality," the concept of "idea" and their implications for the integrity and sense of play. It is emphasized that the engagement, The ideological, sotsiologichnost implemented on stage dramaturgical material just gives the usage of "morality", which is realized through strict delineation of conflicting characters into two adversarial parties. At that time, the use of such a tool, the "idea" significantly expands the possibilities of imaginative director by including in the conflict, without exception, all the actors, without distorting their character and motivations.Method and methodology of the study. The article provides a thorough theoretical analysis to give a strict definition, that is, to identify the characteristic hand, signs, features, characteristics and categories of actions the principle of "idea" and "morality." For this study on a thorough study of the classics of director effective analysis in a Drama and Opera House, the theory of drama and opera directing (a small part of which is shown in the bibliography), with detailed notes and quoting.Novelty and conclusions. The emergence over the last thirty years at the opera and dramatic theater productions, where the director conducted an artificial "updating" of the original classic dramatic material clearly indicates a crisis in the theory of directing. In particular, the absence of clear definitions of the key for the analysis of the play and the score, categories, directors either through ignorance or deliberately mixed the concept of "idea" and "morality" and thus distort the original dramatic vision, bringing deep philosophical works to ideological, partisan grandstanding.

Keywords: theater, directing, Directing theory, act, an effective analysis, plot, opera, Opera Directing, idea, morality

Аннотация: Статья обращает внимание на содержательную сторону феномена музыкального менеджмента, выделяя в нем в качестве специальной – деятельность, именуемую менеджмент академической музыки, и направленную на гарантированное сохранение выдающегося наследия академической музыки в культурном пространстве современности. Историю формирования первой в России управленческой системы, целенаправленно ориентированной на продвижения академической музыки в пореформенной России авторы связывают с деятельностью Императорского русского музыкального общества (сокр. ИРМО). Изучение опыта ИРМО, который существовал в дорыночной управленческой истории России и который ныне малоизвестен, а его стратегические ориентиры почти забыты, видится особенно важным. Оно порождает дальнейшие рассуждения в цепи причин и следствий, раскрывающие глубинные проблемы трансформации и сохранения системы ценностей. Основными методами исследования стали методы историзма, музыкально-исторического анализа и исторической реконструкции. Также использовались источниковедческие методы описания и анализа, обобщения и систематизации документов, фактов и событий, раскрывающих рассматриваемую тему. Научная новизна заключается в осуществлении объективного анализа генезиса развития менеджмента в дореволюционной России. Отечественные теории менеджмента большей своей частью существуют в парадигме рыночной (коммерческой) деятельности , в то время как некоммерческое направление менеджмента, по сути своей, должно осмысливаться вне этой парадигмы. Императорское русское музыкальное общество (сокр. ИРМО) породило исторически первую управленческую систему общественно-государственного строительства в области академической музыки, координирующую образовательную и концертно-просветительскую жизнь в стране, и вполне вписывающуюся в типологию социодинамической модели.

Ключевые слова: генезис музыкального менеджмента, пореформенная Россия, академическая музыка, менеджмент академической музыки, русское музыкальное общество, управленческая модель ИРМО, культурная политика, рынок, система, модель

Abstract:   This article draws attention to the conceptual side of the phenomenon of the musical management by determining within it as a special – the activity called the management of Academic music and aimed at the guaranteed preservation of the outstanding heritage of the Academic music within the cultural space of modernity. The authors link the history of formation of the first in Russia administrative system purposefully oriented at the promotion of Academic music in the post-reformation Russia to the work of the Imperial Russian musical society, the experience of which is very noticeable and originates the further reasoning in the chain of causes and events that reveals the in-depth problems of transformation and preservation of the system of values. Scientific novelty consists in realization of the objective analysis of the genesis of development of management in pre-revolutionary Russia. The Imperial Russian musical society gave birth to the historically first administrative system of the public-government construction in the area of Academic music that coordinates educational and concert life the country, and fits into the typology of the sociodynamic model.  

Keywords: Genesis music management, post-Reform Russia, academic music, Management of classical music, Russian Musical Society, IRMO management model, cultural policy, market, system, model

Аннотация: В статье охарактеризована социально-коммуникационная сущность рок-музыки. Автор представляет звукозапись рок-музыки как особый социально-коммуникационный конструкт (двуединая институция) в глобальном межкультурном пространстве. Многообразная картина рок-музыки интерпретируется в рамках коммуникационной системы звукозаписи. Выявлены особенности регионально-субжанрового развития рок-музыки в системе социальных коммуникаций. Проанализированы социально-коммуникативные истоки зарождения рок-н-ролла, показано многообразие развития англо-американского рока. Особое внимание уделено изучению самобытности африканской, азиатской и латинской рок-музыки. При анализе происхождения и различных значений понятий «рок-музыка» применен историко-генетический метод. Для выяснения жанровых особенностей рок-музыки и ее составных применялся музыковедческий метод. В изучении отдельных признаков музыкальной индустрии применялся структурный подход, что позволило раскрыть многомерность и разноплановость коммуникативных показателей звукозаписи рок-музыки. К тому же применение сравнительно-исторического метода и феноменологического подхода дало возможность определить основные этапы и охарактеризовать закономерности эволюции звукозаписи рок-музыки как коммуникационной и коммуникативной категорий. Терминологический метод предоставил возможности уточнить понятийный аппарат. Метод Интернет-опроса позволил выявить тенденции в изменении жанровых приоритетов среди постоянных посетителей музыкальных сайтов. Автор пришел к выводу о том, что рок является социально-коммуникационным отражением эпохи высокотехнологической звукозаписи. В результате проведенного исследования предложено понимание звукозаписи рок-музыки как сложного кластера социокультурной сферы, где сформированы устойчивые правила, проявляются определенные исторические закономерности, а также действуют специфические принципы. Новизна исследования заключается в установлении коммуникационных элементов системы рока, поскольку истоки универсальности этого музыкального направления коренятся в музыкальной сфере и в явлениях широкого общественного плана.

Ключевые слова: альбом, индустрия звукозаписи, рок-музыка, социальные коммуникации, продюсер звукозаписи, рекорд-лейбл, фонографическая продукция, музыкальный стиль, музыкальное направление, поджанры

Abstract: The article described the social and communication essence of rock music. The author presents a recording of rock music as a special social and communication construct (twofold institution) in global cross-cultural space. The varied picture of rock music is interpreted in the framework of the communication recording system. The features of the regional-subgenres of rock music in the Social Communications. Analyzed the social and communicative origins of rock and roll, showing the diversity of the England-American Rock. Particular attention is paid to the identity of the African, Asian and Latin Rock. In the analysis of the origin and variety of the meaning of «Rock Music» is used historical-genetic method. To determine the characteristics of the genre of rock music and its constituent used musicological method. In the study of individual features of the music industry it used a structured approach that has allowed to reveal the multidimensionality and diversity of communicative performance recording rock music. In addition, the use of comparative-historical method and the phenomenological approach made it possible to identify and characterize the main stages of evolution of the recording of rock music as a communication and communication categories. Terminology method has provided an opportunity to clarify the conceptual apparatus. Method Internet-survey revealed trends in the genre among the priorities of the regular visitors to music sites. The author concluded that the rock is a reflection of social and communication the era of high-tech audio. The study offer insight into the recording of rock music as a complex cluster of socio-cultural sphere, where he formed a stable rules appear certain historical patterns, as well as specific principles apply. The novelty of the research is to establish a communication system elements of rock, since the origins of the universality of this musical roots in the music industry and in the phenomena of a wide public plan.

Keywords: album, the recording industry, rock music, social communication, record producer, record label, phonographic products, musical style, Musical direction, subgenres

Аннотация: В статье рассмотрены историко-культурные аспекты развития филофонии в плоскости коллекционирования грампластинок и других музыкальных аудионосителей. Вопрос об исследовании причин и условий становления и развития филофонии в системе социокультурных коммуникаций при социализме является актуальной научной проблемой. Исходя из этого, предметом публикации выступают социально-коммуникативные аспекты собирательско-коллекционерской деятельности артефактов музыкальной звукозаписи в рекреативном пространстве культуры досуга. Цель проведенного исследования заключается в изучении социальной инфраструктуры филофонии и ее культурно-рекреативных функций. Методологическим основанием статьи является системный метод, поскольку исследование строится на синтезе различных взглядов в социально-гуманитарной науке на феномен филофонии. Автор пришел к выводу о том, что введение категории «филофония» преобразит не только теорию культуры, но и науку коммуникавистики: типология системы массовой коммуникации в сфере досуга невозможна без учета опыта создания аудиовизуальных коллекций. Особое внимание уделено анализу инфраструктуры филофонии как социокоммуникативного феномена в условиях социализма. Охарактеризованы рекреативные функции филофонии в досуговом культурном пространстве. Обоснована гипотеза, согласно которой филофония является уникальным институтом социокультурной коммуникации.

Ключевые слова: Филофония, Звукозапись, Коллекция, Коллекционер, Винил, Грампластинка, Диск, Меломан, Досуг, Массовая культура

Abstract: The article deals with the historical and cultural aspects of development in the plane philophonia collecting records and other musical audionositeley. The issue of research into the causes and conditions of formation and development in the socio-cultural philophonia communications under socialism is an actual scientific problem. Accordingly, the subject of the publication are the social and communicative aspects of collecting, the collecting of artifacts music recording activities in the recreational area of leisure culture. The purpose of the study is to examine the social infrastructure philophonia and its cultural and recreational functions. The methodological basis of the article is a systematic method, because the study is based on a synthesis of different perspectives in the social sciences and humanities to the phenomenon of philophonia. The author concludes that the introduction of the category "philophonia" will transform not only the theory of culture, communicative science: the typology of mass communication in the field of leisure is impossible without taking into account the experience of the creation of audio-visual collections. The particular attention is paid to the analysis of infrastructure like philophonia sociocommunicative phenomenon under socialism. This publication is characterized recreational function philophonia in leisure cultural space. The hypothesis according to which philophonia is a unique institution of social and cultural communication.

Keywords: Disc, Records, Vinyl, Collector, Collection, Sound Recording, Philophonia, Meloman, Leisure, Mass Culture

Аннотация: Предметом исследования является популярная солдатская строевая песня "Взвейтесь, соколы, орлами". Целью работы является: проследить историю песни с момента её первого появления, первого публичного исполнения, первой публикации. Результат работы - актуализация фактов первого исполнения её в 30-х годах XIX столетия, именно в 1934 году, во время Калишских маневров, а не в период Отечественной войны 1812 г. Результаты работы могут использоваться в подготовке к публикации песенных сборников. Область применения результатов - солдатская песня, военная история, сохранение культурного наследия, песенное искусство, история русского народа в контексте изучения песенного искусства. Метод исследования - поиск и изучение всех упоминаний песни в печатных источниках, аудио-визуальных исполнениях. Изучение существующих песенных солдатских сборников на русском и иностранных языках. Соблюдается хронологический порядок и опора на исторически достоверные факты. Выводы: Старинная солдатская строевая песня "Взвейтесь, соколы, орлами" является наиболее любимой и популярной среди военнослужащих. Песня имеет богатую историю, связанную с героизмом русского народа во время войн. Различные варианты песни с уверенностью позволяют указать на широту творческих поисков солдатских сочинителей. Песня актуальна и для современных творческих работников - явилась поводом для создания телефильма.

Ключевые слова: солдатская песня, союз с Пруссией, Калишские маневры, Великая Отечественная война, военная история, культурное наследие, Лагерь, хоровое пение, русский царь, прусский король

Abstract: The subject matter of the research is the popular soldier's song "Rise, Falcons, like Eagles". The purpose of work is: to track song history from the moment of its first emergence, the first public execution, the first publication. Result of work - updating of the facts of its first execution in the thirties the XIX century, in 1934, during Kalishsky maneuvers, instead of in the period of Patriotic war of 1812. Results of work can be used in preparation for the publication of song collections. Scope of results - the soldier's song, military history, preservation of a cultural heritage, song art, history of the Russian people in a context of studying of song art. Research method - search and studying of all mentions of a song in printing sources, audiovisual executions. Studying of existing song soldier's collections in Russian and foreign languages. The chronological order and support on historically established facts is observed. Conclusions: The ancient soldier's front song "Rise, Falcons, Eagles" is the most favourite and popular among the military personnel. The song has the rich history connected with heroism of the Russian people during wars. Various versions of the song with confidence allow to indicate the width of creative searches of soldier's authors.The song is actual and for modern creative specialists was a reason for television movie creation.

Keywords: soldier's song, alliance with Prussia, Kalishsky maneuvers,, Great Patriotic War, military history, cultural heritage, Camp, choral singing, Russian tzar, Prussian king

Аннотация: С использованием методов аудиовизуальной антропологии, компаративного искусствоведческого анализа, а также методов типологизации и историзма проведено комплексное исследование условий бытования традиционного белорусского музыкального инструмента – дуды (белорусской волынки) – в регионе белорусского Подвинья. В результате исследования кадров архивной кинохроники, снятых на территории Беларуси летом 1939 года, удалось выявить вариативность морфологии дуды, с высокой точностью установить географический ареал ее распространения на территории Беларуси в период между двумя войнами.

Ключевые слова: репрезентация кинодокументалистики, дударский мелос, музыкальная культура, хроникальный киноматериал, белорусская волынка, дуда, аудиовизуальная антропология, белорусское Подвинье, киножурнал «СИ», этнокультурная идентичность

Abstract: Using methods of audiovisual anthropology, comparative art review and historicism, the authors conducted a compehensive study of the morphology of traditional Belarussian musical instrument - Duda (Belarussian bagpipe)  - in the northern part of Belarus. As a result of studying archive documentary films produced in the territory of Belarus during the summer of 1939, the authors managed to define different types of Duda and geographical range of expansion of this instrument in the territory of Belarus between the two wars. 

Keywords: representation of documentary films, Duda folk tunes, music culture, documentary film materials, Belorussian bagpipe, Duda, audiovisual anthropology, northern part of Belarus, camera news 'Soviet Art', ethnocultural identity

Аннотация: В статье рассматривается история организации звукозаписывающей индустрии стран Центральной и Юго-Восточной Европы во второй половине ХХ столетия. «Эра демократов» тридцатилетней длительностью целиком укладывается во временные рамки 1945-1995 годов и является настолько особенным, самобытным феноменом в социальной структуре отечественной филофонии, что, несмотря на формальное ее окончание, продолжает волновать многих ввиду недостаточной изученности вопроса. Автором представлена концептуальная модель института грамзаписи как специфического социального и коммуникационного явления и обосновано его место в системе массовых коммуникаций. Особое внимание автором уделено правовым и коммуникативным особенностям развития грамзаписи поп- и рок-музыки в странах «Восточного блока» при социализме.

Ключевые слова: грамзапись, лейбл, рок-музыка, Югославия, Болгария, Румыния, Чехословакия, Восточная Германия, Венгрия, Польша

Abstract: The author of the article views the history of gramophone recording in the countries of Central and South-Eastern Europe at the second half of XX century. The 'Era of Democrates' lasted for 30 years from 1945 to 1995 and was a unique phenomenon in Russian music. Even though the period is officially over, the topic is still interesting and important due to the fact that it still lacks thorough researches. The author of the article presents a conceptual model of the institution of gramophone recording as a specific social and communication phenomenon and describes its place in the system of mass communication. Special attention is paid to legal and communicative features of the development of gramophone recording of pop- and rock-music in the 'Eastern block' countries during socialism. 

Keywords: East Germany, Czechoslovakia, Romania, Bulgaria, Yugoslavia, label, rock-music, gramophone recording, Hungary, Poland

Аннотация: В статье рассматривается становление классической музыки, начиная от её предпосылок в средние века, когда она представляла собой «звучащий космос», связывающий человека с Богом, заканчивая теоретическим осознанием музыки в наше время. Важную роль в этом процессе сыграло появление новоевропейской личности, которая в рамках самостоятельного поведения искала средства для реализации своих желаний и эмоций. Исследование последних предполагает анализ двух взаимообусловленных планов жизни человека ‒ искусственного, деятельностного и естественного, конкретно, процессов претерпевания. При этом автор использует свою концепцию "психических реальностей", а также учение о знаках и схемах. Делается вывод, что классическая музыка и определенные стороны личности человека Нового времени формировались одновременно, причем необходимым условием становления классической музыки выступает складывающаяся новоевропейская личность и, наоборот, необходимым условием становления рассмотренных в статье сторон новоевропейской личности выступает классическая музыка.

Ключевые слова: музыка, личность, теория, тяготение, схема, знак, активность, претерпевание, реализация, подтверждение

Abstract: The article is devoted to the process of formation of classic music from the Middle Ages when it was seen as the 'sound cosmos' connecting human with God to the theory of music of our times. The appearance of so called Modern European Personality played an importat role in that process. The Modern European man seeked new ways to realize his desires and emotions. When studying the latter, the author analyzed the two interdependent spheres of human life, artificial (activity) and natural, in particular, emotional experience. The author offers his own theory of 'psychic realities' as well as the teaching about signs and schemes. At the end of the article the author concludes that classic music and certain qualities of Modern Human have being formed simultaneously. Noteworthy that formation of classic music was a necessary condition for formation of Modern European Personality and on the contrary, modern personal qualities created the grounds for formation of classic music. 

Keywords: music, personality, theory, inclination, scheme, sign, activity, emotional experience, realization, proof

Аннотация: В статье представлен исторический очерк об Апрелевском заводе грампластинок как центральном элементе системы звукозаписывающей индустрии Советского Союза. Настоящяя публикация не претендует на исчерпывающий анализ абсолютно всех аспектов грамзаписи рок-музыки. Вместе с тем, рассматриваются наиболее характерные особенности организации записи грампластинок в условиях социализма. Проанализированы основные этапы развития Апрелевского завода грампластинок и некоторых других в структуре объединения «Фирма Мелодия». Особое внимание уделено информационным, правовым и социально-коммуникативным особенностям грамзаписи поп- и рок-музыки в СССР. Выражаем благодарность всем авторам (в том числе и неизвестным Интернет-пользователям), чьи материалы частично использованы в исследовании, послужившем основой написания статьи, ссылки на труды или высказывания которых системно размещены по тексту, ни в коем случае не претендуя на авторство цитат либо проделанной энтузиастами-исследователями работы. Тем не менее, все эмпирические материалы в значительной мере переработаны, информационно дополнены, логически расширены и подаются не дословно, а в обобщенном виде и авторской редакции. В представленной работе упомянуты не все группы, пластинки, компакт-диски и рекорд-лейблы. Однако надеемся, что публикация сможет восполнить ряд информационных пробелов и приоткрыть некоторые секреты. Имена артистов, названия альбомов и композиций приводятся, прежде всего, на языке оригинала, а далее уже используются варианты русского написания. По результатам исследования автором обоснована гипотеза, согласно которой музыкальная звукозапись является уникальным институтом социальной коммуникации.

Ключевые слова: Фирма Мелодия, Апрелевский завод, грамзапись, грампластинка, винил, студия, рок-музыка, коллекционеры, раритет, каталог

Abstract: The article is devoted to Aprelevsk Factory of Gramophone Disks as the central element of the Soviet sound-recording industry. The author of the present article does not claim to provide a full analysis of all aspects of creating a gramophone record of rock music. At the same time, the author of the article views the most typical features of gramophone recording under the conditions of socialism. he analyzes the main stages of development of Aprelevsk Factory and some other factors of the Melodia Company. Special attention is paid at informative, legal and socio-communicative peculiarities of recording pop- and rock music in the USSR.  The author of the article would like to acknowledge all authors (including unknown Internet users) who participated in the research and whose expressions or writings lie at the root of this article. The article contains references to all expressoins or writings and the author of the article does not claim to be the author of these quotations or studies. At the same time, he has reviewed, extended and developed these ideas. The present article does not cover all music bands, disks, compact disks or record labels. However, the author hopes that his article will be able to fill in the gaps and reveal a few secrets of gramophone recording. All the singers, names of their albums and compositions are first given in their native language and only then translated into Russian. Based on the results of his research the author of the article offers a hypothesis bout music recording being a unique tool of social communication.

Keywords: Melodia Company, Aprelevsk factory, gramophone record, gramophone disk, vinil, studio, rock music, collectors, rarity, catalogue

Аннотация: В статье представлено исследование, посвященное одному из самых выдающихся и загадочных гитаристов второй половины ХХ столетия – Томми Болину. Особое внимание уделено коммуникативным особенностям становления гитариста в музыкальном бизнесе. Анализ его истории жизни в рок-музыке до сих пор порождает многочисленные версии раннего трагического конца. Автор рассматривает неожиданную версию ошибки бренда как одно из обстоятельств, которые косвенным образом на психологическом уровне стали причиной прогрессирующей наркозависимости гитариста. Кроме этого, представлен детальный обзор многих фонографических раритетов с участием Томми Болина, в том числе и нелегально изготовленных отечественными «пиратами». В современных условиях развития высоких технологий музыкальная индустрия переживает не самые лучшие времена, а будущее требует новой платформы, которая построит здоровые отношения между слушателями и музыкантами. В этой связи затрагиваются правовые вопросы переиздания фонографических релизов в цифровом формате.

Ключевые слова: Томми Болин, ДИП ПЕРПЛ, гитарист, лейбл, грамзапись, грампластинка, компакт-диск, концерт, рок-музыка

Abstract: This article presents a study of one of the most outstanding and mysterious guitarists of the second half of the twentieth century -- Tommy Bolin. Particular attention is paid to the communicative requirements of becoming a guitarist in the music business. The analysis of his life story in rock still generates many versions of his early demise. The author considers the unexpected version of 'branding error' to be one of the circumstances that indirectly, on a psychological level, became the cause of the guitarist's growing drug addiction. In addition, the article presents a detailed overview of many recorded rarities featuring Tommy Bolin, including illegally manufactured domestic 'pirate' recordings. Given the current situation in high-tech developments, the music industry has seen better days, and its future requires a new platform that will allow the building of a healthy relationship between audiences and musicians. In this regard, the article touches upon the legal issues of reproducing phonographic releases in digital format.

Keywords: Tommy Bolin, Deep Purple, guitarist, label, recording, record, CD, concert, rock music

Аннотация: В статье дается общая характеристика закономерностей бытования и восприятия классической музыки в современной цивилизационной среде. Выявляются функции классической музыки в озвучивании пространства повседневности. В частности обозначаются особенности использования классической музыки как заполнителя «пустого» времени, включение её на правах фона в процесс работы и в различные контексты «живого» общения. Определяется, что классическая музыка своим присутствием формирует иллюзию гармоничности, эстетической притягательности окружающего пространства, обыденных действий и социальных отношений, способствует стиранию границ между удаленными историческими эпохами, привносит в монотонные операции и рядовые ситуации ощущение духовной содержательности и значимости. Также в статье рассматривается роль классической музыки в структуре персональных технических коммуникаций, а именно в виртуальных музыкальных открытках и звуковых сигналах мобильных телефонов. Выясняется, что с помощью классических мелодий человек может моделировать свой выигрышный социальный и культурный имидж. Вместе с тем выявляется противоположная тенденция эмоционально отстраненного, исполненного иронией обращения с классикой, привлечение ее в процессы межличностных коммуникаций в качестве шутки, сюрприза, эпатажа.

Ключевые слова: Классическая музыка, фоновая музыка, звуковая среда, звуковоспроизводящие устройства, повседневность, развлечение, социальное поведение, коммуникация, мобильный телефон, рингтон

Abstract: The article gives a general description of the laws of existence and perception of classical music in a modern civilized environment and everyday life. The article deals wit particular functions of classical music indicated as a substitute for "empty" time, as a background in the process of working and different contexts of "live" communication. Classical music creates the illusion of harmony and aesthetic attraction of the surrounding world, everyday activities and social relationships. Furthermore classical music helps to eliminate the borders between distant historical epochs and brings the sense of the spiritual pithiness and consequence in monotonous operations. Also the article discusses the role of classical music in the structure of personal technical communication, namely virtual musical postcards and ringtones of mobile phones. By using classical melodies in this kind of communication, person can create one’s winning social and cultural image. However, the opposite trend is related to emotionally detached and full of irony treatment of the classics, when it’s involved in the process of interpersonal communication as a joke, surprise or shocking. 

Keywords: social behavior, entertainment, everyday life, sound sources, soundscape, background music, classic music, communication, mobile phone, ringtone

Аннотация: Цель работы – анализ организующих принципов, лежащих в основе музыкальной пародии как художественного приема. Задачи – рассмотреть общие механизмы действия пародии, конкретные музыкальные средства, приводящие к ее образованию, а также показать общие функции пародии в музыкальном искусстве.Основной принцип пародии заключается в структурно-семантической инверсии исходного текста, формирующей его перевернутый в смысловом отношении образ. Пародийное переосмысление оригинала обычно происходит за счет параллельного действия внутритекстовых и межтекстовых отношений: определенной взаимной координации элементов текста пародии, а также «сравнения» этого текста с пародируемым оригиналом.При этом конкретное воплощение инверсии может быть связано, во-первых, с определенной имманентной организацией интонационной структуры музыкального текста, во-вторых – с его внемузыкальной смысловой сферой (в музыкально-театральных произведениях, вокальной музыке). На конкретных примерах рассматриваются основные приемы пародии в музыке – деформация и агглютинация. Наконец, отдельно показано положение и функции музыкальной пародии в историко-культурном контексте. В частности, сам принцип пародийной инверсии противопоставляется явлениям идеализации и мифологизации, сопутствующим друг другу в процессе развития культуры. Работа может быть интересна культурологам, искусствоведам, а также всем, интересующимся проблемами эстетики творчества.

Ключевые слова: пародия, музыка, инверсия, агглютинация, деформация, гипербола, семантика, текст, культура, искусствоведение

Abstract: The work purpose – analysis of the organizing principles underlying the musical parody. The main question – to consider the general mechanisms of the parody, the concrete musical means leading to its formation, and also its general functions in musical art.The basic principle of the parody consists in the structural-semantic inversion of the initial text forming its image overturned in the semantic relation. Parody reconsideration of the original usually occurs at the expense of parallel action of the intra text and intertext relations: a certain mutual coordination of the parody text elements, and also "comparison" of this text with the parodied original.Thus the concrete embodiment of inversion can be connected, first, with a certain immanent organization of the musical text structure, secondly – with its extra musical semantic sphere (in musical and theatrical works, vocal music). On concrete examples the main receptions of the parody in music – deformation and agglutination - are considered. At last, functions of the musical parody in a historical and cultural context are separately shown. In particular, the principle of parody inversion is opposed to the idealization and mythologization phenomena accompanying each other in development of culture. Work can be interesting to culturologists, critics, and also everything who is interested in problems of a musical art theory and history.

Keywords: parody, music, inversion, agglutination, deformation, hyperbole, semantics, text, culture, art history

Аннотация: Интерес к новым художественным направлениям и актуальным средствам выразительности стал отличительным качеством польской музыки второй половины ХХ века. Стремясь к созданию индивидуального стиля Казимеж Сероцкий и Богуслав Шеффер обогатили свой музыкальный язык приемами сериализма, сонористики, алеаторики. Стремление к стилистическому синтезу можно считать отличием польского композиторского творчества 1960 – 1970-х годов, именно на этом пути рождались наиболее художественно значимые творческие явления.

Ключевые слова: польская музыка, ХХ век, фортепианные композиции, Казимеж Сероцкий, музыкальный авангард, сонористика, алеаторика, Богуслав Шеффер

Abstract: Piano music composed by Kazimierz Serocki and Bogusław Schaeffer includes highly original composition in the aesthetics of polish sonoristics and aleatorics. This composers created his own avant-garde piano stylistics. The main features of the works by polish composers of 1960 – 1970 are the stylistic synthesis and the interest to avant-garde techniques.

Keywords: Polish music, XX century, piano music compositions, Kazimierz Serocki, music avant-garde, sonoristics, aleatorics, Bogusław Schaeffer