Аннотация: Статья посвящена сравнительному анализу иезуитской архитектуры XVI–XVIII веков в трех ключевых азиатских регионах – Японии, Гоа и Макао. Исследование рассматривает влияние европейской архитектурной традиции, основанной на «Инструкциях» Карло Борромео и принципах иезуитского барокко, на развитие культовых сооружений в условиях социально-культурного и геополитического разнообразия. Новизна работы заключается в сравнительном анализе иезуитской архитектуры Японии, Гоа и Макао, что позволяет выявить закономерности синтеза европейской барочной традиции с местными строительными практиками. Выявлены общие закономерности и различия в архитектурных решениях, обусловленные уровнем колониального контроля, политическими ограничениями и взаимодействием с местными строительными традициями. Показано, что в Японии иезуиты вынуждены были максимально адаптировать свою архитектуру к местным условиям, создавая переносные модульные храмы, тогда как в Гоа их архитектура практически полностью следовала европейским канонам. В Макао сформировался уникальный синтез китайской и европейской архитектурных традиций, что выразилось в особом сочетании барочных форм и восточных декоративных элементов. Полученные результаты позволяют глубже понять механизмы межкультурного взаимодействия и адаптации европейского архитектурного наследия в Азии. Исследование основано на междисциплинарном подходе, объединяющем историко-архитектурный анализ, сравнительно-типологический метод и элементы культурологического подхода. В работе проведен анализ первичных и вторичных источников, включая письменные свидетельства иезуитских миссионеров, исторические хроники, а также сохранившиеся архитектурные памятники. Новизна исследования заключается в комплексном сравнительном анализе иезуитской архитектуры в трех различных культурно-исторических контекстах, что позволяет выявить закономерности адаптации европейских архитектурных традиций к условиям Азии. В отличие от большинства работ, рассматривающих архитектуру иезуитов в колониальной Америке и Европе, данное исследование акцентирует внимание на механизмах синтеза барочной архитектуры с локальными традициями в Азии. Впервые в рамках одного исследования проведено детальное сопоставление японского, гоанского и макаоского архитектурного опыта и показано, как уровень политической автономии региона, экономическая поддержка миссий и отношение местных властей к католической экспансии определяли характер адаптации архитектурных форм. А также анализировать и приводить примеры один за другим в соответствии с ситуацией в разных регионах.

Ключевые слова: иезуитская архитектура, барокко, Гоа, Макао, Япония, миссионерская деятельность, архитектурный синкретизм, католическая церковь, колониальная архитектура, иезуиты

Abstract: The article is devoted to a comparative analysis of the Jesuit architecture of the XVI–XVIII centuries in three key Asian regions – Japan, Goa and Macau. The study examines the influence of the European architectural tradition based on the "Instructions" of Carlo Borromeo and the principles of the Jesuit Baroque on the development of religious buildings in conditions of socio-cultural and geopolitical diversity. The novelty of the work lies in the comparative analysis of the Jesuit architecture of Japan, Goa and Macau, which allows us to identify patterns of synthesis of the European Baroque tradition with local construction practices. The general patterns and differences in architectural solutions are revealed due to the level of colonial control, political restrictions and interaction with local building traditions. It is shown that in Japan, the Jesuits were forced to adapt their architecture to local conditions as much as possible, creating portable modular temples, whereas in Goa their architecture almost completely followed European canons. Macau has developed a unique synthesis of Chinese and European architectural traditions, which is reflected in a special combination of Baroque forms and oriental decorative elements. The results obtained allow for a deeper understanding of the mechanisms of intercultural interaction and adaptation of the European architectural heritage in Asia. The research is based on an interdisciplinary approach combining historical and architectural analysis, comparative typological method and elements of a cultural approach. The paper analyzes primary and secondary sources, including written testimonies of Jesuit missionaries, historical chronicles, as well as preserved architectural monuments. The novelty of the research lies in a comprehensive comparative analysis of Jesuit architecture in three different cultural and historical contexts, which makes it possible to identify patterns of adaptation of European architectural traditions to Asian conditions. Unlike most works examining the architecture of the Jesuits in colonial America and Europe, this study focuses on the mechanisms of synthesis of Baroque architecture with local traditions in Asia. For the first time, one study conducted a detailed comparison of the Japanese, Goan, and Macau architectural experiences and showed how the level of political autonomy of the region, economic support for missions, and the attitude of local authorities to Catholic expansion determined the nature of the adaptation of architectural forms. And also analyze and give examples one by one according to the situation in different regions.

Keywords: colonial architecture, The Catholic Church, architectural syncretism, missionary activity, Japan, Goa, Macau, The Baroque, Jesuit architecture, The Jesuits

Аннотация: Целью исследования является жизненный и творческий путь челябинского художника-керамиста Павла Александровича Пахарукова. Творческий путь художника-педагога рассмотрен как проявление профессионального и социального героизма в непростых социально-экономических условиях жизни России конца ХХ начала ХХI века. Объект исследования – биография, путь творческого и профессионального становления и развития Пахарукова Павла Александровича. Предметом исследования являются художественные и педагогические приемы и методы, используемые Пахаруковым Павлом Александровичем, морально-нравственные ориентиры педагога-художника. Героические образы, создаваемые в культурном пространстве, отражают ценностные ориентиры общества и реализуют функцию передачи этих ценностей от поколения к поколению, способствуют сохранению и формированию традиций. Особенно это характерно для декоративно-прикладного искусства, которое своими корнями восходит к традиционному народному творчеству и является важнейшим элементом сохранения и развития традиционных ценностей в художественном искусстве. Сформированные героические образы являются духовной опорой как для отдельного человека, так и для нашего народа, создают ценностные установки и ориентиры всего общества.  В ходе исследования были применены историко-системный, историко-генетический, историко-биографический и диахронный методы. Научная новизна исследования заключается во введении в научный оборот ранее неизученных и неопубликованных сведений о творческих и профессиональных достижениях Павла Александровича. В основу работы положено интервью главного героя исследования – Пахарукова П. А., в котором он дает трактовку своим ключевым творческим и педагогическим достижениям. На основе полученных в ходе исследования материалах предпринята попытка наиболее полно и последовательно представить основные вехи жизни и творчества художника и педагога Пахарукова Павла Александровича. Сложно переоценить вклад Павла Александровича в сохранение традиций древнего народного промысла, в развитие гончарного искусства, в популяризацию этого вида творчества, в укрепление связи между поколениями в художественном образовании. Опыт мастеров предыдущих поколений помогает представителям нового поколения не стоять на месте, не деградировать, а идти только вперед, сохраняя и развивая традиции декоративно-прикладного искусства, следуя примеру таких художников, как Пахаруков Павел Александрович!

Ключевые слова: Павел Александрович Пахаруков, Художник-керамист, Декоративно-прикладное искусство, Профессиональный героизм, Социальный героизм, Техника ручного формования, Конструктивная керамика, Гончарные скульптуры, Малая скульптурная пластика, Макошь покровительница ремесел

Abstract: The purpose of the study is the life and creative path of the Chelyabinsk ceramic artist Pavel Alexandrovich Pakharukov. The creative path of the artist-teacher is considered as a manifestation of professional and social heroism in the difficult socio-economic conditions of life in Russia at the end of the XX-beginning of the XXI century. The object of research is the biography, the path of creative and professional formation and development of Pavel Alexandrovich Pakharukov. The subject of the research is the artistic and pedagogical techniques and methods used by Pavel Alexandrovich Pakharukov, the moral guidelines of the teacher-artist. Heroic images created in the cultural space reflect the values of society and realize the function of transferring these values from generation to generation, contribute to the preservation and formation of traditions. This is especially true for decorative and applied art, which has its roots in traditional folk art and is an important element in the preservation and development of traditional values in the arts. The formed heroic images are a spiritual support both for an individual and for our people, create values and guidelines for the whole society. In the course of the study, historical-systemic, historical-genetic, historical-biographical and diachronic methods were applied. The scientific novelty of the research lies in the introduction into scientific circulation of previously unexplored and unpublished information about Pavel Alexandrovich's creative and professional achievements. The work is based on an interview with the main character of the study, P. A. Pakharukov, in which he gives an interpretation of his key creative and pedagogical achievements. Based on the materials obtained during the research, an attempt has been made to present the main milestones of the life and work of the artist and teacher Pavel Alexandrovich Pakharukov in the most complete and consistent way.

Keywords: Structural ceramics, The technique of manual molding, Social heroism, Professional heroism, Decorative and applied arts, Ceramic artist, Pavel Alexandrovich Pakharukov, Pottery sculptures, Small sculptural plastic, Makosh is the patroness of crafts

Аннотация: Статья представляет собой исследование взаимодействия немецкого и голландского искусства в самобытном для Республики Соединённых Провинций XVII века и для всей Европы в целом жанре – натюрморте. Предметом исследования является творчество голландских мастеров натюрморта на территории Германии. Объектом исследования является взаимодействие голландского и немецкого искусства в рамках жанра натюрморт в XVII веке. Автор подробно рассматривает картины голландских и фламандских мастеров натюрморта и изучает их вклад в немецкое искусство, а также наличие влияния творчества немецких художников на эволюцию и преобразование натюрморта в Северных Нидерландах XVII века. Особое внимание уделяется тенденциям развития различных направлений натюрморта голландского натюрморта на фоне взаимодействия художников с немецким искусством в Германии, а также впервые выделяются там работавшие ключевые мастера жанра. Методология основана на формально-стилистическом методе, используемом для анализа натюрмортов отдельных направлений, сравнительно- стилистический анализ также помогает выявить наличие или отсутствие художественных особенностей в произведениях художников разных школ. Анализируются конкретные натюрморты, особое внимание уделяется социально-историческому контексту, повлиявшему на особенности взаимодействия художников двух стран и их творчества. Основными выводами проведенного исследования является заключение о большой степени влияния творчества голландских мастеров натюрморта на формирование жанра в Германии. Большую роль сыграли личные предпочтения в искусстве Великого курфюрста Фридриха Вильгельма I и творчество приглашенных им ко двору голландских художников. Более того, мы не можем говорить об отдельных направлениях жанра, возникших в Германии самостоятельно. Композиционные особенности, стилистика и даже колорит – все это было продиктовано сильнейшим влиянием творчества голландских мастеров. Особенно важно при этом, что немецкое искусство практически не повлияло на развитие голландского натюрморта, этот исключительный для Европы жанр получает беспрецедентное развитие в Северных и Южных Нидерландах по большей степени под влиянием социо-культурных, политических и экономических процессов, происходящих в двух странах.

Ключевые слова: голландский натюрморт, немецкий натюрморт, барокко, живопись XVII века, роскошный натюрморт, натюрморт обманка, цветочный натюрморт, охотничий натюрморт, живопись реализма, фламандский натюрморт

Abstract: This article is a study of the interaction of German and Dutch art in a genre unique to the Republic of the United Provinces of the 17th century – still life. The author examines the paintings of Dutch and Flemish still life masters and studies their contribution to German art, as well as the influence of the work of German artists on the evolution and transformation of still life in the Northern Netherlands of the 17th century. Particular attention is paid to the development trends of various directions of Dutch still life painting in interaction with German art. For the first time the key masters of the genre who worked there are highlighted. The methodology is based on the formal-stylistic method used to analyze still lifes of certain types and on the comparative stylistic analysis. Specific still lifes are analyzed, attention is paid to the socio-historical context that influenced the peculiarities of interaction between artists of the two countries and their artworks. The main conclusions of the study are about the great influence of the work of Dutch still life masters on the formation of the genre in Germany. A major role was played by the personal art preferences of the Great Elector Frederick William I and the artworks of the Dutch artists he invited to work at the court. Moreover, there were no individual genre trends that arose independently in Germany. Compositional features, style and even color choices – all this was dictated by the strong influence of the work of the Dutch masters. It is especially important that German art had virtually no influence on the development of Dutch still life; this genre received unprecedented development in the Northern and Southern Netherlands, largely under the influence of socio-cultural, political and economic processes occurring in two countries.

Keywords: hunting trophies still life, flower still life, trompe-l'œil, Dutch pronkstilleven, XVIIth century painting, baroque, realism painting, German still life, Dutch still life, Flemish still life

Аннотация: Предметом исследования является скифо-сарматское искусство в культурном ландшафте Крыма, выраженное в скульптуре, монументальном и декоративно-прикладном искусстве. Объектом исследования являются крымские артефакты скифо-сарматской культуры (детали украшений, оружия, скульптура, вазопись) в сравнении с аналогичными объектами других регионов расселения скифо-сарматских кочевых народов. Особое внимание автора уделено выявлению основных отличительных черт скифской и сарматской культуры, что усложнено тем, что в Северном Причерноморье складывается смешанная культура, а также трансформациями звериного стиля скифо-сарматской культуры в крымской диаспоре, связанной с влиянием античной культуры, и переднеазиатских цивилизаций. Также прослежено использование звериного стиля как части всех последующих стилей, в том числе крымского модерна, являющегося отражением синтеза культур полиэтнического культурного ландшафта Крыма. В статье использован метод историзма в ретроспективе скифо-сарматского искусства в культурном ландшафте Крыма, компаративистский метод в сравнительном анализе артефактов Крыма и всей территории Скифии, метод стилистического анализа в декоративно-прикладном искусстве Крыма. Основными выводами проведенного исследования являются: 1. Крымский культурный ландшафт отличается разнообразием в связи с исторической полиэтничностью региона, связанным с его географическим расположением и уникальным природным комплексом, ставшим на протяжении истории местом многочисленных этнических миграций. С этим связано и появление в античную эпоху скифо-сарматской культуры в Крыму, оставившей значительный след на полуострове. 2. Характерными особенностями скифо-сарматского звериного стиля становятся упрощение формы, линейность и геометризация, что гармонично вписывается в классические антропоморфные пропорции в скульптуре, стенописи, вазописи античного искусства. Конструктивная целесообразность, лаконичность и гармония, присущая скифо-сарматскому звериному стилю сквозь призму античного искусства стали причиной глобального внедрения в последующие архитектурно-художественные стили, вплоть до настоящего времени. 3. Скифо-сарматское искусство в крымском культурном ландшафте уникально тем, что в нем воплотился самобытный стиль скифо-сарматской народности.

Ключевые слова: Крым, Культурный ландшафт, Скифо-сарматская культура, Искусство, Сарматские знаки, Синтетизм, Полихромность, Античный стиль, Скифский звериный стиль, Стилизация

Abstract: The subject of the study is Scythian-Sarmatian art in the cultural landscape of Crimea, expressed in sculpture, monumental and decorative arts. The object of the study is the Crimean artifacts of the Scythian-Sarmatian culture (details of jewelry, weapons, sculpture, vase painting) in comparison with similar objects from other regions of settlement of the Scythian-Sarmatian nomadic peoples. The author pays special attention to the identification of the main distinctive features of the Scythian and Sarmatian culture, which is complicated by how much mixed culture develops in the Northern Black Sea region and transformations of the animal style of the Scythian-Sarmatian culture in the Crimean diaspora associated with the influence of ancient culture and Near Asian civilizations. The use of the animal style as part of all subsequent styles, including the Crimean Art Nouveau, which is a reflection of the synthesis of cultures of the multiethnic cultural landscape of Crimea, is also traced. The article uses the method of historicism in retrospect of Scythian-Sarmatian art in the cultural landscape of the Crimea, the comparative method in the comparative analysis of artifacts of the Crimea and the entire territory of Scythia, the method of stylistic analysis in the decorative and applied arts of the Crimea. The main conclusions of the study are: 1. The Crimean cultural landscape is diverse due to the historical polyethnicity of the region, associated with its geographical location and a unique natural complex, which has become a place of numerous ethnic migrations throughout history. This is also connected with the appearance of the Scythian-Sarmatian culture in the Crimea in the ancient era, which left a significant mark on the peninsula. 2. The characteristic features of the Scythian – Sarmatian animal style are simplification of form, linearity and geometrization, which harmoniously fits into the classical anthropomorphic proportions in sculpture, wall painting, vase painting of ancient art. The constructive expediency, conciseness and harmony inherent in the Scythian-Sarmatian animal style through the prism of ancient art became the reason for the global introduction into subsequent architectural and artistic styles, up to the present time. 3. The Scythian-Sarmatian art in the Crimean cultural landscape is unique in that it embodies the original style of the Scythian-Sarmatian people.

Keywords: Scythian animal style, Antique style, Polychromacy, Synthetism, Sarmatian signs, Art, Scythian-Sarmatian culture, Cultural landscape, Crimea, Stylization

Аннотация: С конца XVII века в русское искусство, наравне со многими элементами западноевропейского аллегорического вокабуляра, проникают персонификации четырех частей света, или четырех континентов – Европы, Азии, Африки и Америки (этим персонификациям близки, но не идентичны аллегорические фигуры четырех сторон света, а именно персонификации Севера, Юга, Запада и Востока). Персонификации четырех континентов в отдельных произведениях привлекали внимание исследователей, но их иконография пока еще не была удостоена обобщающего анализа. В настоящей статье обобщены сведения о персонификациях четырех частей света, а особенности их иконографии в русском искусстве XVIII столетия рассмотрены в западноевропейском контексте и в сопоставлении с их описаниями в иконологических лексиконах и в литературных произведениях. Иконография персонификаций четырех частей света, заимствованная из европейского искусства, варьировалась от случая к случаю, следуя разным образцам, но оставалась узнаваемой. Так, аллегорические фигуры могли сопровождать разные символические животные. В отдельных случаях, части света могли изобразить в виде детей – также в соответствии с одной из вариаций европейской иконографии. Появление аллегорических фигур четырех континентов в панегирическом искусстве служило цели прославления Российской империи и ее правителя. Указывая на универсальность их значения, эти аллегорические фигуры помогали возвеличить имперскую природу власти. К уже рассмотренным примерам появления персонификаций четырех частей света в русском искусстве XVIII века в статье добавлены ранее не привлекавшие внимание в связи с этой темой произведения искусства, в том числе упоминания и изображения несохранившихся декораций придворных торжеств, а также альтернативные варианты воплощения универсального значения (изображения ветров).

Ключевые слова: аллегория, персонификация, четыре части света, четыре континента, Азия, Африка, Америка, Европа, русское искусство, искусство восемнадцатого века

Abstract: Since the end of the 17th century, personifications of the four parts of the world, or four continents (Europe, Asia, Africa, and America), have appeared in Russian art, along with many elements of the Western European allegorical vocabulary. These allegorical figures in some works of art attracted the attention of researchers, but their iconography has not yet been elaborately analyzed. The present article summarizes information about personifications of the four parts of the world in 18th-century Russian art. Their iconography is examined in Western European context and in comparison with their descriptions in iconological lexicons (e.g., Honoré Lacombe de Prézel’s "Dictionnaire iconologique, ou introduction à la connoissance des peintures, sculptures, médailles, estampes...") and literature. The iconography of the personifications of the four parts of the world, borrowed from European art, varied from case to case, following different patterns, but remained recognizable. Allegorical figures could be accompanied by various symbolic animals. Sometimes parts of the world could be depicted as children, also in accordance with one of the variations of European iconography. The appearance of allegorical figures of the four continents in panegyric art served to the purpose of glorifying the Russian Empire and its ruler. By pointing to the universality of their meaning, these allegorical figures helped to exalt the imperial nature of power. In addition to the examples of personifications of the four parts of the world in 18th-century Russian art which were already analyzed, the article adds works of art that had not previously attracted attention in connection with this topic, including images of not-preserved decorations of court celebrations, as well as alternative embodiments of universal meaning (such as images of the winds).

Keywords: the art of the eighteenth century, Russian art, Europe, America, Africa, Asia, Four continents, Four parts of the world, personification, allegory

Аннотация: Предметом исследования являются монументальные росписи, а также картоны и эскизы немецкого художника, одного из основателей «Союза святого Луки», Фридриха Овербека (Johann Friedrich Overbeck; 1789–1869), в сопоставлении с его станковыми работами и фресками мастеров его круга. Объект исследования – специфика и эволюция подхода художника к монументальной живописи. Цель данной работы заключается в выявлении особенностей фресковой живописи Фридриха Овербека, а кроме того – в анализе эволюции манеры его работы над монументальными циклами. В качестве методологической основы исследования используется стилистический, иконографический и историко-культурный анализ. Научная новизна статьи заключается в том, что несмотря на то, что деятельность Овербека стала одним из важных явлений европейской художественной жизни первой половины XIX века, в отечественной и западной историографии проблема формирования и развития его подхода к фресковой живописи практически не был затронута. В данном исследовании был прослежен постепенный переход в творчестве Овербека от простых иллюстративных композиций к сложным многоуровневым по своему смыслу программам. Основная специфика монументальных циклов Овербека относительно других назарейцев заключается в усложнении символического содержания работ, в первую очередь основанного на использовании «типологического символизма».

Ключевые слова: искусство XIX века, немецкое искусство, романтизм, фрески, монументальная живопись, Овербек, назарейцы, Каза Бартольди, Казино Массимо, Рим

Abstract: The subject of the study is monumental murals, as well as cardboard and sketches by the German artist, one of the founders of the "Union of St. Luke", Friedrich Overbeck (Johann Friedrich Overbeck; 1789-1869), in comparison with his easel works and frescoes by masters of his circle. The object of research is the specifics and evolution of the artist's approach to monumental painting. The purpose of this work is to identify the features of Friedrich Overbeck's fresco painting, and also to analyze the evolution of the manner of his work on monumental cycles. Stylistic, iconographic, historical and cultural analysis is used as the methodological basis of the study. The scientific novelty of the article lies in the fact that despite the fact that Overbeck's activity became one of the important phenomena of European artistic life in the first half of the XIX century, the problem of the formation and development of his approach to fresco painting was practically not touched upon in Russian and Western historiography. This study traced the gradual transition in Overbeck's work from simple illustrative compositions to complex multi-level programs in their meaning. The main specificity of Overbeck's monumental cycles relative to other Nazarenes is the complication of the symbolic content of the works, primarily based on the use of "typological symbolism".

Keywords: Rome, Casino Massimo, Casa Bartholdi, The Nazarenes, monumental painting, Overback, frescoes, romanticism, german art, art of the XIX century

Аннотация: Цель исследования заключается в выявлении в тексте грузиноязычной поэмы «Алгузиани» исторических сведений: проводится идентификация упомянутых в ней личностей, а также определение времени описанных событий. Далее следует анализ текста, который позволяет выявить в нем признаки (термины, личности, события), указывающие на определенную историческую эпоху. Затем производится датировка изложенных в поэме событий посредством сопоставления ее сюжета с реальной исторической картиной определенного в ходе исследования периода. В ходе разностороннего анализа складывается картина, позволяющая, во-первых, отождествить ряд героев поэмы с реальными историческими личностями XIV–XV веков, а во-вторых, указать на конкретные социально-политические процессы, отраженные в тенденциозной подаче и поэтической форме.   Впервые в результате проведенного анализа выдвигается гипотеза, определяющая датировку конкретных происшествий (война с калмыцким ханом; война с чеченским царем и другие сюжеты) и идентифицирующая личности главных героев произведения (Алгуз, Амахуни, Каир-хан, Бибор, Куртагон и другие). Исследование позволяет высказать аргументированное мнение, согласно которому события, изложенные в поэме «Алгузиани», описывают процессы XV века и отражают противоборство Крымского ханства и Большой Орды, а также втянутых в него народов Кавказа. Таким образом, вне зависимости от того, кем был автор поэмы, она вызывает исторический интерес и может служить соответствующим источником для исследователей.

Ключевые слова: Алгузиани, Осетия, Черкесия, Чечня, Каир-хан, XV век, Гиреи, Хоур, Большая Орда, Крымское ханство

Abstract: The purpose of the study is to identify historical information in the text of the Georgian-language poem "Alguziani": the identification of the personalities mentioned in it is carried out, as well as the determination of the time of the events described. This is followed by an analysis of the text, which makes it possible to identify signs in it (terms, personalities, events) indicating a certain historical epoch. Then the events described in the poem are dated by comparing its plot with the real historical picture of the period determined during the study. In the course of a comprehensive analysis, a picture is formed that allows, firstly, to identify a number of the heroes of the poem with real historical figures of the XIV-XV centuries, and secondly, to point out specific socio–political processes reflected in the tendentious presentation and poetic form.   For the first time, as a result of the analysis, a hypothesis is put forward that determines the dating of specific incidents (the war with the Kalmyk Khan, the war with the Chechen tsar and other plots) and identifies the personalities of the main characters of the work (Alguz, Amakhuni, Cairo Khan, Bibor, Kurtagon and others). The study allows us to express a reasoned opinion according to which the events described in the poem "Alguziani" describe the processes of the XV century and reflect the confrontation of the Crimean Khanate and the Great Horde, as well as the peoples of the Caucasus involved in it. Thus, regardless of who the author of the poem was, it arouses historical interest and can serve as an appropriate source for researchers.

Keywords: The Big Horde, Hour, Weights, XV century, Cairo Khan, Chechnya, Circassia, Ossetia, Alguziani, Crimean Khanate

Аннотация: Предметом исследования является вопрос взаимодействия художника – Ж.-О. Фрагонара – и влиятельного официального учреждения, каким была в XVIII веке Парижская академия живописи и скульптуры. С позиций исторической социологии и психологии автор рассуждает о том, почему достигнув существенных успехов, завоевав Римскую премию и получив звание назначенного, художник предпочел отдалиться от Академии и сознательно отказался от построения академической карьеры. Анализируя причины подобного решения, автор привлекает исторические источники, позволяющие получить данные о частной жизни мастера, его отношениях с учителями, академическим начальством, заказчиками различных категорий. Реконструируя художественную среду Парижа рассматриваемого периода, автор помещает своего героя в широкий культурный контекст, без которого невозможно понять место Фрагонара среди его предшественников и современников. Разумеется, автор постоянно сверяется с научными трудами, где затрагивается интересующая его проблематика.     Автор впервые в отечественной историографии подробно рассматривает основные факты биографии Ж.-О. Фрагонара в контексте его отношений с Королевской академией живописи и скульптуры. Однако принципиальная новизна исследования заключается во внимании к тому, как во французской художественной среде середины XVIII века формируется новый тип личности, несходный с типом, господствующим в конце предшествующего столетия. Художники времен основания Королевской академии стремились в первую очередь отделить себя от ремесленной среды, доказать свою принадлежность творческой элите и свое равноправие с передовыми итальянскими мастерами. Теперь же на первый план выходит отстаивание творческой свободы, в том числе и от Королевской академии, поиск собственного пути, далеко не всегда совместимого с академической карьерой. Как полагает автор, опыт творческой свободы, полученный такими мастерами рококо, как Ж.-О. Фрагонар, оказался особенно важен для дальнейшего развития французского искусства.

Ключевые слова: искусство XVIII века, французское искусство, рококо, Салоны, художественная критика, меценатство, Парижская академия живописи, Школа покровительствуемых учеников, Французская академия Рим, Фрагонар

Abstract: The subject of the study is the issue of interaction between the artist – J.O. Fragonard - and an influential official institution, such as the Paris Academy of Painting and Sculpture in the XVIII century. From the standpoint of historical sociology and psychology, the author discusses why, having achieved significant success, won the Rome Prize and received the title of appointed, the artist preferred to move away from the Academy and deliberately refused to build an academic career. Analyzing the reasons for such a decision, the author draws on historical sources that allow to obtain data on the private life of the master, his relations with teachers, academic authorities, customers of various categories. Reconstructing the artistic environment of Paris of the period under consideration, the author places his hero in a broad cultural context, without which it is impossible to understand Fragonard's place among his predecessors and contemporaries. Of course, the author constantly checks with scientific works, where the problems of interest to him are touched upon.     For the first time in Russian historiography, the author examines in detail the main facts of the biography of J.O. Fragonard in the context of his relations with the Royal Academy of Painting and Sculpture. However, the principal novelty of the study lies in the attention to how a new type of personality is formed in the French artistic environment of the middle of the XVIII century, unlike the type prevailing at the end of the previous century. Artists from the time of the foundation of the Royal Academy sought first of all to separate themselves from the craft environment, to prove their belonging to the creative elite and their equality with the advanced Italian masters. Now, the defense of creative freedom, including from the Royal Academy, comes to the fore, the search for one's own path, which is not always compatible with an academic career. According to the author, the experience of creative freedom gained by such Rococo masters as J.-O. Fragonard turned out to be especially important for the further development of French art.

Keywords: Paris Academy of Painting, patronage, art criticism, Salons, rococo, french art, the art of the XVIII century, School of patronized students, French Academy Rome, Fragonard

Аннотация: Предметом данного исследования является анализ 50-летнего юбилея советского промысла палехской лаковой миниатюры 1974 г. Подробно раскрывается предыстория и ход проведения праздничных торжеств, даётся характеристика тем направлениям деятельности, которые использовали советское государство, интеллигенция и общество для популяризации и признания палехского промысла. Цель статьи заключается в попытке доказательства важной роли официального празднования 50-летия палехской лаковой миниатюры для развития этого промысла, а также утвердить принципиальный тезис о важности исследования данного феномена – праздновании юбилеев промысла палехской лаковой миниатюры советского периода – для изучения его истории.   Используя нарративный, ретроспективный и историко-системный методы исследования, автор акцентирует внимание на важности поддержки государства и общества для жизнедеятельности палехского промысла советского периода, что является крайне актуальной проблемой и в наше время, когда промысел, по мнению многих палехских художников, переживает упадок именно вследствие недостаточного внимания со стороны государства. Таким образом, научная новизна исследования состоит в попытке комплексного описания конкретного исторического явления, которое способно послужить моделью для будущей государственной политики по отношению к Палеху как уникальному достоянию российской культуры. Высказанное мнение о необходимости повтора советского опыта и является основным выводом предлагаемой статьи.

Ключевые слова: Палех, русская лаковая миниатюра, русские лаковые промыслы, Иван Иванович Голиков, Иваново, советское искусствоведение, народное искусство, выставочная деятельность, выставка, художественные промыслы

Abstract: The subject of this study is the analysis of the 50th anniversary of the Soviet craft of the Palekh lacquer miniature of 1974. The background and the course of the festive celebrations are revealed in detail, the characteristics of those areas of activity that were used by the Soviet state, the intelligentsia and society to popularize and recognize the Palekh craft are given. The purpose of the article is to try to prove the important role of the official celebration of the 50th anniversary of the Palekh lacquer miniature for the development of this craft, as well as to approve the fundamental thesis about the importance of studying this phenomenon - celebrating the anniversaries of the Palekh lacquer miniature craft of the Soviet period – for studying its history. Using narrative, retrospective and historical-systemic research methods, the author focuses on the importance of state and society support for the life of the Palekh fishery of the Soviet period, which is an extremely urgent problem in our time, when the fishery, according to many Palekh artists, is experiencing decline due to insufficient attention from the state. Thus, the scientific novelty of the study consists in an attempt to comprehensively describe a specific historical phenomenon that can serve as a model for future state policy towards Palekh as a unique heritage of Russian culture. The opinion expressed about the need to repeat the Soviet experience is the main conclusion of the proposed article.

Keywords: folk art, soviet art criticism, Ivanovo, Ivan Ivanovich Golikov, russian lacquer crafts, russian lacquer miniature, Palekh, exhibition activities, exhibition, arts and crafts

Аннотация: Предметом исследования в данной статье является иконография и культ Святого Мартина в Турского в традиции каталонской алтарной живописи на дереве. Непосредственно объектом исследования стал уникальный живописный памятник первой половины XII века – фронталь Сант-Марти де Пучбо, некогда считавшийся одним из наиболее древних произведений каталонской романской живописи. Автором была предпринята попытка развеять историографический миф о древности этого памятника и встроить его в современный ему историко-культурный и политический контекст. Именно метод иконографического анализа позволил связать создание фронталя Сант-Марти де Пучбо с особым культом Святого Мартина Турского в каталонских комарках, а также с его покровительством барселонским графам. В ходе исследования автором был сделан вывод о том, что создание фронталя Сант-Марти де Пучбо связано с деятельностью барселонского графа Рамона Беренгера III, святым покровителем которого являлся Святой Мартин. Этот вывод позволил более точно датировать фронталь из церкви Сант-Марти де Пучбо. О связи почитания культа Святого Мартина и деятельности Рамона Беренгера свидетельствуют архивные документы, а также некоторые посвященные Святому Мартину памятники, находящиеся на территориях, подконтрольных барселонскому графу. Проведенный анализ позволил связать иконографию Святого Мартина на фронтале из Пучбо с иконографией Рамона Беренгера III на надгробии графа из монастыря Санта-Мария де Риполь, что также позволило автору сделать вывод о том, что анализируемый фронталь и скульптурное надгробие могли быть выполнены в одной мастерской. Новизна исследования заключается в том, что ранее еще не предпринималась попытка полностью реконструировать контекст заказа этого произведения каталонской алтарной живописи и определить точное время и место его создания.

Ключевые слова: фронталь, иконография, Святой Мартин Турский, алтарная живопись, Каталония, романская живопись, живопись на доске, Рамон Беренгер III, алтарь, средневековое искусство

Abstract: The subject of research in this article is the iconography and cult of St. Martin of Tours in the Catalan altar painting tradition. The object of the study is a unique monument of the first half of the 12th century – the frontal of Sant Marti de Puigbo, once considered one of the most ancient works of Catalan Romanesque panel painting. The author made an attempt to dispel the historiographical myth about the antiquity of piece of art and embed it into the historical, cultural and political context. It was the method of iconographic analysis that made it possible to link the creation of the frontal of Sant' Marti de Puigbo with the special cult of Saint Martin of Tours in the Catalan Comarques, as well as with his patronage of the counts of Barcelona. In the course of the study, the author concluded that the creation of the Frontal Sant' Marti de Puigbo is connected with the reign of Count Ramon Berenguer III of Barcelona, whose patron saint was Saint Martin. This conclusion made it possible to more accurately date the frontal from the church of Sant'marti de Puigbo. The connection between the veneration of the cult of St. Martin and the activities of Ramon Berenguer is evidenced by archival documents, as well as some monuments dedicated to St. Martin located in the territories controlled by the Count of Barcelona. The analysis made it possible to link the iconography of St. Martin on the frontal from Puigbo with the iconography of Ramon Berenguer III on the tombstone of the count from the monastery of Santa Maria de Ripoll, which also allowed the author to conclude that the frontal and the sculptural tombstone could have been made in the same workshop. The novelty of the research lies in the fact that no attempt has yet been made to completely reconstruct the context of commission of this example of the Catalan altarpiece painting and determine the exact time and place of its creation.

Keywords: altarpiece, medieval art, Ramon Berenger III, panel painting, romanesque painting, Catalonia, altar painting, Saint Martin of Tours, iconography, frontal

Аннотация: Предметом исследования является книжная иллюстрация Ф. Инфанте в сопоставлении с его графикой и станковыми работами. Объект исследования — образ космоса в книжной иллюстрации мастера. Материалом для исследования послужили научно-популярные и научно-фантастические издания, которые оформлял Ф. Инфанте, а также его графика и живопись. В ходе исследования автор пользовался методом описания и анализа. В статье рассматривается специфика и своеобразие образа космоса в работах художника. Внимание также уделяется комплексному сравнению этого образа в книжной иллюстрации с более широким контекстом творчества Ф. Инфанте. Цель данной статьи — на примере книжной графики и анализа теоретических концепций Ф. Инфанте раскрыть своеобразие его представлений о космосе в ракурсе утопии взаимоотношений человека с Вселенной, а также определить, как иллюстрации на данную тему вписываются в общий контекст творчества художника. Главным выводом исследования является установление своеобразия подхода Ф. Инфанте к указанной теме. Художник обращался к основным мотивам из своей графики и станковой живописи, однако изменял их согласно специфики сюжета иллюстрируемого издания. Особое внимание в анализе уделяется излюбленным формам художника: спирали и точке, с помощью которых он выражал идею бесконечности космоса. Новизна исследования заключается в обращении к материалу, с которым до этого еще не проводилась полноценная искусствоведческая научная работа. Впервые в научный контекст вводится книжная иллюстрация Ф. Инфанте, в которой художник обращается к образу космоса.

Ключевые слова: книжная иллюстрация, образ космоса, Инфанте, графика, научная фантастика, советская иллюстрация, неофициальное искусство, спираль, точка, утопия космоса

Abstract: The subject of this research is the book illustration by F. Infante in comparison with his graphics and easel works. The object of this research is the image of space in the book illustration by Francisco Infante. The research employs the popular science and science fiction publications illustrated by Francisco Infante, as well as his graphics and painting. The article examines the specificity and uniqueness of the image of space in the artist’s works. Attention is given to comprehensive comparison of this image in the book illustration with the more extensive context F. Infante’s works. Based on the example of book graphics and analysis of theoretical concepts of F. Infante, the article aims to reveal the distinctness of his representations of space from the perspective of the utopia of relations between man and the Universe, as well as to determine how illustrations on this topic fit into the general context of the works of the artist. The main conclusion lies in description of the unique approach of F. Infante towards the indicated topic. The artist referred to the main motifs from his graphics and easel painting; however, modified them according to the specificity of plotline of the illustrated publication. Special attention is paid to the artist's preferred shapes: spiral and dot, with allowed reflecting the idea of the infinite space. The novelty of this article consists in reference to the material that has not yet been used for comprehensive scientific work in the field of art history. The author is first to introduce into the scientific context the book illustration by Francisco Infante on the space theme.

Keywords: soviet illustration, science fiction, graphics, Infante, space image, book illustration, Soviet Nonconformist Art, spiral, dot, space utopia

Аннотация: Объектом исследования данной статьи является творческое наследие словенского художника-педагога Антона Ажбе (1862–1905) и его интерпретация в работах искусствоведов и свидетельствах его учеников и современников. Предметом исследования являются графические и живописные работы художника-педагога. Целью статьи является переосмысление существующего в современном искусствознании понимания вектора творческого развития А. Ажбе. Особое внимание уделяется живописному наследию художника-педагога, в частности живописной работе «Негритянка», дата создания которой была уточнена. При написании данной статьи в процессе анализа творческого наследия А. Ажбе был использован метод формально-стилистического анализа как наиболее точно отвечающий цели статьи и потребностям автора. Научная новизна данного исследования заключается в переосмыслении процесса творческого развития словенского художника-педагога А. Ажбе на основе новой информации о датировке «Негритянки» – одной из его знаковых живописных работ. Основным выводом проведенного исследования является характеристика эволюционных этапов творческого развития А. Ажбе.

Ключевые слова: Антон Ажбе, творчество Антона Ажбе, живописные работы Ажбе, графические работы Ажбе, принцип шара, педагогический метод Ажбе, принцип кристаллизации красок, искусство Мюнхена, немецкое искусство, искусство XIX века

Abstract: The object of this research is the artistic heritage of Slovenian painter and teacher of painting Anton Ažbe (1862-1905) and its interpretation in the works of art historians and testimonies of his students and contemporaries. The subject of this research is the graphic and painting works of Anton Ažbe. The goal consists in reconsideration of the existing within modern art history understanding of the vector of creative path of the painter. Particular attention is given to his painting “The Black Girl” and clarification of the date of its creation. In the course of writing this article, the author applied the method of formal-stylistic analysis for meeting the precise purpose of the article. The scientific novelty of this study consists in reinterpretation of creative development of the Slovenian painter and teacher of painting Anton Ažbe based on the new information of the date of creation of one of his signature paintings – “The Black Girl”. The main conclusion lies in characteristics of the evolutionary stages of creative development of Anton Ažbe.

Keywords: Anton Ažbe, Anton Ažbe’s oeuvre, Ažbe’s paintings, Ažbe’s graphic works, Anton Ažbe’s pedagogical method, sphere principle, crystallization of color, Munich art, German art, 19th century art

Аннотация: В статье предпринята попытка расшифровать аллегорическую программу недавно введенного в научный оборот «Портрета царевен Анны Петровны и Елизаветы Петровны», который был исполнен в 1721‒1723 гг. работавшим при дворе Петра I французским художником Луи Караваком (1684, Марсель‒1754, Санкт-Петербург) для Чинарового кабинета дворца Марли в Петергофе, о котором можно судить по фотографии из Научного архива ГМЗ «Петергоф» и копии кисти неизвестного мастера из Музея изобразительных искусств Республики Карелии в Петрозаводске. Атрибуты моделей интерпретируются в контексте европейских традиций эмблематики и иконографии, которые были известны в России. Заказанный для приватного интерьера, портрет отвечал своему предназначению украшать личное пространство государя. В изображении нежно любимых Петром дочерей использована символика и композиционное решение, восходящие к распространенному варианту аллегорической иконографии понятия Pax (мир) в виде пары женских фигур с соответствующими атрибутами, которая была актуальна для России в связи с победоносным завершением Северной войны и востребована в заказанной в 1723 г. С. Рагузинским по прямому указанию Петра П. Баратта скульптурной группе. Торжества в честь заключения Ништадского мира в начале 1722 г. в Москве совпали с тезоименитством Анны, тогда же было объявлено и о совершеннолетии Елизаветы. Создание портрета могло быть связано с преподнесением дочерям Петра титула «цесаревен». Не исключено, что доминирующая роль Анны в портрете может быть связана не просто с ее старшинством, но и с планами о том, что она станет продолжательницей династии.

Ключевые слова: Луи Каравак, аллегорический портрет, дети Петра I, русское искусство, XVIII век, имперская мифология, Ништадский мир, цесаревна Анна Петровна, цесаревна Елизавета Петровна, аллегория мира

Abstract: This article attempts to interpret the allegorical program of the recently introduced into the scientific discourse “Portrait of Empresses Anna Petrovna and Elizabeth Petrovna”, painted in 1721-1723 by the court artist Louis Caravaque (1684, Marseilles – 1754 Saint Petersburg) for the Marly Palace in Peterhof, as gauged by the photograph from the Scientific Archive of the State Museum-Reserve "Petergof” and a replica of the unknown artist from the Museum of Visual Arts of the Republic of Karelia (Petrozavodsk). The attributes of the models are interpreted in the context of the European traditions of emblem studies and iconography, which were known in Russia. The ordered for private interior portrait was meant for decorating the personal space of the monarch. In the portrait of Peter’s dearly loved daughters, the artist used symbolism and compositional solution reflected in the widespread version of allegorical iconography of the concept of Pax (peace) in a form of two female figures with corresponding attributes, which was relevant for Russian due to the Russia’s triumph in the Great Northern War and requested in 1723 by S. Raguzinsky in direct order of Peter sculptural group of Pietro Baratta. Celebrations dedicated to the Treaty of Nystad in the beginning of 1722 in Moscow concurred with the Name Day of Anna and announcement of Elizabeth’s age of majority. The creation of portrait could be associated with award the title of Tsesarevna for the daughters of Peter. It is not unlikely that the dominant role of Anna in the portrait could be not due to her seniority, but the plans that she would become the dynasty heiress.

Keywords: tsesarevna Anna Petrovna, Treaty of Nystad, myths of Empire, 18th century, Russian art, Peter I's children, allegorical portrait, Louis Caravaque, tsesarevna Elizaveta Petrovna, allegory of PAX

Аннотация: Объектом исследования является художественная жизнь города Красноярска периода Первой мировой войны. В качестве предмета исследования изучается роль иностранных художников-военнопленных в творческих процессах сибирской провинции (1914-1920). Деятельность пленных, повлиявшая на региональную историю искусства, практически не изучена, хотя очевидно, что долгое пребывание иностранных мастеров в сибирских лагерях, проявилось в художественных процессах российской периферии, повлияло на творческий поиск местных мастеров, существенно отразились на развитии сибирской культуры. С помощью междисциплинарного подхода и методов синтеза и аналогии, разрозненные и малоизученные сведения, соединяются в целостные сюжеты и воссоздают художественные процессы города. В исторических реконструкциях роль военнопленных становится явленной и связана с привнесением различных художественных традиций, влиянием на местное художественное образование, активизацией экспозиционного процесса. В целом, в годы Первой мировой войны произошло обогащение местного творческого генофонда, что позволило художественной жизни города избежать стагнации и динамично развиваться не только в описываемый период, но и дорабатываться на последующих исторических этапах.

Ключевые слова: художественное образование, художественная выставка, Красноярск, Первая мировая война, лагерь для военнопленных, художественная жизнь, военнопленные, художник, рисовальная школа, Сибирь

Abstract: The object of the study is the artistic life of the city of Krasnoyarsk during the First World War. As a subject of the study, the role of foreign artists-prisoners of war in the creative processes of the Siberian province (1914-1920) is studied. The activities of the prisoners, influencing the regional history of art has not been studied, although it is clear that the long stay of foreign masters in the Siberian camps, manifested in the artistic process of the Russian periphery, affect the creative search of local artists, significantly affected the Siberian culture. Using an interdisciplinary approach and methods of synthesis and analogy, isolated and little-known information together in holistic subjects and recreate the artistic processes of the city. In historical reconstructions, the role of prisoners of war becomes apparent and is associated with the introduction of various artistic traditions, the influence on local art education, the activation of the exposition process. In general, during the First World War it was the enrichment of the local creative gene pool, allowing the artistic life of the city to avoid stagnation and dynamic development not only in the period in question, but also refined at the subsequent stages of history.

Keywords: Siberia, art school, art education, art exhibition, Krasnoyarsk, First World War, camp for prisoners of war, artistic life, prisoners of war, artist

Аннотация: Предметом исследования данной работы является иконографическая программа мозаики апсиды оратория аббата Теодульфа в Жерминьи-де-Пре. Объект исследования - ораторий аббата Флери и епископа Орлеана Теодульфа в Жерминьи-де-Пре – уникальный памятник каролингской эпохи, который не только позволяет прикоснуться к историческому источнику как к бесценному документу и свидетелю, но и ставит немало вопросов. В поле дискуссионных тем входят не только аспекты сохранности памятника, состояние и датировка фрагментов его декорации, но и программа мозаики, отличающаяся весьма необычной иконографией и стилем исполнения. В представленном исследовании на базе иконографического метода и междисциплинарного подхода автор анализирует ветхозаветные образы мозаики Теодульфа, сопоставляя их с текстами Священного Писания. В настоящей статье автор рассматривает современные представления о дискуссионной иконографической программе мозаики апсиды оратория в Жерминьи-де-Пре и предлагает свой вариант объяснения иконографической схемы Теодульфа, дополняющий существующую интерпретационную картину. Автор показывает, что не Ковчег Завета, как таковой, является главным смысловым объектом этой программы, а незримая Слава Господа, присутствующая между херувимами Ковчега, что, в свою очередь, связано с литургической символикой.

Ключевые слова: херувимы, каролингская эпоха, евхаристия, иконографическая программа, ораторий, Теодульф, Жерминьи-де-Пре,, Слава Господа, мозаика, Ковчег Завета

Abstract: The subject of this work is the iconographic program of the mosaic of apse of oratory of the Abbey Theodulf in Germigny-des-Prés. The object of this research is the oratory of the Abbey Fleury and Bishop of Orleans Theodulf in Germigny-des-Prés – a unique heritage of the Carolingien era, which not only allows touching the historical source as a priceless document and witness, but also raises multiple questions. The discussion field consists not only from the aspects of preservation of heritage, state and dating of the fragments of its decoration, but also the program of mosaic which is noted for a unusual iconographic and style of performance. In the presented research based on the iconographic method and interdisciplinary approach, the author analyzes the Old Testament images of Theodulf’s mosaic, comparing them with the texts of the Holy Scripture. The author examines the modern perception on the discussion iconographic program of the mosaic of apse of the oratory in Germigny-des-Prés and suggests its own version of explanation of Theodulf’s iconographic scheme, which complements the already existing interpretational picture. It is demonstrated that the Ark of the Covenant is the main conceptual object of this program, and the invisible Glory of the Lord that is present between the cherubs of the Ark is closely connected to the liturgical symbolic.

Keywords: Ark of the Covenant, Mosaic, Glory of God, Cherubs, Carolingien era, Eucharistic, Iconographic program, Oratory, Theodulf, Germigny-des-Prés