Аннотация: Статья посвящена вопросу о специфике понимания дизайна в разных регионах. В узком смысле дизайн - продукт культуры модернизма, и его истоки можно проследить еще в европейской рациональности времен Просвещения. Однако к сегодняшнему дню понимание дизайна сильно расширилось, и разные регионы мира предлагают разное понимание дизайна, внося свой вклад в «науку» о дизайне. Цель статьи – на основе анализа современного тренда в средовом дизайне «japandi», предполагающего смешение традиций скандинавского (североевропейского) и японского дизайна, обозначить сходства и различия в понимании дизайна в Японии и странах Северной Европы. И хотя «japandi» - тренд 2020-х годов, необходимо отметить, что влияние японского дизайна на североевропейский можно проследить еще в середине ХХ века.   Исследование опирается на компаративный метод, предлагая сравнение разных моделей дизайна в контексте географических, историко-культурных и социально-экономических особенностей регионов. Следуя Н. Скоу и А. Мунку, авторы анализируют североевропейский дизайн с помощью ключевых слов: «север», «природа», «модели» [общественного благосостояния] и «минимализм». Авторы заключают, что специфика североевропейского дизайна в целом строится на идее «умеренности» – балансе природы и культуры, функционализма и поп-культуры, он социально ориентирован и, как следствие, прост, но не строг в своей приверженности простоте. Это делает его доступным и понятным каждому. При этом дизайн здесь - «образ жизни». Продолжая логику ключевых слов, авторы заключают, что основными для японского дизайна являются: «традиция», «природа», «минимализм» и «забота». В японском дизайне созидание нового происходит путем встраивания в старое. Его минималистичность обусловлена не только влиянием буддизма и традиционной эстетики, в частности простоты «ваби», но и в целом «вестернизацией». Также «японский минимализм» связан с заботой о других людях, он «созерцателен», чему способствует традиционная связь с природой и эстетика потертостей «саби». Хотя дизайн в обоих регионах стремится к покою, гармонии с природой и простоте форм, в целом японский дизайн «созерцательный», а североевропейский – «умеренно уютный» («хюгге»). «Japandi» – это западный тренд, ппредлагающий «уютную» Японию «для всех».

Ключевые слова: японский дизайн, скандинавский дизайн, джапанди, дизайн Северной Европы, хюгге, ваби-саби, минимализм, ва-модерн, эстетика буддизма, эстетика протестантизма

Abstract: The article is devoted to the issue of the specifics of understanding design in different regions. In a narrow sense, design is a product of modernist culture, and its origins can be traced back to the European rationality of the Enlightenment. However, by today, the understanding of design has greatly expanded, and different regions of the world offer different understanding of design, contributing to the "science" of design. The purpose of the article is to identify similarities and differences in the understanding of design in Japan and the Nordic countries based on the analysis of the modern trend in environmental design "japandi", which involves a blending of Scandinavian (Nordic) and Japanese design traditions. Although "japandi" is a trend of the 2020s, it should be noted that the influence of Japanese design on Nordic design can be traced back to the middle of the twentieth century. The study is based on a comparative method, offering a comparison of different design models in the context of geographical, historical, cultural and socio-economic characteristics of the regions. Following N. Skou and A. Munch, the authors analyze the Nordic design using the keywords: "north", "nature", "models" [of welfare] and "minimalism". The authors conclude that the specifics of Nordic design as a whole are based on the idea of the balance of nature and culture, functionalism and pop culture, it is socially oriented and, as a result, simple, but not strict in its commitment to simplicity. This makes it accessible and understandable to everyone. At the same time, the design here is a "way of life". Continuing the logic of keywords, the authors conclude that the main ones for Japanese design are: "tradition", "nature", "minimalism" and "care". In Japanese design, the creation of the new takes place by embedding in the old. Its minimalism is due not only to the influence of Buddhism or traditional aesthetics, in particular the simplicity of "wabi", but also to "Westernization" in general. Also, "Japanese minimalism" is associated with caring for other people, it is "contemplative", which is facilitated by the traditional connection with nature and the aesthetics of "sabi" scuffs. Although design in both regions strives for peace, harmony with nature and simplicity of forms, in general Japanese design is "contemplative", and Nordic design is "cozy" ("hygge"). Thus "japandi" is a Western trend offering a "cozy" Japan "for everyone."

Keywords: Japanese design, Scandinavian design, japandi, Nordic design, hygge, wabi-sabi, minimalism, wa-modern, aesthetics of Buddhism, aesthetics of Protestantism

Аннотация: Актуальность исследования обосновывается необходимостью развития многомерного пространства понимания в сфере «телесно-ориентированного» проектирования, вовлекающего как западных, так и восточных проектировщиков. В рамках статьи авторы обращаются к феноменологической «теории» архитектуры как наиболее влиятельному в международном масштабе «телесно-ориентированному» подходу, подчеркивая, однако, что феноменологическая «теория» не может строиться исключительно по западному образцу. Проблема исследования заключается в недостаточной степени отрефлексированности культурно обусловленных различий феноменологических «теорий» архитектуры: как минимум двух – западной и восточной, строящихся на принципиально разном понимании телесности. Цель – установив различие в понимании телесности западными и восточными проектировщиками, сделать шаг в направлении всестороннего осмысления «пространства возможностей» для развития «телесно-ориентированного» дизайна. Авторы исследования сопоставляют подходы западных и восточных архитекторов по двум направлениям: интерпретация опыта перемещения тела в пространстве и отношение к материалу. В ходе исследования авторы статьи указывают на то, что различие в понимании телесности между западными и восточными архитекторами заключается в том, что на Западе телесность понимается как «воплощенность» человека, а на Востоке – как «сообщительность» человека с миром. С точки зрения интерпретации опыта перемещения тела в пространстве, авторы статьи приходят к выводу, что «западный» подход направлен на интенсификацию проприоцептивного опыта и формирование ощущения «потока» пространства, а «восточный» – на создание условий для проживания человеком личного опыта путешествия по горам и ощущения «единотелесности» с миром. С точки зрения отношения к материалу, авторы статьи приходят к выводу, что «западный» подход тяготеет к медленному проживанию человеком ощущений в собственном теле (плоти) в процессе его взаимодействия со средой, в то время как «восточный» подход связан со спонтанностью, являющейся следствием развитой способности человека «резонировать» с миром (речь идет о пустотном теле, или теле как «месте не-бытия»). С точки зрения развития «телесно-ориентированного» дизайна авторы исследования отмечают привлекательность «восточного» подхода к проектированию в условиях современного быстроменяющегося мира, однако, по их словам, такой подход требует от проектировщика полной самоотдачи.

Ключевые слова: телесно-ориентированный дизайн, телесность, феноменологическая архитектура, Стивен Холл, Ван Шу, Юхани Палласмаа, Тадао Андо, параллакс, гуаньсян, синтай

Abstract: The relevance of the research is justified by the need to develop a multidimensional space of understanding in the field of "body-oriented" design, involving both Western and Eastern designers. Within the framework of the article, the authors turn to the phenomenological "theory" of architecture as the most internationally influential "body-oriented" approach, emphasizing, however, that a phenomenological "theory" cannot be built exclusively on the Western model. The problem of the study lies in the insufficient degree of reflection of culturally determined differences in the phenomenological "theories" of architecture: at least two – Western and eastern, based on a fundamentally different understanding of physicality. The goal is to establish a difference in the understanding of physicality by Western and Eastern designers, to take a step towards a comprehensive understanding of the "space of possibilities" for the development of "body–oriented" design. The authors of the study compare the approaches of Western and Eastern architects in two directions: interpretation of the experience of moving a body in space and attitude to the material. In the course of the study, the authors of the article point out that the difference in the understanding of physicality between Western and Eastern architects lies in the fact that in the West physicality is understood as the "embodiment" of a person, and in the East as the "communication" of a person with the world. From the point of view of interpreting the experience of moving a body in space, the authors of the article conclude that the "Western" approach is aimed at intensifying the proprioceptive experience and forming a sense of "flow" of space, and the "Eastern" approach is aimed at creating conditions for a person to live a personal experience of traveling through mountains and a sense of "one–bodyedness" with the world. From the point of view of the attitude to the material, the authors of the article come to the conclusion that the "Western" approach tends to the slow living of sensations in one's own body (flesh) in the process of its interaction with the environment, while the "Eastern" approach is associated with spontaneity, which is a consequence of the developed human ability to "resonate" with the world (we are talking about an empty body, or a body as a "place of non-being"). From the point of view of the development of "body-oriented" design, the authors of the study note the attractiveness of the "Western" approach to design in today's rapidly changing world, however, according to them, such an approach requires full dedication from the designer.

Keywords: Tadao Ando, Juhani Pallasmaa, Wang Shu, Steven Holl, phenomenological architecture, corporeality, body-oriented design, parallax, guanxiang, shintai

Аннотация: Актуальность исследования обосновывается необходимостью развития телесного самосознания будущих дизайнеров. Проблема исследования заключается в несколько упрощенном восприятии телесного опыта западными дизайнерами, поскольку на Западе в приоритете оказывается развитие концептуального мышления. В ходе исследования автор выдвигает гипотезу о том, что развитию телесного самосознания дизайнеров могут способствовать занятия восточной каллиграфией, поскольку каллиграфия является продуктом укорененного в восточной традиции «телесно-ориентированного» мышления. По его мнению, наибольший интерес представляет авангардная каллиграфия, стремящаяся выразить смысловое содержание знаков с помощью художественных приемов, то есть наиболее универсальным способом. Более конкретно, речь идет о формировании такого типа мышления, когда дизайнер «видит» новый объект там, где его еще нет, но где он не может не быть – то есть там, где его возникновение кажется абсолютно естественным. Методологическую основу исследования составляют историко-описательный и историко-сравнительный методы, обобщение и концептуализация. Автор исследования рассматривает «телесно-ориентированный» дизайн в контексте средового подхода, но предлагает перейти от укорененного на Западе противопоставления человека и среды к пониманию их отношений как взаимопорождающих и даже «единотелесных». Автор анализирует первые попытки разработать «телесно-ориентированную» пропедевтику в Баухаузе и приходит к выводу, что опора на телесный опыт преподавателей базового курса служила сугубо теоретическим задачам (например, выделению типов силовых структур природных форм или «нотной» записи чувств), что, в конечном счете, демонстрировало приоритет концептуального мышления над мышлением «телесно-ориентированным». В обратном направлении двигались и движутся восточные каллиграфы-авангардисты, переходя от лингвистического значения знака к его «воплощенному» смысловому содержанию. Поскольку они опираются, прежде всего, на телесное сознание, пространство в каллиграфии символизирует единое мировое «тело» (в то время как пространство в европейской живописи – это, в значительной степени, пространство линейного движения ума). Пустое пространство каллиграфического произведения наполняется ощущениями и воплощенными смыслами. Автор исследования приходит к выводу, что в пропедевтическом плане внимание именно к этому пустому пространству может позволить дизайнеру начать думать не только концептуально, но и, в подлинном смысле, телесно.

Ключевые слова: пропедевтика, базовый курс, авангардная каллиграфия, Юкэй Тэсима, Цзыбинь Дун, средовой подход, телесно-ориентированное мышление, телесно-ориентированный дизайн, Наото Фукасава, концепция Воплощения

Abstract: The relevance of the research is justified by the need to develop the bodily self-awareness of future designers. The problem of the study lies in the somewhat simplified perception of bodily experience by Western designers, since in the West the development of conceptual thinking is a priority. In the course of the research, the author hypothesizes that practicing Oriental calligraphy can contribute to the development of designers' bodily self-awareness, since calligraphy is a product of "somatic-oriented" thinking rooted in the Eastern tradition. The author of the study considers "somatic-oriented" design in the context of an environmental approach, but suggests moving from the opposition of man and environment rooted in the West to understanding their relations as mutually generating and even "one-body". The author analyzes the first attempts to develop "somatic-oriented" propaedeutics at the Bauhaus and comes to the conclusion that relying on the bodily experience of the teachers of the basic course served purely theoretical tasks, which ultimately demonstrated the priority of conceptual thinking over thinking "somatic-oriented". The eastern avant-garde calligraphers have been moving in the opposite direction, moving from the linguistic meaning of the sign to its "embodied" meaning content. Since they rely primarily on bodily consciousness, space in calligraphy symbolizes a single world "body" (while space in European painting is, to a large extent, the space of linear movement of the mind). The empty space of a calligraphic work is filled with sensations and embodied meanings. The author of the study concludes that, propaedeutically, attention to this empty space can allow a designer to start thinking by the way, when the designer "sees" a new object where it does not exist yet, but where it cannot but be – that is, where its appearance seems absolutely natural.

Keywords: somatic-oriented design, somatic-oriented thinking, environmental approach, Zibin Dun, Yukei Teshima, avant-garde calligraphy, basic course, propaedeutics, Naoto Fukasawa, concept of Embodiment

Аннотация: Предмет исследования – перспективы развития так называемого «телесного подхода» в дизайне, развиваемого западными исследователями последние десять лет. В контексте этого подхода каждая проектная ситуация рассматривается как уникальная, требующая от проектировщика учета огромного количества переменных, поэтому проектировщик опирается на собственную интуицию, на свое «телесное когито». Однако существует проблема теоретико-методологического обоснования «телесного подхода», поскольку он использует «молчаливое» знание тела. С другой стороны, существует крен западных исследований в сторону анализа только внешних движений тела потенциальных потребителей, что указывает на необходимость развития проектировщиком своего собственного телесного самосознания. По мнению автора статьи, сложившаяся ситуация делает сегодня актуальной восточную "теорию" творчества, неразрывно связанную с телесным опытом творца. Автор статьи обращается к опыту китайских и японских дизайнеров, для которых «мышление телом» глубоко укоренено в региональной традиции; а также опирается на категории традиционной восточной философии, позволяющие фиксировать опыт тела, и на их основе формулирует некоторые понятия, необходимые, по его мнению, для развития отечественной «теории» телесно-ориентированного дизайна. В ходе исследования автор акцентирует внимание на специфике восприятия тела на Востоке, поскольку восточный опыт ведет не к расширению задействованных каналов восприятия (использование помимо зрения, например, обоняния и слуха), а к пониманию творчества как спонтанного процесса, формы – как «открытой» для проживаемых телом смыслов. Для восточных дизайнеров в проектировании важным оказывается не «гештальт» предыдущего опыта, а телесная интуиция будущего, направленная на создание продукта. В заключение, опираясь на категории восточной философии, автор исследования вводит понятия «воплощенный образ» (спонтанно возникающая образно-схематическая структура взаимодействия человека с окружающей средой) и «телесная проектная интенция» (направленность мысли на преобразование действительности, основанная на телесных связях проектировщика с миром).

Ключевые слова: телесный подход, телесное сознание, воплощенное проектное мышление, телесно-ориентированный дизайн, концептуальная метафора, воплощенный образ, образ-сян, проектная интенция, интенция-и, каллиграфия

Abstract: The article subject is dialogue about the development prospects of the so-called “embodied approach” in design, conducted by Western researchers for the past ten years. Some of the Western researchers indicate the fundamental impossibility of creating the theory of somatic-oriented design in view of the fact that such a theory will have to rely on the “silent” knowledge of the body. The author of the article sees the exit in, firstly, to turn to the experience of Chinese and Japanese designers, for whom “embodied cognition” is deeply rooted in the regional tradition; and secondly, to form a categorical apparatus necessary for the development of the theory of somatic-oriented design, based on the category of traditional eastern philosophy, allowing to fix the experience of the body (we are talking about the image “хiang” and the intentions “yi”). In the course of the study, the author focuses on the specifics of the body's perception in the East, since oriental experience does not lead to the expansion of involved perception channels (use in addition to vision, for example, smell and hearing), but to understand the project as a spontaneous process, form as an “open” for the embodied meanings. For oriental designers it is important not to “gestalt” of previous experience, but an embodied intuition of the future, aimed at creating a product later in demand by society. In conclusion, based on the categories of eastern philosophy, the author of the study introduces the concepts of “embodied image” (spontaneously arising figurative-scheme of human interaction with the environment) and “embodied design intention” (the direction of the thought to the transformation of reality, based on the somatic relations of the designer with the world).

Keywords: calligraphy, yi, project intention, xiang, embodied image, conceptual metaphor, somatic-oriented design, embodied mind, embodied design thinking, embodied cognition approach

Аннотация: Исследование посвящено вопросу об изменении понимания дизайна и его актуальном состоянии. Хотя дизайн возник на Западе, сегодня все большую роль в его развитии начинает играть Восток. Как продукт культуры модернизма дизайн изначально следовал принципу «форма следует за функцией», но после «семантического поворота» стал пониматься как смыслообразование, и форма последовала за смыслом. Однако сегодня понимание смыслов лишь через призму «языка» исчерпало себя, в дизайн начало приходить понимание того, что дизайн – это не только интеллектуально порождаемые смыслы, но и смыслы-ощущения, поэтому западные теоретики и практики дизайна стали искать альтернативные пути развития дизайна, что оказалось созвучно тому пути, которым сегодня идут на Востоке. Цель статьи - обобщить некоторые результаты альтернативного «языковому» пониманию дизайна на Западе и на Востоке. Предмет исследования - изменение способов смыслообразования в современном дизайне.  Методы исследования: - методы синхронного и асинхронного анализа позволяют проанализировать трансформации в понимании дизайна как исторические, так и региональные; - метод обобщения, включая сравнительный анализ, позволяет понять разницу подходов к проектированию и формообразованию в разных регионах. В статье современный дизайн представлен как мультикультурный процесс, где разные регионы вносят свой вклад в общую «теорию» дизайна. Однако, и актуальный сегодня восточный путь дизайна неоднороден. Здесь можно выделить японское видение дизайна – «созерцательный подход», предполагающий рефлексию ощущений, опору на личный опыт, а также только оформляющееся сегодня китайское видение дизайна. Потенциальный вклад Китая в развитие дизайна нам видится во включении «воплощённого сознания» в процесс проектирования, когда правильность выбранного решения определяется не только умозрительными расчётами, но «резонирует» с ощущениями проектировщика и заказчика, а также в концепции «живой формы», когда видятся не только композиционные или функциональные связи между элементами, но и связность их движений. Китайский подход можно назвать «витализирующим».

Ключевые слова: смыслообразование, семантический поворот, теория дизайна, японский дизайн, китайский дизайн, воплощенное сознание, семиотика, смысл-ощущение, живая форма, созерцательное проектирование

Abstract: The research is devoted to the issue of changing the understanding of design and its current state. Although design originated in the West, today the East is beginning to play an increasingly important role in its development. As a product of modernist culture, design initially followed the principle of "form follows function", but after a "semantic turn" it began to be understood as meaning-making, and form followed meaning. However, today the understanding of meanings only through the prism of "language" has exhausted itself, the understanding today is that design not only intellectually generated meanings, but also senses–sensations, therefore Western design theorists and practitioners began to look for alternative ways of developing design, which turned out to be consonant with the path that is being followed in the East today. The purpose of the article is to summarize some of the results of the alternative "linguistic" understanding of design in the West and in the East. The subject of the study is the change in the ways of meaning formation in modern design. Research methods used in the article are: - methods of synchronous and asynchronous analysis, that allowed us to analyze transformations in the understanding of design, both historical and regional; - the method of generalization, including comparative analysis, allows to understand the difference in approaches to design and shaping in different regions. The article presents modern design as a multicultural process, where different regions contribute to the general "theory" of design. However, the current eastern way of design is heterogeneous. Here we can highlight the Japanese vision of design – the "meditative approach", which involves reflection of sensations, reliance on personal experience, as well as the Chinese vision of design that is just taking shape today. We see China's potential contribution to the development of design in the inclusion of "embodied mind" in the design process, when the correctness of the chosen solution is determined not only by speculative calculations, but "resonates" with the feelings of the designer and the customer, as well as in the concept of "living form", when not only compositional or functional connections between elements are seen, but also the coherence of their movements. The Chinese approach can be called "vitalizing".

Keywords: living form, meditative design, meaning-sensation, semiotics, embodied mind, Chinese design, design theory, Japanese design, semantic turn, meaning-making

Аннотация: Предмет исследования – отражение футурологического образа московского метро в произведениях изобразительного искусства дореволюционного периода, а также феномен художественной эволюции представлений о московском метро в работах художников и инженеров. В работе также коротко рассмотрены основные проекты московского метро, как визуализированные, так и нет. Среди источников стоит назвать чертежи из книги А. И. Антоновича, Н. И. Голиневича и Н. П. Дмитриева «Московская городская железная дорога. (Метрополитен)» (1902), иллюстрации Н. Н. Каразина к проекту метрополитена П. И. Балинского и Е. К. Кнорре (1902) и серию открыток компании «Эйнем» «Москва будущего» (1914). В работе использованы иконографический метод и метод стилистического и художественного анализа. Основное внимание будет уделено особенностям представлений авторов о будущем метрополитене и городе в целом. Научная новизна данной публикации заключается в том, что дореволюционные футурологические изображения московского метро будут проанализированы комплексно, будет показана связь более поздних работ с более ранними. Особым вкладом автора в исследование темы является введение в научный оборот работы Н. Н. Каразина «Вид Метрополитена со стороны Большого Каменного моста», которая известна только по фотокопии. Данная фотокопия публикуется в настоящей статье. Основным выводом исследования является то, что все изображения появились случайно, но каждая серия работ по своей причине. Все авторы также изображали Центральный вокзал на своих работах, который так и не был построен.

Ключевые слова: Метро, Метрополитен, Эйнем, Антонович, Каразин, Московский метрополитен, Московское метро, Транспорт, Балинский, Кнорре

Abstract: The subject of the research is the reflection of the futurological image of the Moscow metro in the works of fine art of the pre—revolutionary period, as well as the phenomenon of the artistic evolution of ideas about the Moscow metro in the works of artists and engineers. The paper will also briefly consider the main projects of the Moscow metro, both visualized and not. Among the sources it is worth mentioning drawings from the book by A. I. Antonovich, N. I. Golinevich and N. P. Dmitriev "Moscow City Railway. (Metro)" (1902), illustrations by N. N. Karazin to the project of the metro by P. I. Balinsky and E. K. Knorre (1902) and a series of postcards by the Einem company "Moscow of the Future" (1914). The iconographic method and the method of stylistic and artistic analysis are used in the work. The main attention will be paid to the peculiarities of the authors' ideas about the future of the metro and the city as a whole.   The scientific novelty of this publication lies in the fact that the pre-revolutionary futurological images of the Moscow metro will be analyzed comprehensively, the connection of later works with earlier ones will be shown. A special contribution of the author to the study of the topic is the introduction into scientific circulation of N. N. Karazin's work "View of the Subway from the side of the Bolshoy Kamenny Bridge", which is known only by photocopy. This photocopy is published in this article. The main conclusion of the study is that all the images appeared by chance, but each series of works for its own reason. All the authors also depicted the Central Station in their works, which was never built.

Keywords: Moscow metro, Moscow metropolitan, Karazin, Antonovich, Einem, Metropolitan, Metro, Transport, Balinsky, Knorre

Аннотация: Объектом исследования является проектирование упаковки чая в Китае. Предметом исследования выступает проблема формирования национального языка в дизайне упаковки чая в Китае. В ходе рассмотрения темы прослеживаются такие вопросы, как степень изученности рассматриваемой проблематики, краткая история предмета исследования, специфика современного взгляда на упаковку чая в Китае, основные факторы формирования подходов к разработке и проектированию упаковки чая с национальной спецификой, концепция «культурного и творческого продукта». Отдельно рассматривается проблема интеграции элементов традиционной культуры и эстетики в сферу современного дизайна чайной упаковочной продукции. Кроме того, дается анализ примеров удачного дизайна, в которых прослеживается грамотное и эффективное использование культурной традиции. Выявляются преимущества применения собственного языка упаковки чая как фактора продвижения продукта.  Исследование предполагает систематизацию имеющихся сведений по теории и истории дизайна упаковки чая в Китае. Используется комплексный подход с целью создать целостное представление о формировании в Китае собственного языка проектирования указанной продукции. Научная новизна исследования связана с тем, что впервые проводится изучение комплекса вопросов, связанных с проблемой формирования национального языка в дизайне упаковки чая в Китае. Вводятся в научный оборот отдельные образцы современного китайского дизайна упаковки чая. Основным вкладом автора в исследование темы является выявление оснований, определяющих особенности процесса развития собственного языка в дизайне упаковки чая в Китае на современном этапе. Основные выводы проведенного исследования: в настоящее время формирование собственного языка упаковки чая в Китае связано с актуализацией культурной традиции и духовного наследия, что связано с ориентацией производителей чая не только на китайского потребителя, но и на зарубежную аудиторию. Выработка национального языка в дизайне упаковки чая имеет характер адаптации традиционной культуры и эстетики, принципы которой определяются концепцией «культурного и творческого продукта».

Ключевые слова: творческий продукт, культурный продукт, проектирование, национальная культура, национальная традиция, упаковка чая, дизайн упаковки, китайский дизайн, духовное наследие, визуальная культура

Abstract: The object of the study is the design of tea packaging in China. The subject of the study is the problem of the formation of a national features in the design of tea packaging in China. During the research, such issues as the brief history of the subject of research, the specifics of the modern view of tea packaging in China, the main factors in the formation of approaches to the development and design of tea packaging with national specifics, the concept of a "cultural and creative product" are traced. The problem of integrating elements of traditional culture and aesthetics into the sphere of modern design of tea packaging products is considered separately. In addition, an analysis of examples of successful design is given, in which the competent and effective use of cultural tradition is traced. The advantages of using one's own tea packaging language as a product promotion factor are revealed. The study involves the systematization of available information on the theory and history of tea packaging design in China. An integrated approach is used to create a holistic view of the formation of China's own design language for these products. The scientific novelty of the study is due to the fact that for the first time a complex of issues related to the problem of forming a national language in tea packaging design in China is being studied. Individual samples of modern Chinese tea packaging design are being introduced into scientific circulation. The author's main contribution to the research of the topic is to identify the grounds that determine the features of the process of developing one's own language in tea packaging design in China at the present stage. The main conclusions of the study: currently, the formation of China's own tea packaging language is associated with the actualization of cultural tradition and spiritual heritage, which is associated with the orientation of tea producers not only to the Chinese consumer, but also to a foreign audience. The development of a national language in the design of tea packaging has the character of adapting traditional culture and aesthetics, the principles of which are determined by the concept of a "cultural and creative product".

Keywords: visual culture, spiritual heritage, creative product, cultural product, designing, national culture, national tradition, tea packaging, packaging design, Chinese design

Аннотация: «Китайский стиль» – это новая форма соединения китайского и западного стилей, сформировавшаяся на основе западного декоративного искусства после того, как большое количество китайских экспортируемых произведений искусства было импортировано в Европу в XVII–XVIII веках. В статье в качестве отправной точки взята знаменитая британская загородная усадьба XVIII века, а также объединены соответствующие элементы внутреннего убранства, для осуществления анализа влияния китайского дизайна на британские декоративные узоры и декоративные техники. «Китайский стиль» представляет собой инновационное сочетание китайского и западного искусства, основанное на западных декоративных методах. В статье, также проводится анализ влияния стиля «Шинуазри» как нового вида искусства, сочетающего традиционные китайские элементы с западными формами на британские декоративные методы, с акцентом на конкретное исследование данного феномена. Цель автора данного исследования заключается в изучении и ознакомлении читателей и научного сообщества с развитием и применением «Китайского стиля» в британских декоративных методах оформления интерьеров. Для достижения этой цели автор использует сравнительно-исторический, историко-культурологический методы, иконографический метод описания, а также стилистический анализ, проводит анализ исторических источников: исторических документов, изображений, артефактов и литературы. Методология исследования включает в себя комплексный подход к изучению исторического контекста и его влияния на становление британского интерьера. Эмпирическое обобщение материала позволяет сделать вывод о значимости приведенного исследования и влиянии «Китайского стиля» на современные декоративные методы разработки и дизайна интерьера в Британии. Новизна исследования заключается в применении сочетания методов, анализа исторических форм для изучения данной темы, мало изученной в сегменте российской исторической науки, что позволило получить результаты способные вызвать повышенный интерес к становлению британского интерьера у специалистов. Автор подчеркивает важность умения мастеров дизайна и архитекторов объединять элементы итальянского и британского дизайна для создания уникального интерьера. Особый вклад автора заключается в анализе исторических материалов, практических примеров успешного применения "Китайского стиля" в британских интерьерах, что делает данную статью ценным исследованием для дизайнеров и любителей интерьерного искусства.

Ключевые слова: китайская комната, китайский стиль, Британия, декоративное искусство, мебельная фурнитура, мебель, современные применения, шинуазри, дизайн интерьера, экзотика

Abstract: "Chinese style" is a new form of combining Chinese and Western styles, formed on the basis of Western decorative art after a large number of Chinese exported works of art were imported to Europe in the XVII–XVIII centuries. The article takes the famous British country estate of the XVIII century as a starting point, and combines the relevant elements of interior decoration to analyze the influence of Chinese design on British decorative patterns and decorative techniques. "Chinese Style" is an innovative combination of Chinese and Western art based on Western decorative techniques.The article also analyzes the influence of the Chinoiserie style as a new art form combining traditional Chinese elements with Western forms on British decorative methods, with an emphasis on a specific study of this phenomenon.The purpose of the author of this study is to study and familiarize readers and the scientific community with the development and application of the "Chinese style" in British decorative methods of interior design. To achieve this goal, the author uses comparative historical, historical and cultural methods, iconographic method of description, as well as stylistic analysis, analyzes historical sources: historical documents, images, artifacts and literature. The research methodology includes a comprehensive approach to the study of the historical context and its impact on the formation of the British interiors. An empirical generalization of the material allows us to conclude about the significance of the above research and the influence of the "Chinese style" on modern decorative methods of interior design and design in Britain. The novelty of the research lies in the application of a combination of methods, analysis of historical forms to study this topic, which has been little studied in the segment of Russian historical science, which allowed us to obtain results that can arouse increased interest in the formation of the British interior among specialists. The author emphasizes the importance of the ability of design masters and architects to combine elements of Italian and British design to create a unique interior. The author's special contribution lies in the analysis of historical materials, practical examples of the successful application of the "Chinese style" in British interiors, which makes this article a valuable study for designers and lovers of interior art.

Keywords: interior design, Chinoiserie, modern applications, furniture, furniture fittings, decorative art, Britain, Chinese style, chinese room, exotic

Аннотация: В данной статье проводится исследование типологических признаков визуальной территориальной айдентики с позиции содержания и с позиции формы, а также подходов к созданию территориальной айдентики, сравнение с материала с уже существующими теоретическими моделями. Отмечается, что исследуемая область отличается слабой проработкой в области науки, фундаментальные труды русскоязычных авторов в этой сфере практически отсутствуют. По результатам выделения авторских типологий современных эмблем территорий (с позиции формы и смысла) сформирован алгоритм проектирования территориальной айдентики. Отмечается, что разделение формы и содержания в анализе и проектировании такой символики чрезвычайно важно с точки зрения корректного прочтения и отражения смысла, а обособленное рассмотрение этих аспектов является корректным для искусствоведческого анализа подходом. В работе применяется комплексный подход к объекту исследования – искусствоведческий анализ, аналитический метод, метод сравнения, теория систем по (С. Л. Оптнеру). Кроме этого, в работе применяется метод синтеза, принцип наглядности, метод типологии. В статье представлена авторская классификация типологических признаков территориальной айдентики с позиции формы и содержания, впервые в технической эстетике эти два важных фактора формообразования разделены. Материал представлен в форме таблиц с развернутым содержанием, а также рисунков; проведён сравнительный анализ с уже существующими классификациями территориальной айдентики, представленной другими авторами, в которых выявлены неточности. Сформулированы наиболее актуальные подходы к созданию современной визуальной айдентики мест – синтезирующий, официально-символический, национально-культурный и природно-климатический, получившие такие названия с точки зрения заложенного смысла. На основе выделенных в статье подходов к формированию современной территориальной айдентики также разработан практический алгоритм разработки современных эмблем территорий и их графической идентичности.

Ключевые слова: территориальная айдентика, эмблема, содержание, форма, смысл, идея, дизайн, типологический признак, композиция, символ

Abstract: This article conducts a study of the typological features of visual territorial identity from the perspective of content and from the perspective of form, as well as approaches to its creation, on the basis of which a design algorithm is further formulated. It is noted that the separation of form and content in the analysis and design of such symbolism is extremely important from the point of view of correct reading and reflection of meaning, and a separate consideration of these aspects is a correct approach for art historical analysis. The article presents the author's classification of the typological features of territorial identity from the perspective of form and content; for the first time in technical aesthetics, these two important factors of formation are separated. The material is presented in the form of tables with detailed content, as well as figures; a comparative analysis was carried out with existing classifications of territorial identity, in which inaccuracies were identified. The most relevant approaches to creating modern visual identities of places are formulated – synthesizing, official-symbolic, national-cultural and natural-climatic, which received such names from the point of view of the underlying meaning. Based on the approaches to the formation of modern territorial identity highlighted in the article, a practical algorithm for the development of modern emblems of territories and their graphic identity has also been developed. This article conducts a study of the typological features of visual territorial identity from the position of content and from the position of form, as well as approaches to creating territorial identity, comparing the material with existing theoretical models. It is noted that the area under study is characterized by weak research in the field of science; fundamental works of Russian-speaking authors in this area are practically absent.

Keywords: typological feature, design, idea, meaning, form, content, emblem, territorial identity, composition, symbol

Аннотация: Настоящая статья является частью более крупного исследования дизайна как культурного феномена. В данной части исследования автор рассматривает процесс, который в настоящее время происходит в семиотической структуре дизайна, связанный с активным внедрением нейросетей в создание визуального контента. Продукция искусственного интеллекта стилистически уводит дизайн от симулякра четвертого порядка (от стилистики плоского дизайна) и возвращает дизайн к использованию симулякра третьего порядка в качестве основной знаковой формы. Объектом исследования является изменение семиотической системы дизайна под влиянием нейросетей. Предмет исследования – возвращение к симулякру третьего порядка в семиотической системе современного дизайна. Цель исследования: показать и попытаться объяснить, каким образом в семиотической системе современного дизайна происходит возвращение к использованию симулякра третьего порядка. Методом исследования является семиотический анализ современного дизайна, основанный на методике семиотического анализа Р. Барта. Также исследование опирается на теорию Ж. Бодрийяра о семиозисе в гиперреальности и трех порядках симулякров. Философское обоснование искусства нейросетей автор видит в концепции плоских онтологий. Исследование семиотической структуры дизайна позволяет увидеть, что логика развития дизайна проводит данный феномен через последовательные ступени семиозиза, связанные с уменьшением смысла и умалением бытия. В своем развитии дизайн последовательно использует в качестве основной знаковой формы сначала знаки-индексы, симулякр второго порядка, потом симулякр третьего порядка. В наши дни основной знаковой формой в дизайне стал симулякр четвертого порядка. Далее дизайн должен был или завершиться как профессия и феномен, или перейти в новую культурную парадигму, не связанную с симуляцией. Однако в настоящее время в дизайне начали происходить неожиданные трансформации, обусловленные активным привлечением нечеловеческих агентов – нейросетей – к созданию визуального контента. Продукты нейросетей являются типичным примером симулякра третьего порядка. Благодаря использованию нейросетей современный дизайн окончательно обретает вектор трансгуманизма и замыкается в симуляции.

Ключевые слова: Дизайн, нейросети, искусственный интеллект, симулякр, симуляция, семиотическая система, плоские онтологии, трансцендентное, постмодерн, метамодернизм

Abstract: This article is part of a larger study of design as a cultural phenomenon. In this part of the study, the author examines the process that is currently taking place in the semiotic structure of design, associated with the active introduction of neural networks into the creation of visual content. Artificial intelligence products stylistically take the design away from the fourth-order simulacrum (from the flat design style) and return the design to using the third-order simulacrum as the main iconic form.The object of the research is the transformation of the semiotic design system. The subject of the study is a return to the third–order simulacrum in modern design. The purpose of the study is to show and try to explain how in modern design there is a return to the use of a third-order simulacrum. The research method is a semiotic analysis of modern design based on the methodology of R. Barth's semiotic analysis. The study is also based on J. Baudrillard's theory of semiosis in hyperreality and three orders of simulacra. The author sees the philosophical justification of the art of neural networks in the concept of flat ontologies. The study of the semiotic structure of design allows us to see that the logic of design development carries this phenomenon through successive stages of semiosis associated with a decrease in meaning and a diminution of being. In its development, the design consistently uses first index signs, a second-order simulacrum, then a third-order simulacrum as the main sign form. Nowadays, the main iconic form in design has become a fourth-order simulacrum. Next, design had to either end as a profession and phenomenon, or move into a new cultural paradigm that was not related to simulation. However, unexpected transformations have begun to occur in design, due to the active involvement of non–human agents - neural networks – in the creation of visual content. Neural network products are a typical example of a third-order simulacrum. Thanks to the use of neural networks, modern design finally acquires the vector of transhumanism and closes in simulation.

Keywords: flat ontologies, semiotic system, simulation, simulacrum, artificial intelligence, transcendence, neural networks, Design, postmodern, metamodernism

Аннотация: Объектом исследования является культурное пространство города. Предметом исследования являются морфологические свойства и мифологические сюжеты культурного пространства города (на примере г. Комсомольска-на-Амуре). Автор подробно рассматривает комплексное изучение культурного пространства города в призме историко-культурного, философско-культурологического, психоаналитического, символического, лингвистического и семиологического подходов. Сформирован авторский способ исследования городского пространства, базирующийся на линии мифа (лемниската Бернулли). Изучены и рассмотрены литературные, художественные произведения для выявления архетипических моделей и их морфологических свойств города Комсомольска-на-Амуре. Выявлены некоторые мифологические сюжеты и способы преобразования культурного пространства. Особое внимание уделяется анализу художественных текстов для выявления художественного образа культурного пространства города. Представлено описание ряда архитектурных объектов и интерпретация некоторых декоративных элементов. В исследовании используются традиционные подходы к изучению культурного пространства города, а также предпринимается попытка дополнить границы исследования на основе интерпретации мифических сюжетов, мифологемы с использованием технематической составляющей – Лемнискатой Бернулли. Научная новизна исследования заключается в том, что на основе традиционных и технематических подходов исследовано культурное пространство города Комсомольска-на-Амуре на основе анализа мифологических сюжетов города Комсомольска-на-Амуре, художественных текстов, литературных и архитектурных произведений. Выявлены морфологические свойства культурного пространства города. Основным выводом исследования является то, что используя междисциплинарный подход в изучении культурного пространства города выявлены возможности в его идентификации. С помощью технематичности или математического анализа, интерпретации литературных и художественных текстов, а также разностороннего комплексного изучения архитектурных объектов и его декоративных, выразительных средств стало возможным трактовать эти знания как способ преобразования культурного пространства города. Данное исследование открывает возможности для более тщательного изучения линии мифа как одного из возможных вариантов преобразования пространства города, сохранении исторического, архитектурного, художественного и литературного наследия.

Ключевые слова: культурное пространство города, морфология культуры, миф, мифологический сюжет, архетип, архетипическая модель, советский город, Лемниската Бернулли, мифологема, технематичность

Abstract: The object of the study is the cultural space of the city. The subject of the study is the morphological properties and mythological plots of the cultural space of the city (using the example of Komsomolsk-on-Amur). The author examines in detail the complex study of the cultural space of the city in the prism of historical-cultural, philosophical-cultural, psychoanalytic, symbolic, linguistic and semiological approaches. The author's method of exploring urban space has been formed, based on the line of myth (lemniscata Bernoulli). Literary and artistic works have been studied and reviewed to identify archetypal models and their morphological properties of the city of Komsomolsk-on-Amur. Some mythological plots and ways of transforming cultural space are revealed. Special attention is paid to the analysis of artistic texts to identify the artistic image of the cultural space of the city. The description of a number of architectural objects and the interpretation of some decorative elements are presented. The study uses traditional approaches to the study of the cultural space of the city, and also attempts to complement the boundaries of the study based on the interpretation of mythical plots, mythologems using a technematic component – the Bernoulli Lemniscate. The scientific novelty of the research lies in the fact that on the basis of traditional and technematic approaches, the cultural space of the city of Komsomolsk-on-Amur is studied based on the analysis of mythological plots of the city of Komsomolsk-on-Amur, artistic texts, literary and architectural works. The morphological properties of the cultural space of the city are revealed. The main conclusion of the study is that using an interdisciplinary approach in the study of the cultural space of the city, opportunities for its identification have been identified. With the help of technematics or mathematical analysis, interpretation of literary and artistic texts, as well as a comprehensive study of architectural objects and its decorative, expressive means, it became possible to interpret this knowledge as a way to transform the cultural space of the city. This study opens up opportunities for a more thorough study of the myth line as one of the possible options for transforming the city's space, preserving historical, architectural, artistic and literary heritage.

Keywords: technematics, mythologeme, Lemniscata Bernoulli, the Soviet city, The archetypal model, The archetype, mythological plot, The myth, the cultural space of the city, morphology of culture

Аннотация: Объектом исследования является современный дизайн как феномен культуры. Предметом исследования является дизайн как метаязык современного информационного пространства – гиперреальности. Актуальность исследования детерминирована глобализацией общения, характерной для современной социокультурной ситуации: сегодня общение происходит в гиперреальности, что делает национальные языки частным случаем коммуникации – весь мир начинает общаться на метаязыке, понятном в любой точке мира, и сегодня таким универсальным языком становится дизайн. Новизна исследования обусловлена самой постановкой вопроса: до сих пор дизайн не рассматривался как метаязык гиперреальности. Кроме того, в исследовании выявлены проблемы современного дизайна, связанные с современным этапом его функционирования в гиперреальности. Цель исследования – показать, что в условиях глобализированной гиперреальности дизайн становится метаязыком, семиотической системой, надстроенной над семиотической системой, которой является современное информационно-коммуникационное пространство. Основным методом исследования является семиотический анализ дизайн-среды. Исследование, в основном, базируется на материале современного плоского дизайна, который является наиболее репрезентативной формой существования дизайна в настоящее время. Основные выводы исследования: социокультурной средой современного человека является гиперреальность. Гиперреальность является метаязыком по отношению к первичной реальности. Но сама гиперреальность в качестве основного языка использует метаязык, этим метаязыком является дизайн. Дизайн надстраивает над миром вещей систему образов и коннотаций, так создается метаязык, или семиотическая система дизайна. В качестве основной знаковой формы современный дизайн использует знаки-симулякры, так как гиперреальность в своем развитии стремится дистанцироваться от первичной реальности, и вырабатывает свою синтаксическую и парадигматическую структуру, принципиально отличающуюся от первичной реальности. Уникальность дизайна как метаязыка заключается в использовании симулякров, знаков, принципиально не выразительных, не приспособленных для адекватной передачи информации.

Ключевые слова: гиперреальность, дизайн, метаязык, симулякр, семиотическая система, коммуникация, язык, навигация, модернизм, информационное пространство

Abstract: The object of the study is modern design as a cultural phenomenon. The subject of the study is design as a metalanguage of the modern information space – hyperreality. The relevance of the research is determined by the globalization of communication, characteristic of the modern socio–cultural situation: today communication takes place in hyperreality, which makes national languages a special case of communication - the whole world begins to communicate in a metalanguage understandable anywhere in the world, and today design becomes such a universal language. The novelty of the research is due to the very formulation of the question: until now, design has not been considered as a metalanguage of hyperreality. In addition, the study reveals the problems of modern design associated with the modern stage of its functioning in hyperreality.The purpose of the study is to show that in the conditions of globalized hyperreality, design becomes a metalanguage, a semiotic system built on top of the semiotic system, which is the modern information and communication space. The main method of research is the semiotic analysis of the design environment. The research is mainly based on the material of modern flat design, which is the most representative form of the existence of design at the present time. The main conclusions of the study: the socio-cultural environment of modern man is hyperreality. Hyperreality is a metalanguage in relation to primary reality. But hyperreality itself uses a metalanguage as the main language, this metalanguage is design. Design builds a system of images and connotations over the world of things, thus creating a metalanguage, or semiotic system of design. Modern design uses simulacra signs as the main sign form, since hyperreality in its development tends to distance itself from the primary reality, and develops its syntactic and paradigmatic structure, which is fundamentally different from the primary reality. The uniqueness of design as a metalanguage lies in the use of simulacra, signs that are fundamentally not expressive, not adapted for adequate transmission of information.

Keywords: modernism, navigation, language, communication, semiotic system, simulacrum, metalanguage, design, hyperreality, information space

Аннотация: Объектом исследования является культура в части её эстетической составляющей (искусства и дизайна). Предметом исследования является дизайн как феномен культуры. Автор предполагает, что дизайн с философской точки зрения содержит смыслы, которые не описываются традиционным рядом эстетических категорий. Автор проводит демаркацию категорий «дизайн» с категориями «искусство» и «эстетическое», последовательно выявляя отличия по следующим параметрам: 1. функциональное отличие; 2. отличие происхождения; 3. семиотическое отличие. Отграничив категорию дизайн от категории искусство, автор выявляет специфическую семиургическую сущность категории дизайн. Семиургичность дизайна связана с проективной деятельностью, то есть деятельностью по созданию новых знаков. Дизайн связан с проектированием вторичной реальности и постепенным удваиванием мира. Основным выводом исследования является попытка выведения формулы философского содержания категории «дизайн». Философская категория «дизайн» связана с эстетической организацией вторичной реальности и характеризуется проективностью (ориентацией на новацию), транзитивностью (ориентацией на реальное применение), функциональностью (направленностью на оптимальное применение), имманентностью (отсутствием связей с трансцендентным) и семиургичностью – функцией создания новых знаков. Семиургичность дизайна заключается в постоянном воспроизводстве самого себя, так как в дискурсе дизайна «новое» становится синонимом дизайна и утрачивает смысл диалектического отрицания «старого». Дизайн связан с символическим удваиванием мира. Причем это удваивание не увеличивает смысл и ценность бытия, а, напротив, усиливает иллюзорность бытия, так как дизайн, в отличие от искусства, не связан с указанием на трансцендентную реальность.

Ключевые слова: Дизайн, искусство, эстетическое, категории эстетики, семиотика, семиургия, трансцендентное, символическое удваивание, модернизм, постмодерн

Abstract: The object of the study is culture in terms of its aesthetic component (art and design). The subject of the study is design as a cultural phenomenon. The author suggests that design from a philosophical point of view contains meanings that are not described by the traditional number of aesthetic categories. The author demarcates the categories "design" with the categories "art" and "aesthetic", consistently identifying differences in the following parameters: 1. functional difference; 2. difference of origin; 3. semiotic difference. Having distinguished the design category from the art category, the author reveals the specific semiurgical essence of the design category. Semiurgic design is associated with projective activity, that is, the activity of creating new signs. Design is associated with the design of secondary reality and the gradual doubling of the world. The main conclusion of the study is an attempt to derive the formula of the philosophical content of the category "design". The philosophical category "design" is associated with the aesthetic organization of secondary reality and is characterized by projectivity (orientation to innovation), transitivity (orientation to real application), functionality (orientation to optimal application), immanence (lack of connections with the transcendent) and semiurgicity – the function of creating new signs. The semiurgic nature of design lies in the constant reproduction of itself, since the discourse of design "new" becomes synonymous with design and loses the meaning of the dialectical negation of "old". The design is associated with the symbolic doubling of the world. Moreover, this doubling does not increase the meaning and value of being, but, on the contrary, enhances the illusory nature of being, since design, unlike art, is not associated with pointing to a transcendent reality.

Keywords: symbolic doubling, transcendent, semiurgy, semiotics, categories of aesthetics, aesthetic, art, Design, modernism, postmodern

Аннотация: Объектом данного исследования является дизайн как культурный феномен и его историческое формирование. Предметом исследования является модернистская дизайн-эпистема, которая начала свое формирование в парадигме модерна. Цель исследования – показать, что в проекте модерна развитие дизайна как культурного феномена не было жестко детерминировано, и могло пойти по другому пути. Однако исторический выбор был сделан в пользу американского функционализма и европейского интернационального дизайна. Интернациональный дизайн создает предметную и информационную среду, которая подходит для любой страны, вне зависимости от культурного контекста. Такой дизайн отвечает целям глобализации. При этом сущность дизайна допускает и такое применение, как эстетизация действительности и сохранение культурной идентичности. Основной вывод исследования заключается в том, что историческое развитие феномена дизайна могло пойти по другому пути. Нынешнее состояние дизайна определяется вектором глобализации, который был задан при переходе от модерна к модернизму. Данный вектор является результатом выбора в пользу функционализма, стиля, который отвечает идеологии глобализации, трансформации общества в однородную потребительскую среду. Именно в период модерна генезис дизайна мог пойти по другому пути, так как изначально модерн был проектом эстетизации и одухотворения предметной среды, однако, история сложилась так, что дизайн выбрал вектор развития, связанный с функционализмом. С данным выводом связана научная новизна исследования, так как до сих пор история дизайна интерпретировалась однозначно, с позиций преимущества интернационального стиля и функционализма. В то время как феномен дизайна шире, и может включать в себя возможности сохранения культурной идентичности, которая обсуждалась в эпоху модерна.

Ключевые слова: Дизайн, модерн, модернизм, функционализм, интернациональный стиль, глобализация, культурная идентичность, дизайн-эпистема, эстетизация, среда

Abstract: The object of this research is design as a cultural phenomenon and its historical formation. The subject of the study is the modernist design episteme, which began its formation in the paradigm of modernity. The purpose of the study is to show that in the modernist project, the development of design as a cultural phenomenon was not rigidly determined, and could have taken a different path. However, the historical choice was made in favor of American functionalism and European international design. International design creates a subject and information environment that is suitable for any country, regardless of the cultural context. This design meets the goals of globalization. At the same time, the essence of design also allows for such applications as the aestheticization of reality and the preservation of cultural identity. The main conclusion of the study is that the historical development of the design phenomenon could have taken a different path. The current state of design is determined by the vector of globalization, which was set during the transition from to modernism. This vector is the result of a choice in favor of functionalism, a style that meets the ideology of globalization, the transformation of society into a homogeneous consumer environment. It was during the Art Nouveau period that the genesis of design could have taken a different path, since Art Nouveau was originally a project of aestheticization and spiritualization of the subject environment, however, history has developed so that design has chosen a vector of development associated with functionalism. The scientific novelty of the study is connected with this conclusion, since so far the history of design has been interpreted unambiguously, from the standpoint of the advantages of international style and functionalism. While the phenomenon of design is broader, and may include the possibility of preserving cultural identity, which was discussed in the modern era.

Keywords: environment, aestheticization, design episteme, cultural identity, globalization, international style, functionalism, modernism, Art Nouveau, Design

Аннотация: Хэнаньский музей является одним из первых музеев Китая, в условиях непрерывного развития технологий большинство музейных пространств требуют современного дизайна. В сегодняшней быстро развивающейся среде музейных брендов для данного музея необходим современный дизайн. Данная работа посвящена разработке новой концепции дизайна музейного пространства Хэнань, зала музыкальных инструментов Великого Шелкового пути, в целях разработки рекомендаций для дальнейшего продвижения бренда в области туристической привлекательности и развития местной экономики. Объектом исследования является музей провинции Хэнань, Китай, предметом является влияние бренда музея на популяризацию древнекитайской культуры. Приведен анализ некоторых азиатских музеев, описаны этапы становления музея, разработаны элементы ребрендинга: логотип, буклет, плакат, сайт, рекламная продукция музея. Предложена концепция дизайна помещения выставочного зала «Музыкальные инструменты Великого Шелкового пути», сделаны визуализации и создан видео облёт помещения зала, с наглядным представлением экспонатов для дистанционного доступа и просмотра. Был использован ситуационный подход к организации среды при разработке дизайна музейного пространства. Научная новизна и теоретическая значимость исследования заключается в ребрендинге музея культуры, в разработке новой концепции оформления выставочного зала музейного пространства Хэнаньского музея. Обсуждены некоторые современные тенденции развития дизайна музейного пространства на примере отечественных и зарубежных музеев.

Ключевые слова: музей, история музея, этапы становления, дизайн концепция, музейное пространство, бренд музея, логотип, буклет, компьютерная модель, визуализация

Abstract: The Henan Museum is one of the first museums in China which requires modernization of its design. This work is devoted to the development of a new design concept for the Henan Museum space, the hall of musical instruments of the Great Silk Road, in order to develop recommendations for further brand promotion in the field of tourist attractiveness and the development of the local economy. The object of the study is the museum of Henan Province, China, the subject is the influence of the museum brand on the popularization of ancient Chinese culture. The analysis of some Asian museums is given, the stages of the museum's formation are described, the elements of rebranding are developed: logo, booklet, poster, website, advertising products of the museum. The concept of the design of the exhibition hall "Musical Instruments of the Great Silk Road" was proposed, visualizations were made and a video flight of the hall was created, with a visual representation of the exhibits for remote access and viewing. A situational approach to the organization of the environment was used when developing the design of the museum space. The scientific novelty and theoretical significance of the research lies in the rebranding of the Museum of Culture, in the development of a new concept for the design of the exhibition hall of the museum space of the Henan Museum. Some modern trends in the development of museum space design on the example of domestic and foreign museums are discussed.

Keywords: rendering, computer model, booklet, logo, museum space, history of the museum, stages of formation, the brand of the museum, design concept, the museum

Аннотация: Предметом исследования в данной статье являются концепции, направления и определения урбанистического дизайна, существующие в разных странах на сегодняшний день. Новизна исследования заключается в выявлении их особенностей и проблем, связанных с отсутствием единого теоретического и методологического подхода к урбанистическому дизайну. Рассматриваются основные тенденции городского дизайна, принципы формирования городских пространств, предлагаются категории и понятия дизайн-проектирования, отражающие средовые ценности урбанистической среды. Предпринята попытка показать, что эти противоречия могут быть решены путем расширения проблемного поля городского дизайна за счёт включения экологических, антропологических и психологических вопросов для создания инновационных проектов дизайна. Именно в ценностных установках наиболее ярко проявляются различия многих концепций.   Обосновывается необходимость комплексного подхода к дизайну городской среды. Для этого предложена стратегия городского дизайна, обобщающая ключевые современные научные и прикладные точки зрения в этой области. В ней определены связи, совпадения и взаимодополняемость между различными концептуальными подходами, акцент сделан на человекоцентрированный дизайн и инновации. Она ориентирована на моделирование фактически новой синтетической среды, обладающей повышенными комфортными показателями без ущерба для природного окружения. Актуальность такого подхода обусловлена распространённым мнением о невозможности достижения экологического равновесия в рамках городского поселения. Результатом исследования явилось выявление основных тем и проблем, которые урбанистический дизайн способен решить на современном этапе.

Ключевые слова: урбанистический дизайн, проблематизация, городская среда, многомерность, многофункциональность, стратегия, методология, комплексный подход, ценности, экологичность

Abstract: The subject of research in this article is the concepts, directions and definitions of urban design that exist in different countries today. The novelty of the study is to identify their features and problems associated with the lack of a unified theoretical and methodological approach to urban design. The main trends of urban design, the principles of the formation of urban spaces are considered, categories and concepts of design reflecting the environmental values of the urban environment are proposed. An attempt is made to show that these contradictions can be solved by expanding the problem field of urban design by including environmental, anthropological and psychological issues to create innovative design projects. It is in the value attitudes that the differences of many concepts are most clearly manifested. The necessity of an integrated approach to the design of the urban environment is substantiated. For this purpose, a strategy of urban design is proposed, summarizing the key modern scientific and applied points of view in this area. It defines the connections, coincidences and complementarities between different conceptual approaches, the emphasis is on human-centered design and innovation. It is focused on modeling a virtually new synthetic environment with increased comfort indicators without compromising the natural environment. The relevance of this approach is due to the widespread opinion that it is impossible to achieve ecological balance within an urban settlement. The result of the study was the identification of the main themes and problems that urban design is able to solve at the present stage.

Keywords: environmental friendliness, values, an integrated approach, methodology, strategy, multifunctionality, urban environment, multidimensionality, problematization, urban design

Аннотация: Предметом исследования является дизайн-эпистема – система логических связей и способов формирования понятий внутри семиотической системы дизайна. Дизайн-эпистема рассматривается в динамике: в настоящее время в дизайне намечается логический тупик, инспирированный идеологией модернизма. Идеология модернизма в своем логическом развитии приводит семиотическую систему дизайна к использованию знаков-симулякров, что, в свою очередь, приводит к практику дизайна к концу. Выходом из сложившейся ситуации может стать поворот развития дизайн-эпистемы к принципиально другому полюсу мышления. Автор использует метод семиотического анализа, который позволяет выявить основной тип знаков, который используется в современной дизайн-эпистеме. Кроме того, методологическим основанием исследования является концепт Платона о мире идей в приложении к современному дизайну. В качестве корпуса материала приводятся примеры эстетического релятивизма в современном дизайне, данные примеры эксплицируют расфокусировку дизайн-эпистемы.      Основной вывод исследования заключается в том, что современная дизайн-эпистема находится в логическом тупике из-за использования в качестве основной знаковой формы симулякра четвертого порядка. Симулякр четвертого порядка – это знак, который не только не отсылает к внутреннему референту, но и внешняя форма которого стремится к нулю. Такой знак не подразумевает существование дизайна как принципа организации и оформления взаимодействия означающего и означаемого в знаке. Дизайн-эпистема, не подразумевающая дизайна, находится в состоянии расфокусировки. Способом заново собрать дизайн-эпистему является переход в другую парадигму. Из материалистической и горизонтально ориентированной парадигмы модернизма дизайн-эпистема должна перейти в вертикально ориентированную парадигму. Основа построения мышления в сфере дизайна в вертикально ориентированной системе – концепт Платона о мире идей.

Ключевые слова: Модернизм, дизайн, эпистема, симулякр, эйдос, гиперреальность, знак, трансцендентное, означаемое, означающее

Abstract: The subject of the study is a design episteme - a system of logical connections and ways of forming concepts within a semiotic design system. The design episteme is considered in dynamics: currently, a logical impasse is being outlined in design, inspired by the ideology of modernism. The ideology of modernism in its logical development leads the semiotic system of design to the use of signs-simulacra, which, in turn, leads to the practice of design to the end. The way out of this situation may be a turn in the development of the design episteme to a fundamentally different pole of thinking. The author uses the method of semiotic analysis, which allows to identify the main type of signs that is used in the modern design episteme. In addition, the methodological basis of the study is Plato's concept of the world of ideas as applied to modern design. Examples of aesthetic relativism in modern design are given as the body of the material, these examples explicate the defocusing of the design episteme. The main conclusion of the study is that the modern design episteme is in a logical impasse due to the use of a fourth-order simulacrum as the main sign form. A fourth–order simulacrum is a sign that not only does not refer to an internal referent, but also whose external form tends to zero. Such a sign does not imply the existence of design as a principle of organization and design of the interaction of the signifier and the signified in the sign. The design episteme, which does not imply design, is in a state of defocusing. The way to reassemble the design episteme is to switch to a different paradigm. From the materialistic and horizontally oriented paradigm of modernism, the design episteme should move into a vertically oriented paradigm. The basis for building thinking in the field of design in a vertically oriented system is Plato's concept of the world of ideas.

Keywords: signifier, signified, transcendent, sign, hyperreality, eidos, simulacrum, episteme, design, Modernism

Аннотация: Предметом исследования в данной статье является феномен многофункциональных предметов и объектов среды. Новизна исследования заключается в выявлении их особенностей и тенденций, связанных с отсутствием единого и методологического подхода в теории и практике дизайна. В связи с этим рассмотрены вопросы, связанные с принципом многофункциональности в отдельных видах дизайна. Освещаются различные составляющие многофункционального дизайн-проектирования как прогрессивного и доступного симбиоза дизайнерских решений. Выяснено, что современное дизайн-проектирование ориентировано на создание как отдельных объектов, включающих в себя более одной функции, так и среды в целом. Актуальность данной тематики заключена в невозможности организовать комфортную городскую среду с помощью отдельных композиций. Поэтому созрела идея интегрированного подхода, организации среды обитания человека дизайн-средствами на основе многофункциональности и многогранного изучения данного вопроса. Результатом исследования явилась систематизация разрозненных знаний, выявление общих условий и факторов формирования многофункциональных объектов и среды: эффективность, комфорт, удобство, эргономичность при пользовании или юзабилити, модульный принцип и технологичность. Определение многофункциональности как базового принципа дизайн-проектирования позволит расширить спектр проблематики дизайн-проектирования, его типологизацию, взаимоадаптивность и универсальность креативного подхода в работе.

Ключевые слова: юзабилити, модульный принцип, дизайн-проектирование, универсальность, функция в дизайне, Многофункциональность, эргономика, технологичность, предметный дизайн, дизайн среды

Abstract: The subject of research in this article is the phenomenon of multifunctional objects and objects of the environment. The novelty of the research lies in identifying their features and trends associated with the lack of a unified and methodological approach in the theory and practice of design. In this regard, the issues related to the principle of multifunctionality in certain types of design are considered. Various components of multifunctional design as a progressive and affordable symbiosis of design solutions are highlighted. It was found out that modern design design is focused on the creation of both individual objects that include more than one function, and the environment as a whole. The relevance of this topic lies in the inability to organize a comfortable urban environment with the help of individual compositions. Therefore, the idea of an integrated approach, the organization of the human habitat by design means on the basis of multifunctionality and a multifaceted study of this issue has matured. The result of the study was the systematization of disparate knowledge, the identification of common conditions and factors for the formation of multifunctional objects and environments: efficiency, comfort, convenience, ergonomics in use or usability, modular principle and manufacturability. The definition of multifunctionality as the basic principle of design will expand the range of design design issues, its typologization, mutual adaptability and universality of the creative approach in work.

Keywords: subject design, manufacturability, ergonomics, usability, modular principle, design, versatility, function in design, Multifunctionality, environment design

Аннотация: В статье приводятся результаты системного анализа визуальной идентификации выставочных проектов и выявляется специфика проектирования выставочной айдентики, которая является важным средством коммуникации, привлекающим посетителей. В рамках данной статьи авторы ставят задачу обобщения опыта идентификации выставочных проектов и выявления специфики проектирования выставочной айдентики.Предметом исследования является айдентика современных выставочных проектов России, Германии, Финляндии, Австралии и Китая, в которых все элементы, начиная от логотипа, полиграфической продукции, сайта до оформления пространства экспозиций взаимосвязаны и представляют собой единый комплекс. Анализируются проекты, созданные в крупных музеях, имеющих узнаваемый бренд и сложившуюся репутацию у посетителей, так и небольшие выставочные проекты, организаторы которых могут затрачивать минимальные средства на реализацию. На основе финского опыта проектирования музейной айдентики систематизируются современные подходы к созданию выставочных проектов различной направленности, в которых экспозиция и носители информации о ней проектируются как единая система, в которой формообразование, типографика и визуальные метафоры формируют единое образное решение, расширяя возможности носителей рекламной информации о выставочном проекте и задействуя новые каналы передачи информации. Делается вывод о специфике выставочной айдентики и факторах, ее детерминирующих: специфичность выставки как специального мероприятия предопределяет комплексный подход к разработке айдентики для обеспечения синергийного взаимодействия элементов системы визуальной идентификации.

Ключевые слова: визуальная идентификация, экспозиция, выставка, экспозиционный дизайн, айдентика, коммуникация, проектирование, формообразование, графический дизайн, типографика

Abstract: The article presents the results of a systematic analysis of the visual identification of exhibition projects and identifies the specifics of designing an exhibition identity, which is an important means of communication that attracts visitors. Within the framework of this article, the authors set the task of generalizing the experience of identifying exhibition projects and identifying the specifics of designing an exhibition identity.The subject of the study is the identity of modern exhibition projects in Russia, Germany, Finland, Australia and China, in which all elements, from the logo, printing products, website to the design of the expositions space are interconnected and represent a single complex. The projects created in large museums with a recognizable brand and established reputation among visitors are analyzed, as well as small exhibition projects, the organizers of which can spend minimal funds on implementation. Based on the Finnish experience of designing museum identity, modern approaches to the creation of exhibition projects of various orientations are systematized, in which the exposition and media about it are designed as a single system in which shaping, typography and visual metaphors form a single imaginative solution, expanding the possibilities of advertising media about the exhibition project and using new channels of information transmission. The conclusion is made about the specifics of the exhibition identity and the factors determining it: the specificity of the exhibition as a special event determines an integrated approach to the development of identity to ensure the synergistic interaction of elements of the visual identification system.

Keywords: typography, graphic design, shaping, designing, communication, identity, exposition design, exhibition, exposition, visual identification

Аннотация: В статье раскрывается тема творчества Алекса Штайнванса — графического дизайнера (1917 -2011), работавшего в США в области музыкальной индустрии. Исследуются причины и следствия возникновения нового направления в графическом дизайне, связанного с оформлением обложек музыкальных альбомов (cover design), проводится анализ некоторых обложек, созданных дизайнером в 40-ых годах XX века. Так же в статье представлен краткий обзор эволюции носителей звукозаписи и изделий упаковочного производства для них. Предметом исследования является искусство Алекса Штайнвайса. Объектом исследования выступают конверты для виниловых пластинок LP, оформленные дизайнером в период его работы в кампании Colambia Record (1930-1940- ые годы). Актуальность исследования можно объяснить новой волной интереса к виниловым пластинкам и как следствие графическому дизайну в контексте музыкальной индустрии, а также необходимостью подготовки специалистов для работы в современной музыкальной индустрии. Новизна исследования состоит в изучении причинно-следственных связей появления нового направления графическом дизайне по оформлению музыкальных обложек. В результате исследования очевидным становится влияние ряда социально-экономических факторов и деятельности Алекса Штайнвайса на появление нового направления в графическом дизайне, а так же возникает вывод об актуальности изучения творчества дизайнера для студентов и представителей творческих профессий.

Ключевые слова: графический дизайн, музыкальная продукция, музыкальный альбом, Алекс Штайнвайс, виниловая пластинка, дизайн обложек, конверт для пластинки, музыка, упаковка для носителей, дизайнер

Abstract: This article is discusses the works of the graphic designer Alex Steinweiss (1917 – 2011), who was involved in music industry of the United States. The author examines the causes and effects of the emergence of a new trend in graphic design, associated with the design of music album covers, as well as analyzed some of the covers invented by Steinweiss in the 1940s. A brief overview is given to the evolution of sound recording media and their packaging. The subject of this research is the art of Alex Steinweiss, while the object is the envelopes for LP vinyl records, invented by the designer during his work for the Columbia Record Label (1930s – 1940s). The relevance of this article is substantiate by the new wave of interest in vinyl records, and thus graphic design in the context of music industry, as well as by the demand to prepare specialists for working in modern music industry. The novelty lies in examination of causal link of the emergence of new trend graphic design on inventing music album covers. The conducted research indicates the influence of a number of socioeconomic factors and activity of Alex Steinweiss upon the emergence of a new trend in graphic design. The author concludes on the relevance of studying the creative path of Alex Steinweiss for the students and representatives of art professions.

Keywords: record sleeve, cover design, vinyl record, Alex Steinweiss, music album, music production, graphic design, music, media packaging, designer

Аннотация: Предметом исследования являются социальные и концептуальные предпосылки формирования инклюзивных подходов в дизайне на территории России во второй половине XX в. Цель статьи заключается в выявлении и анализе инклюзивного дискурса в СССР как дополнительного фактора для формирования современной инклюзивной практики в России. Статья обращается к анализу теоретического наследия СССР, которое развивало схожие вопросы, начиная с 1920-х гг. В статье кратко анализируется генезис доступного дизайна в Европе, США и России, специфика известных инклюзивных концепций, а также анализируется инклюзивный дискурс в СССР, к которому относятся человекоориентированные идей, концепции и подходы в социальной сфере и дизайне.      Новизна заключается в том, что работы советских теоретиков дизайна рассматриваются в ключе современных инклюзивных подходов, что позволило выявить и охарактеризовать самобытный инклюзивный дискурс в СССР, который рассматривается как дополнительный фактор при адаптации иностранной инклюзивной методологии к российским реалиям, а также вносит новые идеи по ее развитию. Основные выводы заключаются в том, что 1) советская теория дизайна выработала достаточное основание для формирования самобытной инклюзивной концепции, главной особенностью которой является социальный процессоориентированный характер и оперирование на уровне функциональных связей; 2) При формировании инклюзивной методологии эффективнее обращаться к любым существующим инклюзивным концепциям, но не механически, а адаптивно. Ведущим фактором адаптации служит соответствие локальному социокультурному контексту; 3) Наиболее органичной для Российского социокультурного контекста выступает концепция Дизайна для всех благодаря ее интернациональному характеру и фокусу на деликатной интеграции различных слоев населения.

Ключевые слова: инклюзивный дизайн, доступный дизайн, техническая эстетика, открытая форма, доступность, социальная инклюзия, советский дизайн, инклюзивный дискурс, универсальный дизайн, дизайн для всех

Abstract: The subject of this research is the social and conceptual prerequisites for the formation of inclusive approaches towards design in Russia in the late XX century. The goal consists in determination and analysis of inclusive discourse in the USSR as an additional factor for the formation of modern inclusive practice in Russia. The article refers to the analysis of the Soviet theoretical heritage, which has developed similar issues since the 1920s. Brief overview is given to the genesis of available design in Europe, United States and Russia, specificity of popular inclusive concepts. The author explores the inclusive discourse in the USSR, which includes human-oriented ideas, concepts and approaches in the social sphere and design. The novelty consists in consideration of the works of Soviet theoreticians in the area of design in the context of modern inclusive approaches, which allowed characterizing the unique inclusive discourse in the USSR as an additional factor in adaptation of foreign inclusive methodology to the Russian realities; the new ideas for its development are introduced. The following conclusions are made: 1) the Soviet theory of design has developed sufficient grounds for the formation of the original inclusive concept with social process-oriented nature and operation on the level of functional ties; 2) In development of inclusive methodology, it is more effective to refer to any existing inclusive concepts adaptively, rather than mechanically, since the leading factor of adaptation lies in correspondence with the local sociocultural context; 3) for the Russian sociocultural context, most organic is the concept of universal design due to its international character and focus of delicate integration of various social groups.

Keywords: Soviet Design, Social inclusion, Accessibility, Open Form, Technical Aesthetics, Accessible Design, Inclusive Design, Inclusive discourse, Universal Design, Design for All

Аннотация: Предмет исследования – мусульманские минареты вообще и иранские в частности. Цель исследования – составить типологическую классификацию мусульманских минаретов и, исходя из нее, выявить специфику иранских типов минаретов. Используются такие исследовательские методы, как иконографический, стилистического анализа, иконологический, культурологический. Согласно поставленной цели, задачи состояли: 1. в выявлении различных типов мусульманских минаретов, 2. в отборе иранских примеров для выявленных типов, 3. в определении степени распространенности данных типов именно в иранской архитектуре и 4. в формулировке особенностей того архитектурного образа минарета, который возник в контексте иранской архитектуры. Для объективности выводов мы ограничились эпохой средневековой мусульманской культуры Ирана с VII в. до конца XVIII в.     Научная новизна статьи состоит в важности понимания характерных особенностей иранских минаретов, воспринимающихся как символ иранской веры. Через знакомство с архитектурными особенностями минаретов можно понять специфику иранской религиозной архитектуры и иранской культуры в целом. Результаты исследования показывают, что отличительными особенностями иранских минаретов является их цилиндричность, красота убранства, парность, расположение вплотную к пештаку мечети, который они фланкируют. Одна из их важнейших функций – акцентирование главного портала мечети. Иранские минареты, по большей части, имеют не воинственный или крепостной облик, а репрезентативный и декоративный.

Ключевые слова: минарет, типология минаретов, иранская архитектура, иранское искусство, мусульманство, мечеть, сельджукский период, тимуридский период, сефевидский период, каджарский период

Abstract: The subject of this research is the Muslim minarets in general and Iranian minarets in particular. The goal consists in forming a typological classification of Muslim minarets, and based on that determine the specificity of the Iranian types of minarets. The article employs iconographic, iconological and cultural methods, and stylistic analysis. The author set the following tasks: determine different types of Muslim minarets; select the Iranian examples among them; determine the degree of prevalence of these types namely in the Iranian architecture; formulate the peculiarities of the architectural image of minaret that emerged in the context of Iranian architecture. For objectivity, the author established the timeframe –since the VII century to the late XVIII century, which marks the Iranian medieval Muslim culture. The scientific novelty is defined by the importance of knowing the characteristics of Iranian minarets, which are perceived as a symbol of Iranian faith. Familiarization with the architectural peculiarities of the minarets reveals the specificity of the Iranian religious architecture and Iranian culture as a whole. The acquired results demonstrate that the Iranian minarets are notable for their cylindrical shape, unique decoration, pairs of towers, location next to the doorway of the mosque ornamenting the sided. One of their primary functions to accentuate the major portal of the mosque. For the most part, Iranian minarets are rather representative and decorative, than resemble a fortress.

Keywords: Seljuk period, mosque, Islam, Iranian art, Iranian architecture, minaret typology, minaret, Timurid period, Safavid period, Qajar period

Аннотация: Статья направлена на исследование и систематизацию основных проектных подходов при проектировании этнического интерьера, в частности японских ресторанов, расположенных на территории России. Исследование детерминирует разницу между восприятием пространства в японской и европейской культуре, а также устанавливает приемы использования традиционных и инновационных методов решения художественного образа. В практической деятельности проведенное исследование может стать оценочной категорией, при анализе творческих подходов современных авторов, реализующих дальневосточную тематику при проектировании среды ресторанов. Предметом исследования являются художественно-декоративные подходы при интерпретации аутентичной японской среды европейскими авторами. В рамках установленных подходов выявляются дополнительные проектные методы решения образа. Объект исследования-рестораны японской кухни, расположенные на территории России и спроектированные европейскими авторами. Для решения поставленных задач выявления приемов трансформации традиционного декоративного искусства использовались метод семантико-морфологического, искусствоведческого и композиционного анализа. Новизна исследования состоит в том, что систематизированы основные композиционные приемы при проектировании современных ресторанов на территории России, художественный образ которых отображает этническую тематику. Установлено, что ведущими подходами в декоративно-художественном оформлении проанализированных пространств является интерпретация компонентов, заимствованных из аутентичных архитектурных объектов и декоративного искусства, а также формирование ассоциативных впечатлений для реализации темы, которая предполагает передачу заданного автором этнического колорита. При этом подход, основанный на интерпретации узнаваемых европейским реципиентом архитектурных приемов и декоративных составляющих предметно-пространственной среды, является доминирующим, что позволяет рассматривать элементы интерьера и традиционного декоративного искусства как ведущий компонент аутентичной культуры, подвергающийся стилизации при формировании художественного образа современных ресторанов.

Ключевые слова: традиционный японский интерьер, проектные приемы, декоративное искусство, интерпретация, современный интерьер, стилизация, проектный метод, интерьер ресторана, Япония, минимализм

Abstract: This article is aimed at studying and systematization of key techniques in designing ethnic interior, namely in Japanese restaurants located in Russia. The research defines the difference in perception of space in Japanese and European culture, as well as determines usage of traditional and innovative solution methods of an artistic image. In practice, the conducted research may become an evaluation category in analysis of creative techniques of modern authors who implement Far Eastern theme in designing restaurant environment. The subject of this research is the artistic and decorative approaches in the context of interpretation of authentic Japanese environment. Within the framework of established approaches, the author determines the additional design solution methods. The object of this research is the restaurants of Japanese cuisine that are located in Russia and designed by European authors. The novelty consists in systematization of the key compositional techniques in design of modern restaurants with ethnic concept in Russia. It is established that the leading approach in design is the interpretation of components borrowed from authentic architectural objects and decorative art, as well as formation of associative impressions for reflecting the ethnic theme. The approach based on interpretation of the known by European recipient architectural and decorative techniques of object-spatial environment is dominant, which allows viewing the elements of interior and traditional decorative art as a leading component of authentic culture that undergoes stylization in formation of an artistic image of modern restaurants.  

Keywords: stylization, modern interior, interpretation, decorative art, design techniques, traditional Japanese interior, project method, restaurant interior, Japan, minimalism

Аннотация: Последние десятилетия характеризуются повышенным интересом к российской традиционной культуре. Среди маркеров, указывающих на этнический колорит арт-объекта или изделия, особое место занимает орнамент. В статье рассматриваются проблемы развития, трансформации и адаптации к современным условиям традиционного славянского орнамента, используемого в дизайне упаковки. В качестве объекта исследования выбраны графические элементы, нанесенные на упаковку наиболее популярных линеек общедоступных продуктов питания, распространяемых в сетевых супермаркетах. Выбор обусловлен общедоступностью, массовостью изготовления продукции и ее широким межрегиональным охватом, что обеспечивает максимальное взаимодействие с российским потребителем. Основными методами исследования становятся используемые в искусствознании и дизайне сравнительный, семиотико-герменевтический и формально-стилистический методы. Установлено, что элементы славянского орнамента широко используются в дизайне упаковки продуктов питания. Предпочтение производителей отдается элементам хохломской и гжельской росписей как наиболее известным и брендовым российским традиционным промыслам. Наблюдается активный поиск цветовых, композиционных и сюжетных решений, который свидетельствует не только о неизбежной адаптации и трансформации традиционных элементов, но и указывает на проблемы в подготовке специалистов в области дизайна, которые не всегда знакомы с семантико-смысловым полем используемых орнаментов. В результате в некоторых случаях возникает ассоциативный диссонанс в восприятии продуктов питания и их оформления. Использование традиционного орнамента в этой прикладной сфере предоставляется одним из способов сохранения и развития национальной культуры, формирующий необходимый ассоциативный пласт в сознании общества и требующий аккуратного применения.

Ключевые слова: народные промыслы, славянский орнамент, традиционный орнамент, символика орнамента, хохлома, гжель, дизайн упаковки, трансформация, адаптация, сохранение традиционной культуры

Abstract: Recent decades are characterized by the heightened interest towards the Russian traditional culture. Among the markers of ethnic hue of an art object or a product, special place belongs to the ornament. The article examines the problems of development, transformation and adaptation to modern conditions of the traditional Slavic ornament used in design of packaging. The object of this research is the graphic element placed on the most popular lines of generally accessible food products featured in the chain supermarkets. The choice is substantiated by the general accessibility, mass production of the goods and its wide regional coverage, which ensures maximal interaction with the Russian consumer. It is established that the elements of Slavic ornament are widely used in design of packaging of food products. Preference of manufacturers is given to the elements of Khokhloma and Gzhel painting as most famous and brand-named Russian traditional crafts. The author observes the active search for color, compositional and thematic solutions, which testifies on its inevitable adaptation and transformation of traditional elements, as well as points at their problems in preparation of specialists in the area of design, who at time are not familiar with the semantic-conceptual field of the used ornaments. This leads to the occurrence of associative dissonance in perception of food products and their packaging. Utilization of the traditional ornament in this applied sphere is one of the ways for preservation and development of national culture, which forms an essential associative layer in public consciousness and requires careful application.

Keywords: packaging design, Gzhel, Khokhloma, ornament symbolism, traditional ornament, Slavic ornament, folk crafts, transformation, adaptation, preservation of traditional culture

Аннотация: В статье рассматриваются тенденции, характеризующие развитие архитектурной среды Омска 1960-х – 1980-х гг. Преобразования архитектурной среды Омска рассматриваются во взаимосвязи с историко-культурным контекстом и историко-архитектурным процессом. Автор анализирует как общероссийские тенденции, так и региональную специфику. Особенностью данного исследования является выстраивание параллелей между архитектурно-художественным и историко-культурным процессами. Рассмотрены такие вопросы как смена стилистических тенденций, тенденции в области жилищного строительства и возведение значимых объектов общественного назначения. Основными методами данного исследования явились метод изучения специальной научной литературы и источников и метод натурного обследования архитектурных объектов. Особенностью является привлечения материалов воспоминаний горожан, содержащих информацию рефлективного характера, позволяющую понять восприятие изменений, происходящих в городской среде горожанами Результаты исследования позволяют охарактеризовать развитие архитектурной среды крупного сибирского города (Омска) в период развитого социализма (1960-е – 1980-е гг.) во взаимосвязи с историко-культурным и архитектурно-художественным контекстами. Результаты исследования могут быть использованы при уточнении градостроительных решений и выработке концептуальных основ региональной культурной политики. Статья будет интересна специалистам по истории архитектуры и строительства, а также широкой аудитории, интересующейся историей и культурой своего края.

Ключевые слова: архитектура, Омск, стилистические особенности, значимые объекты, историко-культурный контекст, архитектурные ансамбли, восприятие горожан, городская среда, советский период, строительство

Abstract: This article examines the trends characterizing the development of Omsk architectural environment of the 1960’s – 1980’s. The unfolded transformations are views in relation to the historical-cultural context and historical-architectural process. The author analyzes the nationwide trends, as well as the regional specificity. The peculiarity of this research consists in drawing parallels between the architectural-artistic and historical-cultural processes. Attention is given to such questions as the shift in stylistic trends, residential construction, and erection of significant objects of public designation. Alongside studying the special scientific literature and sources, the author attracts the materials of city dwellers’ reminiscences that contain the information of reflective character for understanding their perception of ongoing changes within the urban environment. The acquired results allow characterizing the development of architectural environment of a large Siberian city (Omsk) during the Developed Socialism period (1960’s – 1980’s) in correlation with the historical-cultural and architectural-artistic contexts. The presented materials may be used in city planning decisions and development of conceptual framework of the regional cultural policy. The article is relevant for the specialists in the history of architecture and construction, as well as broad audience interested in history and cultures of their region.

Keywords: citizens perception, architectural ensembles, historical and cultural context, significant objects, stylistic features, Omsk, architecture, urban environment, Soviet period, construction of buildings

Аннотация: Объектом исследования является фестиваль воздушных змеев в г. Вэйфан, Шаньдунь, Китай. Предметом исследования является влияние графического обеспечения фестиваля воздушных змеев на повышение интереса к истории народной культуры. Разработка новой дизайн-концепции проведения фестиваля позволит повысить её привлекательность и популяризировать традиции китайских народных промыслов. Появившись в Китае воздушные змеи быстро распространились в соседние страны Юго-восточной Азии и позднее появились на Западе. Они имели достаточно широкое применение, начиная от зрелищных мероприятий и передачи информации до военных целей. Целью работы является выявление особенностей традиционного народного искусства Китая в области проведения культурно-массовых мероприятий на примере Международного фестиваля воздушных змеев в г. Вэйфан. Для этой цели анализированы особенности логотипов и афиш проведенных фестивалей, предложены критерии для анализа рекламно-графической информации. Разработан новый дизайн и графическое сопровождение фестивальных мероприятий, представлены проектные предложения по организации пространства фестиваля. Результаты исследований, разработанные средства, новая концепция графического обеспечения фестиваля воздушных змеев в г. Вэйфан помогут популяризации культурных традиций Китая и повысит его туристическую привлекательность.

Ключевые слова: дизайн-концепция, фестиваль, воздушный змей, культура Китая, графическое сопровождение, логотип, афиша, буклет, фестивальное пространство, туристическая привлекательность

Abstract: The object of this research is kite festival in the Chinese city Weifang in Shandong province. The subject is the impact of graphic support of the kite festival upon heightening interest in the folk culture. The development of a new design concept of hosting a festival would increase its attractiveness and popularize traditions of the Chinese folk crafts. Having originated in China, the kites rapidly spread among the neighboring countries of Southeast Asia, and later appeared in Western countries. Kite festivals were used extensively – from entertainment events to translation of information, and even military purposes. The goal of this work consists in identification of peculiarities of the Chinese traditional folk art with regards to hosting public cultural events on the examples of the International Kite Festival in Weifang. The authors analyze the specificities of logos and event posters of the hosted festivals, and propose the criteria for the analysis of advertising and graphic information. The new design ad graphic support of festivals alongside the recommendations on arranging space for the festival are developed. The research results, designed tools and new concept of graphic support for holding a kite festival in Weifang would help to popularize Chinese cultural traditions and increase its tourism attractiveness.

Keywords: festival space, booklet, poster, graphic accompaniment, logo, culture of China, kite, festival, design concept, tourist appeal

Аннотация: В статье основное внимание уделяется проблеме применения идей экологического развития среды в художественном творчестве. Кроме того, автор задумывается над тем, как через создание дизайнерских изделий показать отношения взаимосвязи и взаимозависимости между человеком и технологиями. Результатом осмысления этих вопросов стало создание проекта «Вспоминая новое». Данный проект представляет собой офисное кресло для двух человек с функциями наклона спинки и поднятия, опускания сиденья. Инновационный характер проекта заключается в повторном использовании материалов. Поскольку средовой дизайн изначально создавался как междисциплинарная область, автору необходимо было не только описать предысторию и процесс создания проекта, но также с социальной и исторической точек зрения проанализировать появление и развитие экологических идей. Посредством метода соединения теории и практики, автор в данном исследовании пришел к выводу о социальной значимости идей экологического развития в средовом дизайне. Их использование в художественном творчестве влияет на популяризацию экологической концепции в обществе в целом. Таким образом, проект «Вспоминая новое» обладает интерактивным характером, показывая взаимодействие между человеком, технологиями и окружающей средой.

Ключевые слова: устойчивое развитие, экологическая концепция, экодизайн, зеленый дизайн, утилизация, повторное использование, искусство инсталляции, офисное кресло, интерактивность, социальная значимость

Abstract: The article focuses on the problem of applying the ideas of ecological development of the environment in artistic creativity. Moreover, the author thinks about how to show the connection and interconnection between human and technology through the creation of design products. The creation of "Remembering The New" project was a result of comprehension of these issues. This project represents an office chair for two people with the functions of tilting the back, raising and lowering the seat. The innovative character of the project is due to the reuse of the materials. Since the environmental design was created as an interdisciplinary field, the author had to not only describe the background and the process of the project creating but also to analyze the occurrence and development of environmental ideas from a social and historical point of view. Through the method of theory and practice combining, the author came to the conclusion about the social significance of the ideas of ecological development in environmental design. Their use in artwork influences the popularization of the ecological concept in society as a whole. Thus, the project "Remembering The New" has an interactive character, showing the interaction between human, technology and the environment.

Keywords: office chair, installation art, reuse, utilization, green design, ecodesign, ecological concept, sustainable development, interactivity, social significance

Аннотация: В статье ставится вопрос, на основе каких критериев осуществлять реконструкцию и типологию облика и строения в архитектуре зданий и особенностей городской среды. Автор предлагает такой критерий как «архитектурный процесс». Рассматриваются основные характеристики архитектурного процесса: проектные, экономические, социальные. На их основе намечаются три типа архитектурных решений, соответствующих трем типах проектирования ‒ типовому, индивидуальному и смешанному. Эти решения позволяют различить и три типа архитектурных облика зданий и среды. В работе была реализована следующая методология исследования: постановка проблем, историческая реконструкция, сравнительный и ситуационный анализ, социокультурный анализ. В результате исследования удалось показать необходимость при реконструкции типов и особенностей облика современных архитектурных зданий и среды обращаться к анализу, с одной стороны, особенностей архитектурного проектирования, а с другой ‒ к социокультурным условиям и требованиям. Предложен и вариант подобной реконструкции.

Ключевые слова: архитектура, проектирование, здания, среда, облик, решения, реконструкция, концепции, процесс, проект

Abstract: The article raises the question - on the basis of what criteria to carry out the reconstruction and typology of appearance and structure in the architecture of buildings and features of the urban environment. The author suggests such criterion as "architectural process". The main characteristics of the architectural process are observed: design, economic, and social ones. On their basis, three types of architectural solutions, corresponding to three types of design, are outlined ‒ typical, individual and mixed one. Also, these solutions make it possible to determine three types of architectural appearance of buildings and the environment. The following research methodology was implemented: problem statement, historical reconstruction, comparative and situational analysis, socio-cultural analysis. As a result of the study it was possible to show the need for the reconstruction of the types and features of the appearance of modern architectural buildings and the environment, to address the analysis of, on the one hand, the features of architectural design, and on the other ‒ of the socio-cultural conditions and requirements. A variant of such reconstruction is also proposed.

Keywords: reconstruction, solutions, appearance, environment, buildings, design, architecture, concepts, process, project

Аннотация: Предметной областью исследования является выявление современных подходов к анализу возможных способов применения художественно-конструктивных принципов традиционного костюма в современном дизайн-проектировании модной одежды. Выявляются системные качества проектно-дизайнерской деятельности, дающие возможность инвариантного сочленения элементов, обусловливающего потенциал бесконечного продуцирования новых форм костюма. Автор подробно рассматривает концепции, реализуемые в практической деятельности дизайнеров, создающих современную одежду на основе эстетики традиционной одежды разных народов – русского, бурятского, марийского, китайского, японского и др. Междисциплинарный характер исследования обусловил применение системного метода, включающего искусствоведческий, этнографический, психологический, культурологический подходы. Также применен метод сравнения по отношению к известным концепциям структурно-функционального анализа традиционного костюма как источника стилевых форм модной одежды. В статье выявляется закономерность: в дизайн-проектировании опора не только на визуально-художественные приемы композиции традиционного костюма, но на весь комплекс мифоэпического наследия народа и на этническую картину мира в целом, делает модный костюм понятным и востребованным за пределами собственного этнического ареала. В заключении формулируется мысль о том, что в современной науке и художественной практике существует несколько уровней осмысления проблемы использования этнического стиля в современной модной одежде, балансирующих от простого к сложному, от элементарного к целостному, от прикладного к философскому.

Ключевые слова: концептуализация, дизайн-проектирование, традиционный костюм, мода, формообразование, этнический стиль, стилизация, реконструкция, художественно-конструкторский анализ, композиция костюма

Abstract: The subject domain of the research is contemporary approaches to the analysis of possible application of traditional costume composition principles in modern fashion design. The author of the article describes systemic features of costume composition that provide many variants of elements combination and create opportunities for never-ending production of new costumes. The author focuses on the concepts that are put to practice by the designers who create fashionable clothes based on folk aesthetics (Russian, Buryat, Mari, Chinese, Japanese, etc.). The interdisciplinary nature of the research has made the author to apply the systems approach that involved art history, ethnographical, psychological and culturological approaches. The author has also applied the comparison method to analyze famous concepts of the structural functional analysis of traditional costume as a source of modern style in clothing. As a result, the author of the article describes the following consistent pattern: clothing design is based not only on visual means of traditional costume composition but mythoepic heritage of the people and ethnic picture of the world in general. This makes a fashionable costume understandable and popular outside the ethnic environment where it has been created. In conclusion, the author states that modern science and artistic practice offer several levels of understanding the problem of using the ethnic style in fashionable clothing coming from simple to complicated, from elementary to integral, from practical to philosophical. 

Keywords: art and design analysis, costume composition, reconstruction, stylization, ethnic style, shaping, fashion, traditional costume, design engineering, conceptualization

Аннотация: Объектом исследования является характер восприятия и способ интерпретации средневекового архитектурного наследия и традиции в архитектурной практике высоковикторианского времени. Также изучается воздействие идей Джона Рескина на формирование эстетических предпочтений в английской архитектуре изучаемой эпохи. Предметом исследования являются британские усадебные дома, построенные по проектам таких архитекторов, как Р.Н.Шоу, У.Э.Несфилд, Г.Скотт. Также рассматриваются такие книги Дж.Рескина как «Камни Венеции» и «Семь светочей архитектуры» и их влияние на формирование определённых эстетических предпочтений. Проводится детальный формально-стилистический анализ фасадной композиции и архитектурного декора английских загородных домов высоковикторианского времени. Основным итогом проведенного исследования является вывод об изменении характера интерпретации средневекового наследия в изучаемую эпоху. Вопреки распространённому мнению, мастера британского Готического Возрождения вдохновлялись далеко не только образами национальной архитектуры. Во многом благодаря сочинениям Дж.Рескина, приобретающим в изучаемое время широкую популярность, интерес архитекторов смещается в сторону средневекового наследия других европейских стран, в частности, Италии.

Ключевые слова: архитектурное наследие, высоковикторианская эпоха, средневековая традиция, Джон Рескин, Ричард Норман Шоу, Уильям Эден Несфилд, Гильберт Скотт, английский загородный дом, британская архитектура, готическое возрождение

Abstract: The object of the research is the nature of perception and means of interpretation of the medieval architectural heritage and traditions of the High Victorian epoch. Sokolova also analyzes the influence of John Ruskin's ideas on the development of aesthetic preferences in the English architecture of the epoch. The subject of the research is the English country houses designed by such architects as Richard Horman Shaw, William Eden Nesfield, and Gilbert Scott. The researcher also focuses on the books of John Ruskin The Stones of Venice and The Seven Lamps of Architecture and their influence on the development of particular aesthetic preferences. Sokolova performs a detailed formal stylistic analysis of the frontal composition and architectural decor of English country houses in the aforesaid epoch. Despite a common belief, masters of the British Gothic Revival were not inspired only by the images of the national architecture. Thaks largely to John Ruskin's writing that has become so popular lately, the interest of architects shifts towards the medieval heritage of other European countries including Italy. 

Keywords: Gilbert Scott, William Eden Nesfield, Richard Norman Shaw, John Ruskin, medieval tradition, High Victorian epoch, architectural heritage, English country house, British architecture, Gothic Revival

Аннотация: Проектирование визуального взаимодействия буквы и иероглифа в поликультурном поле графического дизайна – вопрос весьма актуальный. Проблема в том, что на практике графические решения часто оказываются вульгарной стилизацией, поскольку рисунки буквы и иероглифа связаны с принципиально разными культурами письма. Для решения проблемы стилизации буквы под иероглиф автор статьи предлагает обратиться к опыту Кореи, где используется уникальный слоговый алфавит, внешне напоминающий иероглифы, а потому являющийся мостом между буквенным и иероглифическим письмом. Соответственно, объектом исследования является корейская каллиграфия, а предметом - визуальная адаптация корейского алфавитного письма под иероглифы. Автор статьи опирается на корейские и японские источники, среди которых стоит выделить сборник научных докладов на международном симпозиуме в г. Ниигата (Япония, 2015), посвящённом проблемам эстетики каллиграфии Китая, Кореи и Японии. В результате исследования автор выделяет три исторически сложившихся способа визуальной адаптации хангыля под иероглифы (актуальные и для буквенного письма), которые не сводятся к стилизации, так как выражают собственно корейское представление о красоте. Поскольку иероглифическое письмо не укоренено в отечественной традиции, автор рассматривает поиск идентичности каллиграфии кистью как сверхзадачу проектировщика, позволяющую значительно улучшить качество стилизации буквы под иероглиф.

Ключевые слова: корейская каллиграфия, алфавитное письмо, письмо хангылем, стилизация, поиск идентичности, красота Мот, буква, китайский иероглиф, графический дизайн, дизайн упаковки

Abstract: Designing the visual interaction of a letter and a hieroglyph in a multicultural field of graphic design is a very topical issue. The problem is that in practice graphic solutions often turn out to be a vulgar stylization, since the figures of a letter and a hieroglyph are associated with fundamentally different cultures of writing. To solve the problem of stylizing a letter to a hieroglyph, the author of the article proposes to analyze the experience of Korea that uses a unique syllable alphabet that looks like hieroglyphs, and therefore is a bridge between letter and hieroglyphic writing. Accordingly, the object of the study is Korean calligraphy, and the subject is the visual adaptation of the Korean alphabet letter to hieroglyphs. The author of the article relies on Korean and Japanese sources, among which it is worth highlighting the collection of scientific reports at the international symposium in Niigata (Japan, 2015), devoted to the problems of aesthetics of calligraphy of China, Korea and Japan. As a result of the study, the author identifies three historically established ways of visual adaptation of Hangul to hieroglyphs (actual and for letter) which are not reduced to stylization since they express the Korean idea of beauty itself. Since the hieroglyphic letter is not rooted in the national tradition, the author considers the search for the identity of calligraphy with a brush as the most important task of the designer allowing to significantly improve the quality of stylizing the letter under the hieroglyph.

Keywords: letter, Meot beauty, identity search, stylization, Hangul writing, alphabetical writing, Korean calligraphy, Chinese character, graphic design, package design

Аннотация: Объектом исследования является Музей Солнца культуры инков в городе Ибарра, Эквадор. Предметом исследования является влияние бренда музея на развитие и популяризации культуры инков. Цель работы состоит в анализе и разработке новой концепции дизайна музейного пространства в целях разработки рекомендаций для дальнейшего продвижения бренда в области туристической привлекательности и развития местной экономики. В работе рассматриваются вопросы разработки дизайн-концепции музейного пространства культуры инков «Музей Солнца» (“Museo del Sol”, г. Ибарра, Эквадор). Приведены особенности формирования музейного пространства, концепции его проектирования, описаны современные тенденции по организации исторических музеев в Латинской Америке. Сделан обзор графического обеспечения латиноамериканских музеев культуры, археологии и истории. Представлены исторические основы музея культуры инков, анализирована иконография цивилизации инков различных периодов. Описано существующее состояние музея Солнца, история его основания, предпосылки для создания нового бренда. Рассмотрен ассоциативный ряд графической информации для создания нового логотипа музея, обоснованы фирменные цвета, разработаны составные части бренда, рекламно-графическая продукция, предложена концепция организации музейного пространства. Результаты работы позволять усилить бренд музея Солнца, повысить его социальную значимость для популяризации культуры инков и продвижения туристической привлекательности.

Ключевые слова: дизайн-концепция, музейное пространство, культура инков, мифология инков, иконография инков, бренд музея, логотип, буклет, фирменные цвета, рекламно-графический комплекс

Abstract: The object of the research is the Museum of Sun as a monument of Inca culture located in Ibarra, Ecuador. The subject of the research is the influence of the museum brand on the development and popularization of Inca culture. The aim of the research is to analyze and develop a new museum space design concept for the purpose of giving recommendations on how to promote the brand and make it attractive for tourists as well as to enrich its contribution of the local economy. The research is devoted to the development of the museum space design concept in relation to Inca culture as presented by the Museum of Sun (Museo del Sol) located in Ibarra, Ecuador. The author of the article describes peculiar features of developing the museum space and design concept and describes modern trends in organisation of history museums in Latin America. The researcher gives a review of graphic tools used by Latin American museums of culture, archeology and history. The author also provides an insight into the historical grounds of the Inca culture museum and analyzes iconography of Inca civilization at different periods. The researcher describes the current state of the Museum, history of its formation, and grounds for creating a new brand. The author also describes an association series of graphic tools for creating a new logo of the Museum, describes the basic colours that should be used, presents the main parts of the brand, advertising and graphic tools, and offers a concept of the museum space organisation. The results of the research should be used to enrich the brand of the Museum of Sun, raise  its social importance for popularization of Inca culture and promotion of the monument. 

Keywords: corporate colors, booklet, logo, museum brand, Inca iconography, Inca mythology, Inca culture, museum space, design concept, advertising and graphic complex

Аннотация: Статья посвящена стремительно развивающемуся в современном искусстве и дизайне феномену - цифровой скульптуре. Установлено, что несмотря довольно широкую известность и активное практическое использование в разных сферах современной жизни, это явление все еще находится на начальном этапе научного осмысления. В рамках данной работы рассматриваются наиболее значимые проблемы цифровой скульптуры, формирующие актуальные направления для ее исследования. В результате, объектом исследования выступает сама цифровая скульптура, предметом исследования – направления и проблемы изучения этого феномена. Историко-сравнительный и аналитический подходы позволили изучить исторические, технологические и художественно-выразительные аспекты цифровой скульптуры, связанные с ее процессом создания и программным обеспечением (работой в ZBrush, Sculptris, 3D-Coat и др.). Новизна исследования определяется тем, что в процессе анализа были выявлены следующие наиболее перспективные направления для изучения цифровой скульптуры, которые могут стать самостоятельными исследовательскими областями: 1. накопление и обобщение материалов исследования и источниковедческой базы; 2. разработка терминологии и методологии; 3. изучение истории развития скульпутры и программного обеспечения 4. изучение художественных свойств арт-объектов, выявление особенностей использования цифровой скульптуры.

Ключевые слова: цифровая скульптура, трехмерное моделирование, скульптинг, скульптурное моделирование, 3D скульптинг, проблемы изучения, направления исследований, терминология цифровой скульптуры, художественные особенности, особенности использования

Abstract: The article is devoted to the rapidly developing modern art and design phenomenon, digital sculpture. The authors of the article state that despite a broad popularity and active practical use of digital sculpture in various kinds of modern life, researches of this phenomenon have only started. Within the framework of this research, the authors view the most important problems of digital sculpture that, in their turn, create directions of relevant research. The object of the research is the digital sculpture and the subject of the research is the directions and problems of studying this phenomenon. Historical comparative and analytical approaches used by the authors allowed to analyze historical, technological and expressive aspects of digital sculpture that relate to both the process of digital sculpture creation and associated software (ZBrush, Sculptris, 3D-Coat, etc.). The novelty of the research is caused by the fact that in the process of their analysis, the authors define the most promising directions for studying the phenomenon of digital sculpture, each can serve as an individual research subject in the future. These directions include: 1. accumulation and generalisation of research methods and historiographic basis; 2. development of the framework of terms and methodologies; 3. analysis of the history of sculpture and software development; 4. analysis of artistic features of such artwork as well as particularities of using digital sculpture. 

Keywords: terminology of digital sculpture, directions of research, problems of studying, 3D sculpting, sculptural modeling, sculpting, three-dimensional modeling, digital sculpture, artistic features, features of using

Аннотация: Объектом исследования являются вопросы становления, формирования т.н. понятия «бумажная архитектура». Рассматриваются предпосылки возникновения данного направления в архитектурном процессе. Указываются конкретные авторы и их произведения, а так же конкурсы, в которых они участвовали. Описываются материалы, которыми пользовались архитекторы и студенты, для создания конкурсных объектов. Дается оценка смысловых особенностей, анализ графического языка, историческое значение этого явления в контексте развития мировой архитектуры и архитектурного образования в - частности. Метод исследования заключается в обобщении опыта проектов «бумажной архитектуры», выделяются главные характерные моменты в их творчестве. Научная новизна статьи заключается в том, что направление «бумажной архитектуры» рассматривается как неотъемлемое звено в цепочке развития архитектурного процесса того времени. Это движение является закономерным процессом в становлении современной архитектуры как в России, так и в мировом процессе в целом. В статье сделаны выводы, что это не изолированное, временное и вынужденное явление, а продолжение и дальнейшее развитие темы архитектурной фантазии, начатой еще графикой Д.Б. Пиранези, П. Брейгеля, Я. Чернихова.

Ключевые слова: проект, конкурс, графика, архитектура, тема, фантазия, идея, застой, международных архитектурных конкурсов, постмодернистские понятия

Abstract: The object of the research is the origin and development of the concept of 'visionary architecture'. The authors of the article analyze prerequisites for that branch of architecture. The authors of the article give certain names of artists and their artwork as well as contests those artists participated in. The authors also describe materials used by architects and students to create artwork for contests. They give a description of semantic particularities and analyze the graphic language and historical role of that phenomenon in terms of the development of the world architecture and education in architecture in particular. The research method is the generalization of the experience in 'visionary architecture' projects that allows to define the main cornerstones in their creation. The scientific novelty of the research is caused by the fact that the authors view visionary architecture as an essential part of the development of architecture back in those times. This branch of art is a natural process in the development of modern architecture in Russia as well as around the world in general. The authors of the article conclude that visionary architecture is not an isolated or temporary or forced phenomenon but continuation and further development of architecture fantasies started by graphics of Giovanni Battista Piranesi, Pieter Bruegel and Yakov Chernikhov.

Keywords: international architectural competitions, stagnation, idea, fantasy, subject, architecture, graphic arts, competition, project, postmodern concepts

Аннотация: Предметом исследования является характер взаимодействия комбинированных фотоизображений различной структуры, совмещенных с элементами графического оформления, связанных общей задачей создания единого образа рекламного дизайн-проекта. Объектом исследования является комбинированное фотоизображение, являющееся, наряду с другими элементами оформления, составной частью рекламного дизайн-проекта и служащее цели создания эффективного рекламного образа. Автор подробно рассматривает такие свойства фотоизображения как объективное отражение действительности, расширение человеческого видения, анализирует рекламный макет на предмет содержания различных сообщений. Особое внимание уделяется соотношению иконической и символической составляющих комбинированного фотоизображения. В настоящей работе применены методология системного подхода при рассмотрении особенностей взаимодействия различных по характеру фотоизображений, совмещенных с элементами графического оформления, связанных общей задачей создания единого образа рекламного дизайн-проекта и сравнительный метод для классификации свойства структур фотоколлажа. Основным выводом проведенного исследования является: существует парадокс, присущий фотографической природе изображений, используемых в макете рекламного дизайн-проекта; это – заниженная значимость иконической составляющей сообщения по сравнению с его символической составляющей, но при этом – высокая документальная достоверность, неизбежно присущая фотографии, что позволяет использовать комбинированное фотоизображение вместо традиционного, пожертвовав частью документальной достоверности, что не лишает опоры символическую составляющую иконического сообщения. Особым вкладом автора в исследование темы является классификация комбинированных фотоизображений по принципу формообразования.

Ключевые слова: фотоизображение, графический дизайн, рекламная дизайн-графика, фотографика, фотоколлаж, дизайн-проект, иконическое сообщение, символическое сообщение, формообразование, абстрактная фотография

Abstract: The subject of the research is the nature of interaction between differently structured composite photo images combined with artwork elements for the common purpose of creating a single image of an advertising design project. The object of the research is a composite photo image as an element of an advertising design project aimed at creating an effective advertising image. The author of the article examines such features of photo images as an objective reflection of the reality and extended personal vision as well as analyzes the advertising layout in terms of different messages being conveyed. The author pays special attention to the correspondence of iconic and symbolic elements of a composite photo image. In this research the author has used such methods as the systems approach when analyzing peculiarities of interaction between photo images of different nature combined with graphic artwork elements for the purpose of creating a single image of an advertising design project as well as the comparative method to classify features of photocollage structures. The main conclusion of the research is the following: there is a certain paradox attributable to the photographic nature of images used in an advertising layout. This is an undervalued role of the iconic element of a message compared to the symbolic element thereof and at the same time a high level of documentary accuracy typical for photography which allows to use a composite photo image instead of a traditional one sacrificing some documentary accuracy but retaining the symbolic element of the iconic message. The special contribution to the topic is the author's classification of composite photo images depending on the principle of their form making. 

Keywords: abstract photography, form making, symbolic message, iconic message, design project, photocollage, photographics, advertising design graphics, graphic design, photo image

Аннотация: В работе рассматривается судьба выдающихся архитектурных проектов гениального русского конструктора, инженера и философа В.Г.Шухова на фоне исторических процессов, происходивших в России и мире в начале прошлого века. Дана оценка масштаба этой творческой личности, оценивается влияние, которое оказал Шухов на развитие конструктивизма и био-тека. Авторы ставят вопрос о месте оригинальных разработок Шухова в инженерном деле и архитектуре, в системе архитектурных стилей и эстетико-философских направлений первой четверти XX в. В частности, подчеркивается, что принадлежность Шухова к конструктивистскому направлению может быть частично оспорена. В связи с этим рассказывается о спорах, которые вели корифеи отечественного конструктивизма по поводу шуховских шедевров. В последней части статьи затронута проблема соотношения понятий конструктивизма как архитектурно-художественного направления, с одной стороны, и логико-математического, философского подхода, с другой. В статье авторы прибегают к методологии имманентной критики, широко распространенной в философских исследованиях XIX-XX вв. Имманентный подход предполагает анализ какой-либо теории в терминах самой теории. Среди используемых методов одно из центральных мест занимает аналогия. Позволяя делать правдоподобные заключения от одного частного примера к другому, аналогия обладает особенной наглядностью и доказательностью, подчеркивается, что аналогия лежала в основе мышления Шухова как философа и изобретателя. В работе используется общенаучный метод историзма, который позволяет соотнести динамику в различных областях культуры с ситуацией, складывающейся в стране и мире. Представить Шухова как предтечу современного био-тека пока еще никто не брался, и в этом отношении данная работа является пионерской. Попытка связать деятельность Шухова как инженера с гуманитарной составляющей эпохи также впервые предпринимается в настоящей статье. Отметим, что до сих пор в литературе предмета, не принимался во внимание взятый на вооружение Шуховым принцип «учиться у природы», который сделался центральным в математическом инженерном моделировании отечественного конструктора и ученого, а затем оказал решающее влияние на деятелей био-тека. В статье сделана попытка подойти к деятельности Шухова с позиций социальной философии и истории интеллектуальной культуры. В статье уделено внимание влиянию Шухова на архитектуру современного био-тека. В привязке Шуховских идей к концепциям современного био-тека состоит новизна подхода автора статьи.

Ключевые слова: Социальная ответственность инженера, эргономика, В. Г. Шухов, архитектура хай-тека, социальные аспекты био-тека, конструктивизм, русская архитектура, инженерные решения, Шаболовская телебашня, дебаркадер Киевского вокзала

Abstract: The article is devoted to famous architectural designs of a genius Russian designer, engineer and philosopher Vladimir Shukhov amid historical processes ongoing in Russia and the other world at the end of the last century. The authors of the article provide an evaluation of his creative activity and study the influence of Shukhov on the development of constructivism and bio tech. The authors raise a question about the role of Shukhov’s original projects in engineering and architecture as well as architectural styles and esthetic philosophical movements of the first quarter of the 20th century. In particular, it is underlined that the opinion on Shukhov being an adept of constructivism can be partly disapproved. In this connection, the authors describe disputes of the leaders of Russian constructivists on Shukhov’s masterpieces. The last part of the article is devoted to the definitions of constructivism as a movement in architecture and art, on the one hand, and a logical-mathematical and philosophical approach, on the other hand. In their research the authors have used the methods of immanent criticism which was quite popular in philosophical researches of the 19th – 20th centuries. The immanent approach means an analysis of a theory using terms and categories of the same theory. Analogy is also one of the most central methods in the authors’ research. Allowing to make valid conclusions based on particular examples, analogy is a descriptive and evidence-based method. It is underlined that analogy formed the basis of Shukhov’s thinking as a philosopher and inventor. In their research the authors have used the general scientific method of historicism allowing to compare dynamics in different spheres of culture with the situation in the country and the other world. This article is the first attempt to describe Shukhov as a messenger of modern bio tech. It is also for the first time in the academic literature that someone tries to describe Shukhov as an engineer who followed humanistic concepts of his epoch. Noteworthy that so far Shukhov’s principle ‘to learn from nature’ hasn’t been paid enough attention in similar researches. That was the core principle in mathematical engineering design of the Russian designer and scientist and later the same principle had a dramatic impact on bio tech activists. The authors of the article also make an attempt to view Shukhov’s activity from the point of view of social philosophy and history of intellectual culture. The authors discuss the influence of Shukhov on modern bio tech architecture. Viewing Shukhov’s ideas in terms of modern bio tech is what creates the novelty of the present research article.

Keywords: Social responsibility of an engineer, ergonomics, Vladimir Shukhov, architecture of high tech, social aspects of bio tech, constructivism, Russian architecture, engineering solutions, Shabolovskaya TV radio tower, trainshed of the Kiyevsky railway station.

Аннотация: в статье рассматриваются сменявшие друг друга символы государственности в пространстве Москвы — Кремль (несменяем) с Иваном Великим, храм Покрова на Рву, храм Христа Спасителя, Дворец Советов с системой высотных зданий, Международный деловой центр Москва-Сити; уточняется заключенная в каждом из архитектурных символов идея правителей о международной роли государства. Отмечается отсутствие архитектурных символов государственности в 1920-е и 1960–1980-е гг. — годы господства функциональной архитектуры, когда были созданы лишь архитектурные знаки. Устанавливается смысловая нагрузка композиционно-планировочных связей символов, в том числе связей: Ивана Великого с соседними городами и значительными подмосковными дворянскими усадьбами; Дворца Советов со сталинскими новостройками. Традиционная смысловая значимость градостроительных осевых построений позволяет предложить объяснение принятого сегодня юго-западного направления развития Москвы.

Ключевые слова: культурология, символ, государственность, Москва, архитектура, градостроительство, знак, ось, история, симулякр.

Abstract: The article is devoted to the development of symbols of state in Moscow throughout the times: the Kremlin (still remains a symbol) and Ivan the Great, Pokrovsky Cathedral on the Moat, the Cathedral of Christ the Saviour, the Palace of the Soviets with its supertall skyscrappers, Moscow International Business Center ‘Moscow City’. The author describes the governor’s idea of Russia’s role in world affairs reflected in each architectural symbol. It is stressed out that there were no such architectural symbols of state in 1920 and 1960 – 1980 when the functional architecture ruled and only architectural signs were created. The author also discovered the meaning of compositional and planning connections between the symbols, for instance, between Ivan the Great and neighboring cities and important manors of nobility built near Moscow; between the Palace of the Soviets and new Stalin-era buildings, and etc. Traditional meaning of architectural axis buildings also expoains the current tendencies in developing the south-west of Moscow.

Keywords: cultural research, symbol, statehood, Moscow, architecture, urban development, sign, axis, history, simulacrum.

Аннотация: статья, написанная на основе натурного и историографического анализа, посвящена проблемам разработки национальной архитектуры в СССР. Осуществлено это на опыте Татарской АССР, а именно на примере Казани 1920–1930-х гг., c акцентом на жилой архитектуре. Реконструирован общесоюзный фон формирования национальных стилей в СССР, проанализированы основные достижения (постройки) в Казани. Сформулирована авторская исследовательская рамка проблем синтеза национальной архитектуры в регионах по трем сценариям: отсутствия, дискретности и преемственности национальной традиции в архитектуре регионов СССР.

Ключевые слова: советский неоклассицизм, национальная архитектура, классическая традиция, Татарская АССР, коренизация, Казань 1920–1930-х гг., национально-романтическое возрождение начала XX в., традиционный / новаторский подход, «неоармянский стиль», «украинский стиль», историзм.

Abstract: This article is written on the basis of natural and historiographical analysis, devoted to the problems of development of the national architecture in the Soviet Union of the 1930s. It has been studied as an experience Tatar Autonomous Republic, namely, the example of Kazan 1920 - 1930’s. The emphasis is on residential (living) architecture. Article renovated all-union background of formation of national styles in the Soviet Union, as well as analysis of the main achievements (building) in Kazan. Authors formulated a framework, which based of the synthesis of the national architecture in the regions under three scenarios: absence, discontinuity and continuity of national tradition in architecture in the region of the USSR.

Keywords: Soviet neo-classicism, the national architecture, the classical tradition, the Tatar Auto no mous Soviet Socialist Republic, Korenizatcia (indige nization), Kazan 1920 - 1930’s., National-ro man tic revival of the early XX century., Traditional / innovative approach, «neoarmyansky style», «Ukrainian style» historicism.

Аннотация: для возникновения Ренессанса в архитектуре любой европейской страны, кроме Италии, было необходимо взаимодействие четырех основных факторов, среди них в первую очередь — существование нескольких групп людей, готовых к восприятию идей и форм, связанных в той или иной степени с античностью: мастеров-строителей, могущественных заказчиков и мыслителей, способных или воспринять философию гуманизма (итальянского и,как в русском случае, византийского) или создать идеологию, чаще всего государственную, в которой ассоциации с Римской империей или Византией как ее наследницей играли бы заметную роль. То новое, что появилось в годы близости московского зодчества к итальянскому Возрождению XV в., в течение долгого времени определяло его развитие.

Ключевые слова: культурология, искусствоведение, архитектурная культура, Ренессанс, дипломатия, диалог Востока и Запада, Москва как Третий Рим, русско-итальянские связи, ренессансные ордерные формы, новый тип мышления

Abstract: In order to start Renaissance, architecture of every European country (except for Italy) needed a combination of the four basic factors including, in the first place, a group of people ready to perceive Antique forms and ideas: masters –creators, mighty customers and thinkers which could either perceive the philosophy of Italian or Byzantine humanism or create their own ideology which would evolve around the Rome Empire or Byzantium. New forms appearing during the years when the Moscow architecture was close to Italian Renaissance of the 15th century, was determining its development for quite a long time.

Keywords: cultural studies, art history, culture of architecture, Renaissance, diplomacy, dialogue of the East and the West, Moscow at the Third Rome, Russian and Italian connections, Renaissance forms of orders, new type of thinking