Аннотация: В современной гуманитаристике принято рассматривать наивное искусство и наивную литературу как два отдельных явления. Исходя из этого подхода исследование наивного изобразительного искусства отдается на откуп искусствоведению, а изучение наивной литературы остается в рамках филологии и лингвистики. Культурология исследует культуру как исторический и социальный опыт людей, который может проявляться в их творчестве и истолковывается в «культурных текстах» искусства. В данной статье актуализирована потребность в переходе от узконаправленных исследований к комплексному подходу: контекстному изучению визуальных и вербальных произведений наивных художников. Объектом данного исследования являются картины и стихотворения наивной художницы Надежды Ивановны Спириной (Ивановская область, город Южа). Предмет исследования – эстетика и поэтика интертекстуальности работ наивного художника. Целью работы является анализ стилистики и композиции картин в комплексе с поэтическими текстами автора. Задачи – поиск интертекстуальных отсылок и реминисценций в произведениях Н. И. Спириной, раскрытие в ее произведениях различных практик авторской саморефлексии, проверка гипотезы о расширении статуса произведения наивного художника в качестве культурного текста, с учетом смысловых особенностей вербального высказывания для восприятия и прочтения визуального текста, то есть интертекстуальности произведений наивного искусства.  Методы исследования базируются на комплексном анализе культурно-исторических явлений и комплексном междисциплинарном подходе. Используются синхронистический, сравнительно-сопоставительный, биографический, психологический, семиотический, культурно-исторический анализ. Научная новизна исследования заключается в анализе стилистики и композиции картин наивного художника в комплексе с поэтическими текстами автора, что дает возможность точнее интерпретировать миссию художника, которая формирует его наивное высказывание. Выдвинутая гипотеза о расширении статуса произведения наивного художника с учетом интертекстуальности его работ частично подтверждена. Нами проанализирована стилистика и композиция нескольких картин в комплексе с поэтическими текстами автора. Удалось решить ряд задач, обозначенных в начале работы. Перспектива исследования, начатого в данной статье, видится нами в обширном изучении биографий, личностей и творчества наивных художников Ивановской области 1990-2020-х годов в контексте исторических, общественно-политических и социокультурных явлений в регионе и стране на рубеже ХХ-XXI веков.

Ключевые слова: наивное искусство, наивный художник, наивная литература, наивный автор, нарратив, вербальные тексты, визуальные тексты, интертекстуальность, Надежда Ивановна Спирина, Игнатий Федорович Чапкин

Abstract: In modern humanities, it is customary to consider naive art and naive literature as two separate phenomena. Based on this approach, the study of naive fine art is given over to art criticism, and the study of naive literature remains within the framework of philology and linguistics. Culturology explores culture as the historical and social experience of people, which can manifest itself in their work and is interpreted in the "cultural texts" of art. This article actualizes the need to move from narrowly focused research to a comprehensive approach: contextual study of visual and verbal works of naive artists. The objects of this study are paintings and poems by the naive artist Nadezhda Spirina (Ivanovo region, the city of Yuzha). The subject of the research is the aesthetics and poetics of the intertextuality of the works of a naive artist. The aim of the work is to analyze the stylistics and composition of paintings in combination with the poetic texts of the author. Tasks – search for intertextual references and reminiscences in the works of N. Spirina, the disclosure in her works of various practices of the author's self-reflection, testing the hypothesis of expanding the status of the work of a naive artist as a cultural text, taking into account the semantic features of verbal utterance for the perception and reading of the visual text, that is, the intertextuality of works of naive art. Synchronistic, comparative, biographical, psychological, semiotic, cultural and historical analysis are used. The scientific novelty of the research lies in the analysis of the stylistics and composition of the paintings of a naive artist in combination with the poetic texts of the author, which makes it possible to more accurately interpret the artist's mission, which forms his naive utterance.

Keywords: intertextuality, visual texts, verbal texts, narrative, naive author, naive literature, naive artist, Nadezhda Spirina, naive art, Ignatiy Chapkin

Аннотация: В статье рассматривается исторический процесс развития особенностей воплощения достаточно актуального в современном искусстве Китая мотива реки Хуанхэ, выполненного в технике масляной живописи. К классическому мировому наследию живописи китайские художники обратились лишь в конце ХIХ в. За сравнительно небольшой промежуток времени китайские мастера не только в совершенстве освоили реалистические принципы изображения маслом, но и смогли адаптировать этот вид художественного творчества к своей культуре путём поиска национальной идеи произведения. Настоящая статья посвящена анализу изображения и символическому значению реки Хуанхэ в китайской масляной живописи. В ходе исследования сделан вывод, что характер и мировоззрение китайского народа зародились в долине реки Хуанхэ, поэтому образ этой реки неразрывно связан в сознании каждого гражданина страны с истоками нации. Более того, художественное выражение духовных ценностей китайского народа не мыслится без образа Жёлтой реки. В современную эпоху многие художники, работающие маслом, по-разному выражают образ реки Хуанхэ, передавая живописными средствами свое понимание и восприятие национального духа. В этой связи представляет интерес изучение вариаций образа реки в масляной живописи с точки её символического значения и художественной выразительности. Данное исследование выявляет и рассматривает на примере выдающихся произведений масляной живописи Китая конца XX и начала XXI столетий особенности живописного прочтения образа в сюжетных композициях.

Ключевые слова: масляная живопись, китайское искусство, художественный образ, Жёлтая река, изображение, символика, национальный символ, дух сопротивления, героизм, предназначение

Abstract: The article examines the historical process of the development of the features of the embodiment of the Yellow River motif, which is quite relevant in modern Chinese art, made in the technique of oil painting. Chinese artists turned to the classical world heritage of painting only at the end of the nineteenth century. In a relatively short period of time, Chinese masters not only perfectly mastered the realistic principles of oil painting, but also were able to adapt this type of artistic creativity to their culture by searching for a national idea of the work. This article is devoted to the analysis of the image and the symbolic meaning of the Yellow River in Chinese oil painting. The study concluded that the character and worldview of the Chinese people originated in the valley of the Yellow River, so the image of this river is inextricably linked in the minds of every citizen of the country with the origins of the nation. Moreover, the artistic expression of the spiritual values of the Chinese people cannot be conceived without the image of the Yellow River. In the modern era, many oil artists express the image of the Yellow River in different ways, conveying their understanding and perception of the national spirit through pictorial means. In this regard, it is of interest to study the variations of the image of the river in oil painting from the point of view of its symbolic meaning and artistic expressiveness. This study identifies and examines, by the example of outstanding works of oil painting in China of the late XX and early XXI centuries, the features of the pictorial reading of the image in the plot compositions.

Keywords: destiny, heroism, the spirit of resistance, national symbol, symbolism, picture, Yellow River, artistic image, chinese art, oil painting

Аннотация: Статья посвящена исследованию творчества современного художника Цзэнь Фаньчжи в контексте диалога традиций западноевропейской и китайской живописи. Поэтапно рассмотрен процесс формирования его авторской художественной манеры, сочетающей различные стилевые приемы и техники. Раскрываются основные художественные особенности работ в разные периоды творчества китайского мастера: от обращения к приемам живописи западного экспрессионизма к формированию индивидуальной авторской манеры. Подробно проанализированы принципы концептуального искусства Цзэнь Фаньчжи, воплотившиеся, в том числе, в использовании знаковых образов-символов, например, “маски”. Исследованы приемы абстрактной живописи в творчестве китайского художника, получившие развитие в технике «хаотичной кисти», в основе которой лежали экспрессивные линейные абстракции. Раскрываются основные художественные особенности работ концептуальной серии «Посвящение», в которых Цзэнь Фаньчжи обратился к живописному наследию прошлых эпох. Рассмотрен период экспериментальной живописи в творчестве художника после 2018 г: «Цзэнь Фаньчжи путем объединения художественных приемов Поля Сезанна с концепциями традиционного китайского искусства, применяя технику реди-мейда, предлагает качественно новую интерпретацию произведений китайской классической живописи». В исследовании были использованы интервью с Цзэн Фаньчжи о его творческих взглядах, живописи и формах художественной выразительности. Предпринят системный, как обобщенный, так и на примере конкретных картин, сравнительный анализ художественного языка Цзэн Фаньчжи, рассмотрен процесс формирования его авторской манеры, а также применяемые живописцем стилистические принципы и специфика их взаимодействия. Были проанализированы особенности линейных построений и мазков в картинах художника для выявления характерных черт, свойственных работам разных периодов. На основе проделанного анализа, сделан вывод о том, что живописные произведения Цзэнь Фаньчжи представляют собой наглядное проявление органичного взаимодействия западноевропейской и китайской художественной традиции.Каждый стилистический прием, к которому обращается Цзэнь Фаньчжи демонстрирует глубокое понимание живописи и языка форм, раскрывает его творческое осмысление художественных принципов западноевропейского искусства, которое сформировалось у художника благодаря личному опыту и высокому уровню образования, ставшими результатом многолетнего труда. Это исследование на примере творчества Цзэнь Фаньчжи раскрывает одну из сущностных особенностей современной китайской живописи, – ее синтетический или комбинированный характер, который в чем-то схож, а в чем-то отличен от традиций западного искусства. Разница кроется не столько в географии происхождения, несмотря на то, что творчество Цзэнь Фаньчжи развивалось в контексте традиционной китайской культуры и сложившихся принципов художественно-эстетического канона, но и благодаря личному опыту и субъективным переживаниям, облаченным в живописную форму в пространстве картин мастера. Китайская живопись вошла в эпоху бе-модерна (не-модерна), оставаясь во многом схожей и в то же время отличной от искусства западного модерна и постмодерна.

Ключевые слова: классическая западноевропейская жиопись, живопись экспрессионизма, абстрактная живопись, концептуальная живопись, поп-арт, маски, визуальный символ, традиционная китайская живопись, стиль хаотичной кисти, образность

Abstract: This article is dedicated to analysis of the works of a contemporary artist Zeng Fanzhi in the context of dialogue of traditions of Western European and Chinese painting. The author reviews the stages of formation of this original artistic manner that combines different stylistic approaches and techniques; reveals the key artistic peculiarities of his works – from referring to Western expressionism to formation of an individual style. A detailed analysis is conducted on the principles of conceptual art of Zeng Fanzhi realized in the use of meaningful images and symbols, such as “masks”. The author examines the methods of abstract painting in the works of Chinese artist reflected in the technique of “chaotic brush”, which is based on the expressive linear abstractions. In the period after 2018, which marks the period of experimental painting, Zeng Fanzhi combines the artistic methods of Paul Cézanne with the concept of traditional Chinese art, with the “found object” technique, offering a completely new interpretation of the works of Chinese classical painting. The article discusses the specificities of linear constructs and brush strokes in the artist’s works for determining the features common to his works of various periods. A conclusion is made that the paintings of Zeng Fanzhi represents a visual manifestation of harmonious interaction of the Western European and Chinese art tradition. Each stylistic approach used by Zeng Fanzhi demonstrates a profound understanding of painting, reveals his creative interpretation of artistic principles of Western European art that formed as a result of personal experience and high level of education. Chinese painting entered the era of non-modernism, remaining in many ways similar and simultaneously different from the art of Western modernism and postmodernism.

Keywords: pop art, conceptual painting, abstract painting, expressionism painting, Western European classical paintng, masks, visual symbol, Chinese traditional painting, chaotic brush style, iconicity

Аннотация: В статье представлен комплексный и всесторонний анализ визуализированного эго-образа художника с искаженным от смеха лицом как основного персонажа картин Юэ Миньцзюня – одного из ведущих мастеров направления современной китайской живописи — циничного реализма, приведена интерпретация образа в призме китайского социализма, восточной и западной художественных традиций.Далее приводятся подробные описания произведений различных серий, определяются типичные особенности индивидуальной манеры, проводится сопоставление работ для выявления характерного для циничного реализма набора художественных средств, осуществляется всесторонний анализ творчества. В статье раскрывается концепция взаимодействия приемов западной и китайской живописи на конкретных примерах, в том числе посредством приведенных высказываний самого художника о психологии творчества и искусстве в целом, их анализа и выводов на его основе для более глубокого понимания творчества Юэ Миньцзюня. Юэ Миньцзюнь прибегает к различным средствам художественной выразительности, в том числе к игровым приемам, и, в зависимости от цели: к знакам-символам массовой культуры, узнаваемым классическим сюжетам западноевропейской живописи, компьютерным технологиям, картографическим изображениям, а также субъективным мысленным образам, – для создания определенных визуальных символов, осуществляющих диалог со зрителем. Сущность его творчества заключена в ироничном отношении к жизни, лежащем в основе циничного реализма. Очевидно, что современная китайская живопись вошла в эпоху bie-modern (не-модерна).

Ключевые слова: политический поп-арт, концептуальное искусство, модернизм, классическая западноевропейская живопись, Традиционная китайская живопись, идол, образность, визуальные символы, современное китайское искусство, циничный реализм

Abstract: This article provides a comprehensive analysis of the visualized ego-image of the artist with grinning face as the key character of Yue Minjun’s paintings – one of the prominent representatives of cynical realism trend in Chinese contemporary painting. The image is interpreted through the prism of Chinese socialism, Eastern and Western art traditions.  The author describes in detail the works from different series, determines typical features of individual manners, and compares works for revealing the common to cynical realism set of artistic means. The article elucidates the concept of interaction of the techniques of Western and Chinese paining using the particular examples, including Yue Minjun’s thoughts on the psychology of art overall, their analysis, and conclusions formulated for more profound understanding of his artworks. Yue Minjun opts for the diverse expressive means and game approaches depending on the goal: symbols of mass culture, recognizable classical themes of Western European painting, computer technologies, cartographic representations, as well as subjective mental images – for creating certain visual symbols carrying on a dialogue with the audience. The concept of his works consists in the ironic attitude to life underlying the cynical realism. It is evident that the modern Chinese paining entered the era of bie-modern.

Keywords: contemporary Chinese art, visual symbols, iconicity, image, political pop art, conceptual art, Western modernist painting, Western European classical painting, Chinese traditional painting, Cynical Realism

Аннотация: В данной статье рассматривается живописное творчество Чжан Сяогана как видного представителя современной китайской живописи, особенности его художественного мастерства, сформировавшиеся в разные периоды его творчества под воздействием двустороннего влияния китайской и западной живописи. Трансформация и эволюция живописных концепций и формальных художественных средств, заявленные в серии работ художника зрелого периода «Кровные узы большой семьи», показывают как «собственная историческая память» формирует новые выразительные формы живописи. Сравнивать и анализировать, как взаимодействуют формы и языки западной и китайской живописи, и анализировать характеристики структуры мазка кисти художника в разные периоды, чтобы показать, как формируется внутренняя духовная сущность. Это доказывает, что столкновение концепций китайской и западной живописи порождает новые художественные явления, которые являются результатом ассимиляции живописных концепций и «локализации» формального языка; именно таким образом, западная и китайская живописи взаимно влияют и порождают многообразие пластических идей и художественных форм. Китай вступил в период «не модернизма».

Ключевые слова: традиционная китайская живопись, классическая западноевропейская живопись, западная модернистская живопись, концептуальное искусство, политический поп-арт, фотография, визуальный символ, современное искусство Китая, циничный реализм, Чжан Сяоган

Abstract: This article examines the artworks of Zhang Xiaogang as a prominent representative of the modern Chinese painting, peculiarities of his mastery formed in different periods of his creative path under the dual influence of Chinese and Western painting. Transformation and evolution of painting concepts and formal artistic means, claimed in the painter’s “Bloodline-Big Family” series, demonstrate how the “own historical memory” forms new expressive forms of painting. The author compares the interaction of forms and languages in the Western and Chinese painting, as well as analyzes characteristics of the structure of brush strokes of the painter in different periods for showing the formation of the inner spiritual essence. It proves that the clash of concepts of the Western and Chinese painting generated new artistic phenomena, which represent a result of assimilation of painting concepts and “localization” of formal language. The mutual influence of two cultures lead to origination of multiple ideas of plasticity and artistic forms. China has entered the period of “non-modernism”.

Keywords: visual symbol, photography, political pop art, conceptual art, western modernist painting, classical western european painting, traditional chinese painting, contemporary art of China, cynical realism, Zhang Xiaogang

Аннотация: Предметом исследования являются корейские пейзажи «подлинного вида» (чингён сансухва) художника Кёмчжэ Чон Сона (1676–1759). Объектом исследования стали предложенные южнокорейскими искусствоведами теории о том, что стало причиной формирования этого направления пейзажной живописи. Автор рассматривает исследования, в которых подробно рассматривается процесс становления чингён сансухва и анализируются процессы, которые могли повлиять на желание художника Кёмчжэ Чон Сона изображать корейскую природу. Впервые в отечественной и зарубежной науке рассматривается существующая в южнокорейском искусствознании дискуссия о причинах становления чингён сансухва Чон Сона. Для классификации предложенных искусствоведами версий формирования чингён сансухва Чон Сона применял сравнительный метод и метод критического анализа. Основными выводами проделанного исследования являются следующее. Южнокорейские специалисты высказывают разные мнения о том, что стало причиной формирования пейзажа чингён сансухва. Представители «теории внутренних причин» во главе с Чхве Вансу настаивают на том, что чингён сансухва — это явление местного происхождения, сложившееся в результате развития корейского неоконфуцианства, способствовавшего формированию «национального» сознания в рядах элиты и обретению ею уверенности в самобытности родной культуры. Сторонники «теории внешних причин» склонны считать, что пейзажи «подлинного вида» сформировались в процессе переосмысления новых философских и живописных практик китайских династий Мин и Цин. Южнокорейские исследователи по-разному оценивают степень взаимодействия китайского и корейского пейзажа, при этом для представителей «теории внутренних причин», на наш взгляд, характерно принижение китайского влияния.

Ключевые слова: Чингён сансухва, Кёмчжэ Чон Сон, корейский пейзаж, корейская живопись, корейское искусство, государство Чосон, сирхак, неоконфуцианство, Республика Корея, китайская живопись

Abstract: The subject of this research is the Korean “genuine” landscapes (chingyong sansuhwa) by the painter Kyomjae Jeong Seon (1676-1759). The object of this research is the proposed by the South Korean art historians theories of what became a source of formation of this trend of landscape painting. The author reviews the works dedicated to the establishment of chingyong sansuhwa, and analyzes the processes that could affect the desire of the painter Kyomjae Jeong Seon to depict the Korean nature. This article is first in the national and foreign science to examine the existing in the South Korean art history discussion on the causes of emergence of chingyong sansuhwa by Jeong Seon. For classification of the suggested by the art historians versions, the author applied the comparative method and the method of critical analysis. The conclusion was made that the South Korean experts express versatile opinions what has become the cause of establishment of landscape chingyong sansuhwa; while the representatives of the “theory of internal causes” anchored by Choe Eun-sun insist that chingyong sansuhwa is the phenomenon of local origin, formed as a result of development of the Korean Neo-Confucianism that contributes to formation of the “national” mentality among the elites and gain of confidence in the distinctness of their native culture. The supporters of the “theory of external causes” are willing to believe that the “genuine” landscapes have emerged in the process of reconsideration of the new philosophical and landscaping practices of the Chinese Dynasties Ming and Qing. South Korean researchers differently assess the level of correlation between the Chinese and Korean landscape; however, the representatives of the “theory of internal causes” see the belittling of the Chinese influence.   

Keywords: sirhak, Choson, Korean paintings, Korean art, Korean landscape paintings, Kyomjae Jeong Seon, Chingyong sansuhwa, Neo-Confucianism, Republic of Korea, Chinese paintings

Аннотация: Предметом исследования является искусство Александра Дейнеки. Искусство Дейнеки предстаёт перед нами в качестве фундаментальной нравственно-эстетической идеи – идеи красоты, труда, мира; идеи, призванной отражать не только идеологические и общественные идеалы, но и художественные идеалы своего времени. Оно становится проводником его идей в таких же осознанных и «по-дневному» светлых образах, как и его художественно-методологические рассуждения или же обычные повседневные наблюдения и размышления. Ядром исследования творчества ярчайшего представителя соцреализма является анализ понятия «идеал» как определенного диалектического отношения идеи и действительности применительно к связке искусство – жизнь. Методология исследования строится на таких общенаучных методах как: анализ и синтез, индукция и дедукция, диалектический метод, метод искусствоведческого изучения изобразительного материала; сравнительный принцип, принципы историзма, системного анализа, а также принцип аксиологической направленности искусства. Новизна исследования заключается в интерпретации существующих подходов к изобразительному искусству А. Дейнеки с точки зрения непосредственного впечатления художника-практика (автора статьи). Основная масса искусствоведческого материала посвящена анализу искусства Дейнеки с позиции примата идеологического над художественным. В результате проведённого исследования, автор приходит к выводу об уникальном, равноценном взаимосплетении художественной и жизненной правды в его творчестве, позволяющем говорить о последнем не только с точки зрения его идеологии, но и с позиции морально-нравственного и эстетического воздействия на зрителя. Данное взаимосплетение как нельзя лучше способствует жизнеутверждающему отображению строящейся новой, социалистической жизни.

Ключевые слова: Дейнека, жизнеутверждающее искусство, соцреализм, жизненная правда, художественная правда, живопись, социальная значимость, жизнь, идея, идеал

Abstract:  The subject of this research is the art of Aleksandr Deyneka that manifests as a fundamental ethical and aesthetical idea – the idea of beauty, labor, and peace; the idea meant for reflecting not only ideological and social ideals, but also the contemporary to it creative ideals. It becomes a guide of his ideas in the grasped and luminous as a “daylight” images alike his creative-methodological reasoning or the ordinary daily observations and thoughts. The core of examination of the works of the most remarkable representative of social realism lies in the concept of the “ideal” as a certain dialectical relation of the ideas and reality applicable to the link of art – life. The scientific novelty consists in interpretation of the existing approaches towards visual art of Aleksandr Deyneka from the perspective of a direct impression of the artist-practitioner (the author of this article). Most of the art material is dedicated to analysis of the works of Aleksandr Deyneka from the standpoint of supremacy of the ideological over the creative. A conclusion is made on the distinct, equal interweaving of the truth of art and life in his works that allows speaking of the latter not only in the context of his ideology, but also the perspective of the moral-ethical and aesthetical influence on the audience. Such interweavement greatly contributes into the life-affirming reflection of the establishing new, socialist life.  

Keywords: social significance, painting, artistic truth, the truth of life, socialist realism, life-affirming art, Deineka, life, idea, ideal

Аннотация: Предметом исследования является развитие дискурса античного визуального и литературного наследия в изобразительном искусстве XIX - первой половины XX в. Представителей киммерийской школы разных поколений объединяет интерес к художественному образу Крыма, к историческому наследию полуострова. Одной из наиболее актуальных тем в изобразительном искусстве «киммерийцев» на протяжении XIX — первой половины XX в. является культурное наследие античности. Объектом исследования является изменение в прочтении визуального текста античной культуры в киммерийской школе живописи. В исследовании применены метод семиотического анализа произведений художников киммерийской школы; дескрипция визуальных образов; анализ литературных и нарративных источников. Основными результатами проведенного исследования являются: раскрытие культурного базиса античной и архаической тематики в искусстве; выявление ключевых направлений прочтения образов античности в наследии художников киммерийской школы, принадлежащих к разным поколениям. Особым вкладом автора в исследование темы является освещение творчества крымского художника С.Г. Мамчича (1924-1974). Новизна исследования заключается в рассмотрении динамики визуального текста исторического пейзажа в киммерийской художественной школе первой половины и середины XX в.

Ключевые слова: Киммерийская школа живописи, Иван Айвазовский, Константин Богаевский, Степан Мамчич, Юрий Лотман, Николай Барсамов, Архип Куинджи, Мир искусства, эллинизм, Одиссея

Abstract: The subject of this study is the evolution of discourse of the ancient visual and literary heritage in the visual arts of the XIX – first half of the XX centuries. Representatives of the Cimmerian Art School of different generations are united by zest in the artistic image of Crimea, as well as historical heritage of the peninsula. One of the most relevant topics in visual arts of the "Cimmerians" throughout the XIX – early XX centuries lies in the cultural heritage of antiquity. The object of the study is a change in reciting of visual text of ancient culture in the Cimmerian Art School. The article applies a method of semiotic analysis of oeuvres of the artists of Cimmerian Art School; description of visual images; and analysis of the literary and narrative sources. The main results of the research consist in disclosure of the cultural basis of ancient and archaic theme in art; identification of the key directions of reciting the images of antiquity in the legacy of artists of different generations in the Cimmerian Art School. Author’s special contribution into the study is the coverage of creative path of a Crimean artist Stephan Mamchich (1924-1974).The scientific novelty consists in examination of the dynamics of visual text of a historical landscape in the Cimmerian Art School of the beginning and middle of the XX century.

Keywords: Nikolay Barsamov, Yuri Lotman, Stephan Mamchich, Konstantin Bogaevsky, Ivan Aivazovsky, Cimmerian Art School, Arkhip Kuinji, World of art, Hellenism, Odyssey

Аннотация: Нарративные живописные циклы эпохи Возрождения, подобно архивным документам, выступают в роли своеобразных первоисточников и содержат в себе важную информацию, позволяющую глубже раскрыть смысл хорошо известных работ. Предметом исследования являются два полотна Джентиле Беллини «Процессия на площади Сан-Марко» (1496) и «Чудо на мосту Сан Лоренцо» (1500), написанные по заказу Большой Скуолы св. Иоанна Богослова (Scuola Grande di San Giovanni Evangelista) в Венеции. Основываясь на изученных архивных документах, в настоящей статье автор стремиться конкретизировать максимальное количество исторических персонажей - участников, изображенных Беллини событий. Используя в большей степени иконологический анализ, автор уточняет смысл и глубже раскрывает то, что называется внутренним значением произведения. Впервые хорошо известные, программные работы Беллини рассматриваются наравне с текстами первоисточников. Автор анализирует не сколько живописные свойства произведений, сколько их историческую информативность, анализируя венецианские реалии и уделяя внимание деталям, которые были важны для Джентиле Беллини в качестве признаков эпохи. В том числе, среди изображенных на обоих холстах идентифицированы представители "Обществ Чулка" (Compagnie della Calza), важные и неотъемлемые участники культурной жизни Венецианской Республики XV-XVI веков.

Ключевые слова: Чудеса Святого Креста, процессии, Сан-Марко, Общества Чулка, Джентиле Беллини, Венецианская живопись, Ренессанс, Венеция, Андреа Вендрамин, Большие Скуолы

Abstract: The narrative depiction cycles of the Renaissance, similar to the archive documents, manifest as the distinct primary sources and contain the important information, which allows revealing the essence of well-known work more extensively. The subject of this research is the two canvases by Gentile Bellini “Procession in St. Mark's Square” (1496) and “Miracle of the Cross at the Bridge of S. Lorenzo” (1500) painted by the request of Scuola Grande di San Giovanni Evangelista in Venice. Based on the studied archive documents, the author attempts concretizing the maximal amount of historical characters – participants of the portrayed by Bellini events. Mostly using the iconological analysis, the author clarifies the essence and reveal the inner meaning of the oeuvre. For the first time the well-known works of Bellini are examined in parallel with the primary sources texts. The article analyses not just the depictive features of the compositions, but rather their historical information content, considering the Venetian realities and underlining the details that were important to Gentile Bellini as the signs of the era. Among the portrayed on both canvases, were identified the representatives of the Compagnie della Calza – important and intrinsic members of the cultural life of the Republic of Venice of the XV-XVI centuries.

Keywords: Andrea Vendramin, Miracles of the True Cross, processions, San Marco, Compagnie della Calza, Gentile Bellini, Venetian painting, Renaissance, Venice, Scuole Grandi

Аннотация: Данная статья посвящена малоизученному аспекту творчества Бориса Михайловича Кустодиева – портретам русского духовенства. Произведения, исследуемые в комплексе, охватывают период с 1901 года по 1920 год: от женского портрета,созданного во время обучения в Императорской Академии Художеств, заказных работ и этюдов, до двух листов из поздней акварельной серии "Русские типы". Автором предлагается применение категорий «индивидуального» и «типичного» для анализа художественных образов священников и монахинь, созданных мастером. Живописные произведения предлагаются в хронологическом порядке их создания. Проводится стилистическая и композиционная оценка, позволяющая проследить развитие и использование художником колористических и декоративных принципов, как основных художественно-выразительных средств, в рамках традиций русской реалистической школы. В качестве научной новизны в статье отмечается путь становления восприятия художником клерикального образа от индивидуальных характеристик модели к обобщенно-значимым. В результате автор исследования определяет тему портрета духовного лица в творчестве Кустодиева, как неотъемлемую часть его миропонимания «русского» и «национального».

Ключевые слова: клерикальный портрет, индивидуальное и типичное, живопись, Кустодиев, монахиня, Русские типы, русская живопись, реалистическая школа, священник и дьякон, издательство Аквилон

Abstract:  This article is devoted to the insufficiently studied aspect of the creative work of Boris Kustodiev – the portraits of Russian clergy. The examined in complex composition, capture the period from 1901 through 1920: from the female portrait created during the school years in the Imperial Academy of Arts, custom ordered works and sketches, until the two sheets from the late water-color series “The Russian types”. The author suggests the application of the categories of “individual” and “typical” for the analysis of artistic images of priests and monks created by maestro. The paintings are presented in chronological order of their creation. The author carries out the stylistic and compositional assessment, which allows tracing the development and use of the coloristic and decorative principles as the main means of artistic expression within the traditions of the Russian realistic school. The scientific novelty marks the path of formation and perception by the artist of a clerical image from the individual characteristic of the model towards the generalized and important. In conclusion, the author defines the theme of the portrait of clergy in Kustodiev’s creative work as an intrinsic part of his outlook upon the “Russian” and the “national”.

Keywords: realism, Russian painting, Russian types, nun, Kustodiev, painting, individual and typical, clerical portrait, priest and deacon, publisher Aquilon

Аннотация: Предметом исследования являются альбомные листы Шитао. Альбомный формат – один из способов монтировки произведений традиционной китайской живописи, который возник и утвердился достаточно поздно, в эпоху Сун. На рубеже династий Мин и Цин большое распространение получили живописные альбомы со стихотворными надписями-темами. Таланты не только художника, но и каллиграфа и поэта сочетал в себе Шитао. Он оставил большое творческое наследие, немалую часть которого составляют произведения альбомного формата. В данной статье проводится историко-культурологический анализ листов из альбома Шитао, которые относятся к самому раннему творческому периоду художника. Автор делает вывод о том, что синтез живописи, каллиграфии и литературы в этих произведениях осуществляется сразу на нескольких уровнях: техники кисти и туши, пластики форм и структуры композиции. В данном исследовании расширен и дополнен опыт всестороннего творчества Шитао на примере альбомных листов. В научно-художественный оборот вводится новый изобразительный материал.

Ключевые слова: Шитао, традиционная китайская живопись, китайская каллиграфия, поэзия, синтез, альбомный лист, эпоха Цин, пейзаж, цветы-птицы, живопись интеллектуалов

Abstract: The subject of this research is the album leafs of Shitao. Album format is one of the ways of mounting the oeuvres of the traditional Chinese painting that established and consolidated quite late, in the era of Song dynasty. On the brink of Ming and Qing dynasties landscape albums with poetic titles-topics gained popularity. Shitao combined in himself not only the talents of painter, but also calligrapher and poet. He left an outstanding creative heritage, the significant portion of which comprise the works of album format. This article conducts the historical-culturological analysis of Shitao’s album leafs that can be referred to as his earliest creative period. The author makes the conclusion that the synthesis of painting, calligraphy, and literature in these oeuvres is carried out on several levels: the techniques of brushing and ink, plasticity of forms, and compositional structure. This article presents a broader and more detailed experience of Shitao’s all-encompassing creative work on the example of album leafs.

Keywords: Sheeta, traditional Chinese painting, Chinese calligraphy, poetry, synthesis, album sheet, Qing era, landscape, flowers, birds, painting intellectuals

Аннотация: Цель статьи – выявить значение образов и искусства Русского Севера в продолжении традиций национальной культуры России на примере творчества В. М. Васнецова и художников его круга. Дана характеристика произведений В. М. Васнецова, Ап. М. Васнецова, К. А. Коровина, М. А. Врубеля, Е. Д. Поленовой, С. В. Малютина и ряда других авторов. Особенно значим анализ значения образов и искусства Севера в творчестве В. М. Васнецова. Последовательно рассмотрено сложение его мировоззрения в детские, юношеские и зрелые годы. Сделан анализ выражения образов Севера в его живописи, графике, архитектурных проектах, декоративно-прикладном искусстве, прежде всего, в мебели. Рассмотрена степень претворения традиций северного народного искусства в проектах мебели В. Васнецова. Сделан ряд заключений.1. В. Васнецов и художники его круга постигали суть народной жизни, во многом благодаря Северу, что проявилось в познании ими древнего художественного языка и образов Севера, которые они обогатили своей индивидуальностью и содержанием своей эпохи. 2. Творчество В. Васнецова является характерным примером влияния искусства Русского Севера на художественный почерк. 3. Мастера обретали в северном крае новый художественный язык, что доказывает исключительную роль Русского Севера в возрождении национальных корней в искусстве России, в культуре в целом, на рубеже XIX-XX веков.

Ключевые слова: культура, искусство, север, Васнецов, Абрамцево, живопись, архитектура, стиль, традиции, мировоззрение

Abstract: The purpose of the article is to define the role and meaning of images and art of the Russian North in continuing traditions of Russian national culture. The author of the article bases her research on the art work created by Viktor Vasnetsov and other artists of his circle. The author analyzes art work by Viktor Vasnetsov, Apollinary Vasnetsov, Konstantin Korovin, Mikhail Vrubel, Elena Polenova, Milyutin and some other artists. Images of the Russian North are especially important in Vasnetsov's art work. State by stage the author of the article describes how Vasnetsov's world view had been developing through his childhood, youth and maturity. The author also analyzes how the images of the North were expressed in Vasnetsov's painting, graphics, architectural projects and hand crafits (furniture). At the end of the article the author makes the following conclusions: 1. Viktor Vasnetsov and other artists he communicated with tried to understand the essence and nature of people's life. For this purpose they learnt and enriched images of the North. 2. Viktor Vasnetsov's art work presents a typical example of how the Russian North influenced the art work style. 3. The Northern land taught them a new artistic language which proves a peculiar role of the Russian North in revival of Russian national roots in art and culture at the turn of the XIX - XX centuries. 

Keywords: culture, art, North, Vasnetsov, the Abramtsevo 'estate-museum', fine arts, architecture, style, traditions, world view

Аннотация: Несмотря на идеологический прессинг, наступивший в художественной жизни СССР в послевоенное время, в Одессе продолжали работать и преподавать такие представители классического авангарда, как Теофил Фраерман, Михаил Жук и Николай Шелютто. Они создали плодотворную творческую атмосферу, прививая своим ученикам вкус к философско-эстетическим размышлениям о языке искусства. Традиции раннего авангарда переосмысливались их учениками- лидерами нонкоформизма 50-60-х годов, О.Соколовым и Ю.Егоровым, которые создали новые живописные системы и в своем творчестве предвосхитили искания нонконформистов 70-х. ХХ века. Среди их последователей особое место занимает творчество группы "Мамай" . Опираясь на условно-декоративные эксперименты с плоскостью и цветом, разработанные в абстракционизме и неовизантизме, 10-20-х годов, художники этого объединения идут по пути абстрактно-символического развития образного языка живописи. Поколение 90-х- 2000-х получило возможность свободно выставляться, в Украине, России, за рубежом. О. Недошитко, В. Рябченко, А. Ройтбурд, В. Покиданец, В.Кабаченко и многие другие молодые художники 90-х стали участниками и лауреатами международных биенале, пленэров, выставочных проектов.

Ключевые слова: эксрессионизм, Егоров, Соколов, Абстрактный символизм, Фраерман, нонконформизм, Хрущ, Сычев, Недошитко, Ястреб

Abstract: In the post-revolutionary period avant-garde culture in Odessa was supported by Ukrainian artist M. Boychuk, the follower of D.Rivera and Siqueiros. He and his students were invited to teach at Odessa in Polytechnic Institute of Arts. The main goals of the M.Boychuk’s monumental painting were addressed to the general public. Despite ideological pressing in the USSR art life after the Second World War, the followers of the classical avant-garde arts, Theophilus Fraerman, Michael Zuk, Nicholas Shelyutto continue to work and teach art in Odessa. They created a productive creative environment by teaching their students the taste for philosophical and aesthetic discussions about the language of avant-garde. Traditions of the early avant-garde were then reviewed by their followers, the leaders of nonconformism in the 50 - 60's O. Sokolov and E. Egorov who create a new approach to art. 

Keywords: Khrusch, nonconformism, Fraerman, Abstract symbolism, Sokolov, Egorov, Expressionism, Sychev, Nedoshitko, hawk