Аннотация: Настоящее исследование посвящено цвету в религиозной живописи кочевых народов северной части Китая. При династиях Тан и Сун (VII – XIII вв.) – в период «золотого века» китайской живописи – номады также создавали свой художественный язык с собственным арсеналом выразительных средств, в особенности в отношении цвета. Выбор и семантика красок строились на сочетании активных заимствований из разных культур, в том числе ханьской, и в то же время на этнокультурных особенностях в восприятии и истолковании цвета и колористических сочетаний. В качестве объекта настоящего исследования видится эволюция средств художественной выразительности в живописи кочевых народов Северного Китая. Предмет – воздействие на приемы использования цвета в живописи номадов художественных традиций других народов. Методологически статья опирается на подходы по изучению различных аспектов бытования художественных традиций кочевых народов, их формирования и эволюции. Использованы труды российских и китайских исследователей, посвященные анализу и интерпретации изобразительного языка искусства номадов. В работе учитываются данные археологии, антропологии и этнографии, а также культурологии. Новизна работы заключается в том, что она предлагает установить четкие ориентиры, позволяющие увидеть близость средств художественного выражения искусства номадов, в частности в отношении цвета. В статье представлены различные аспекты значения цвета и колорита в искусстве северных кочевых народов средневекового Китая на примере фресковой живописи. В соответствии с установкой проведен анализ цветовых характеристик произведений представителей данных народов, населявших территории современного Синьцзяна; выявлены заимствованные и самобытные черты в выборе, использовании и семантике цвета в композициях, выработанные художниками-представителями кочевой культуры посредством трансформаций колорита в религиозном искусстве; расширены представления о творчестве номадов Китая, что в перспективе позволяет рассмотреть тенденции в арт-пространстве кочевников России.

Ключевые слова: кочевые народы, номады, Северный Китай, кочевая культура, цвет, китайская живопись, уйгуры, хань, Синьцзян, Шелковый путь

Abstract: This research is dedicated to color in the religious painting of the nomadic peoples in northern China. During the Tang and Song dynasties (7th – 13th centuries) – a period known as the "golden age" of Chinese painting – nomads also created their own artistic language with a distinct arsenal of expressive means, particularly concerning color. The choice and semantics of colors were built on a combination of active borrowings from different cultures, including Han culture, and at the same time on the ethnocultural characteristics in the perception and interpretation of color and color combinations. The object of this study is seen as the evolution of artistic expressiveness in the painting of the nomadic peoples of Northern China. The subject is the influence of the artistic traditions of other peoples on the techniques of color usage in nomadic painting. Methodologically, the article relies on approaches that study various aspects of the existence of artistic traditions of nomadic peoples, their formation, and evolution. Works by Russian and Chinese researchers dedicated to the analysis and interpretation of the visual language of nomad art have been used. The study takes into account data from archaeology, anthropology, ethnography, and cultural studies. The novelty of the work lies in its proposal to establish clear guidelines that allow for the recognition of the closeness of the artistic expression means of nomad art, particularly regarding color. The article presents various aspects of the significance of color and hue in the art of northern nomadic peoples in medieval China, exemplified by fresco painting. In accordance with the premise, an analysis of the color characteristics of works by representatives of these peoples, who populated the territories of modern Xinjiang, has been conducted; borrowed and indigenous features in the choice, usage, and semantics of color in compositions have been revealed, developed by artist representatives of nomadic culture through transformations of hue in religious art; and perceptions of the creativity of nomads in China have been expanded, which in turn allows for an examination of trends in the art space of the nomads of Russia in the future.

Keywords: Chinese painting, color, nomadic culture, Northern China, nomads, nomadic peoples, Uyghurs, Han, Xinjiang, Silk Road

Аннотация: В статье рассматриваются важнейшие принципы живописной трактовки образа святого Иеронима в творчестве величайшего венецианского художника эпохи Возрождения Тициана Вечеллио (около 1478–1576). Основное внимание уделено рассмотрению иконографии сюжета "Иероним в пустыне", к которому Тициан обращался не менее шести раз за все время своей деятельности. Особый интерес представляет анализ различных сюжетных версий, сформировавшихся на базе изначальной иконографической схемы, и поиск причин, благодаря которым они возникали. Сюда относятся две гравюры, выполненные по рисункам Тициана, а также картины из Лувра (начало 1530-х годов), галереи Брера (1557–1560), из Эскориала и музея Тиссен-Борнемиссы (около 1575). Обращение к данной теме также потребовало изучения предыстории развития сюжета "Иероним в пустыне" в венецианской художественной школе.  Исследование произведений Тициана в данной статье основывается на использовании приемов формально-стилевого анализа и иконологического метода интерпретации. Основное значение в контексте поставленной темы имеет анализ иконографии картин художника. Их изучение с таких позиций открывает новые пути для исследования ряда особенностей творческого метода Тициана. В ранних картинах Тициана определяющим моментом при выборе того или иного иконографического решения обычно служили соображения эстетического порядка, связанные с особенностями колористического решения или построения пространственной композиции. В поздних работах Тициан гораздо больше внимания уделял разработке отдельных аспектов смыслового значения сюжета. Огромное значение в данной связи приобретает трактовка отдельных деталей, которые способны подчеркнуть тот или иной аспект картинного содержания (например, изображение раскрытой книги в "Святом Иерониме" из Эскориала). Они углубляют его смысловое значение, открывая дополнительные грани в авторском понимании образа святого Иеронима. Основательный иконологический анализ таких подробностей помогает установить точки соприкосновения художественного замысла картины с основными тенденциями в духовной жизни Позднего Возрождения. Особенный интерес представляют отсылки в картине из Эскориала к идеям Реформации, которые до сих пор не были отмечены в научной литературе о венецианском художнике.

Ключевые слова: Искусство Возрождения, Венеция, живопись, Тициан, святой Иероним, иконография, стиль, гуманизм, маньеризм, Реформация

Abstract: The author examines the most important principles of the pictorial interpretation of the image of St. Jerome in the works of the greatest Venetian Renaissance artist Titian Vecellio (circa 1478–1576). The main attention is paid to the consideration of the iconography of the plot "St. Jerome in the Desert", to which Titian addressed at least six times during his entire career. Of particular interest is the analysis of various plot versions formed on the basis of the original iconographic scheme, and the search for the reasons why they arose. These include two engravings based on drawings by Titian, as well as paintings from the Louvre (early 1530s), the Brera Gallery (1557–1560), from the Escorial and the Thyssen-Bornemissa Museum (about 1575). Addressing this topic also required studying the background of the development of the plot "St. Jerome in the Desert" at the Venetian art school. The study of Titian's works in this article is based on the use of formal stylistic analysis techniques and the iconological method of interpretation. The main importance in the context of the topic is the analysis of the iconography of the artist's paintings. Their study from such positions opens up new ways to explore a number of features of Titian's creative method. In Titian's early paintings, the determining moment in choosing one or another iconographic solution was based usually on aesthetic considerations related to the peculiarities of the coloristic solution or the construction of a spatial composition. In his later works, Titian paid much more attention to the development of certain aspects of the semantic meaning of the plot. Of great importance in this regard is the interpretation of individual details that can emphasize one or another aspect of the pictorial content (for example, the image of an open book in "St. Jerome" from the Escorial). They deepen its semantic meaning, revealing additional facets in the author's understanding of the image of St. Jerome. A thorough iconological analysis of such details helps to establish the points of contact between the artistic idea of the painting and the main trends in the spiritual life of the Late Renaissance. Of particular interest are the references in the painting from the Escorial to the ideas of the Reformation, which have not yet been noted in the scientific literature about the Venetian artist.

Keywords: manierism, humanism, style, iconography, Saint Jerome, Titian, painting, Venice, Renaissance art, Reformation

Аннотация: В данной статье рассматривается развитие китайской фигуративной живописи жэнь-у в XX веке, её трансформации под влиянием как внешних факторов, так и внутренних культурных и политических изменений. Объектом исследования является живопись жэнь-у ХХ века. Жэнь-у — один из древнейших жанров китайской живописи, который претерпел значительные изменения в связи с реформами, культурными движениями и политическими событиями XX века. Предметом исследования являются эволюционные процессы, происходившие с живописью жэнь-у в Китае в ХХ веке. XX век стал временем значительных перемен для китайской культуры в целом и живописи в частности, что связано как с политическими, так и с культурными процессами.     Данное исследование выделяет три этапа: с 1900 г. по 1949 г., с 1949 г. по 1978 г. и с 1978 г. по 2000 г. Революция в стране и искусстве привели к тому, что жанр жэнь-у расширил свои визуальные и содержательные рамки, интегрировав элементы западного реализма и модернизма. С начала века художники исследовали новые формы и методы, сочетая западные стили и техники с китайскими традициями, что позволило жанру обрести уникальную идентичность, соединяющую прошлое и современность. Во второй половине века фигуративная живопись в Китае приобрела социальную направленность, особенно в рамках социалистического реализма, когда главными героями произведений становились рабочие и крестьяне. Также большую роль начал играть реализм в изображении человеческих фигур. В конце XX века, благодаря политике реформ, жанр жэнь-у вновь стал более разнообразным и свободным от идеологических ограничений. В результате жэнь-у обогатился элементами западной живописи, такими как светотень, объём, линейная композиция, реалистичность и стал более выраженным в плане психологизма. Таким образом, исследование жанра жэнь-у в XX веке позволяет глубже понять, как культурное наследие Китая адаптировалось к вызовам современности и сформировало уникальный культурный путь, сочетающий традиции и инновации.

Ключевые слова: жэнь-у, китайская живопись, гохуа, социалистический реализм, модернизм, Сюй Бэйхун, Лин Фэнмянь, Фан Цзэнсянь, Хэ Цзяин, Ши Голян

Abstract: This article examines the development of Chinese figurative Zhen-wu painting in the 20th century, its transformation under the influence of both external factors and internal cultural and political changes. The object of the study is the painting of the Zhen-wu of the 20th century. Zhen-wu is one of the oldest genres of Chinese painting, which has undergone significant changes due to the reforms, cultural movements and political events of the 20th century. The subject of the study is the evolutionary processes that took place with Zhen-wu painting in China in the twentieth century. This study identifies three stages: from 1900 to 1949, from 1949 to 1978, and from 1978 to 2000. The revolution in the country and art led to the fact that the Zhen-wu genre expanded its visual and content framework, integrating elements of Western realism and modernism. Since the beginning of the century, artists have explored new forms and methods, combining Western styles and techniques with Chinese traditions, which allowed the genre to gain a unique identity connecting the past and the present. In the second half of the century, figurative painting in China acquired a social orientation, especially within the framework of socialist realism, when workers and peasants became the main characters of the works. Realism also began to play an important role in the depiction of human figures. At the end of the 20th century, thanks to the policy of reforms, the genre of Zhen-wu again became more diverse and free from ideological restrictions. As a result, Zhen-wu was enriched with elements of Western painting, such as chiaroscuro, volume, linear composition, realism and became more pronounced in terms of psychologism. Thus, the study of the Zhen-wu genre century allows a deeper understanding of how China's cultural heritage.

Keywords: Fang Zengxiang, Lin Fengmian, Xu Beihong, modernism, Socialist realism, Guohua, He Jiaying, Chinese painting, Zhen-wu, Shi Golyan

Аннотация: Объект исследования – русское изобразительное искусство XIX в. Предмет исследования – история взаимодействия русских художников с китайской культурой, историей и искусством, их восприятие и интерпретация, а также особенности художественного воплощения образов и мотивов. Автор опирается на идею органичной взаимосвязи различных явлений культуры и искусства в рамках определенной эпохи. Иконографический, а также стилистический и композиционный анализ помогают выявить те черты, которые во многом определили содержание работ художников, их язык и отдельные приемы. Методология исследования построена на сочетании приемов, нацеленных на изучение разных аспектов феномена представительства китайского искусства и культуры в России. Методика опирается на комплексное изучение и сравнение различных видов источников, исследование художественного материала, а именно: произведений русских художников, участвовавших в деятельности миссии, отражавших в своем творчестве образы и мотивы, приемы. На фоне обращения к оценке современной ситуации и истории таких контактов необходим анализ процессов, которые оказывали влияние на их становление. В XIX в. главным, а порой чуть ли не единственным средством поддерживания связи между двумя государствами была деятельность Русской православной миссии, в состав которой входили живописцы, связанные с Императорской Академией художеств и, тем самым, лучшими традициями русской художественной школы. Пребывание русских художников в Китае наложило определенный отпечаток на их собственную творческую манеру, выбор сюжетов, специфику композиции и используемую символику в условиях сохранения приверженности академизму и реализму. Сопоставление произведений, созданных как в момент пребывания в Поднебесной, так и после завершения миссии, позволяет показать то, как развивали свои впечатления русские авторы, внося вклад в создание определенного имиджа Китая в глазах россиян.

Ключевые слова: Русская православная миссия, академическая живопись, русская школа, китайская культура, А. М. Легашев, портрет, бытовой жанр, культурные контакты, русско-китайские связи, Императорская Академия художеств

Abstract: The object of the study is the Russian fine art of the XIX century. The subject of the research is the history of the interaction of Russian artists with Chinese culture, history and art, their perception and interpretation, as well as the features of the artistic embodiment of images and motifs. Iconographic, as well as stylistic and compositional analysis help to identify the content of the artists' works, their language and individual techniques. Comparing the works created both during their stay in China and after the completion of the mission allows us to show how Russian authors developed their impressions, contributing to the creation of a certain image of China in the eyes of Russians. The research methodology is based on a combination of techniques aimed at studying various aspects of the phenomenon of representation of Chinese art and culture in Russia. The methodology is based on a comprehensive study and comparison of various types of sources, research of artistic material, namely: works by Russian artists who participated in the activities of the mission, reflecting images and motives, techniques in their work. The interaction of Chinese and Russian art is an urgent topic of research in the art history of both countries. Against the background of the appeal to the assessment of the current situation and the history of such contacts, it is necessary to analyze the processes that influenced their formation. Russian Russian Orthodox Mission in the XIX century. The main, and sometimes almost the only means of maintaining communication between the two states was the activity of the Russian Orthodox Mission, which included painters associated with the Imperial Academy of Arts and, thus, the best traditions of the Russian art school. The stay of Russian artists in China left a certain imprint on their own creative manner, the choice of subjects, the specifics of the composition and the symbols used in conditions of maintaining adherence to academicism and realism.

Keywords: Russian-Chinese relations, cultural contacts, household genre, portrait, A. M. Legashev, Chinese culture, academic painting, Russian school, The Russian Orthodox Mission, Imperial Academy of Arts

Аннотация: Статья посвящена отражению локальной и этнической специфики (преимущественно провинции Юньнань и тибетского пограничья) в творчестве китайских художников периода «Реформ и открытости» – Цзинь Шанъи, Ван Идуна, Чжан Цзянь Цзюня, Юань Юньшэна, Ай Сюаня, Цзэн Сяофэна, Ма Юня, Мао Сюйхуэя, Чжан Сяогана, Ляо Синьсюэ и Лю Цзымин. Выявлены различные культурные коды, в рамках которых интерпретируется этническая и локальная культура в живописи приезжих и местных художников: экзотический, архаический и эзотерический. Эти различия восприятия и отображения этнолокальной специфики особенно ярко проявляется, когда художники рисуют один и тот же этнолокальный объект – например, жизнь тибетских этнических меньшинств. Гламурные персонажи тибетского цикла Чжан Цзянь Цзюня и Ай Сюаня разительно отличаются от суровых тибетских женщин на картинах Чжан Сяогана. Методология исследования включает иконологический метод, т.е. раскрытие исторически-обусловленного образно-символического содержания произведения искусства, а также семиотический анализ (выявление в живописи различных историко-культурных кодов интерпретации этничности − экзотического, архаического, эзотерического). Основным выводом проведенного исследования является то, что художники различных направлений имеют собственные идеологические и эстетические интенции, поэтому они отбирают из всего многообразия феноменов традиции и повседневной жизни этноса отдельные образные доминанты и выстраивают их в новый культурный код. Можно утверждать, что экзотический культурный код (свойственный преимущественно приезжим художникам взгляд «извне») предполагает «остранение» и доминирование эстетической формы в ущерб этно-культурной конкретике, архаический код (взгляд «изнутри») – дополняет современные этнолокальные элементы историко-культурными (фольклорными) образцами. Художники эзотерического типа кодирования владеют «двойным зрением»: они точно воспроизводят культурный ландшафт Юньнани и «жизненный мир» этнических меньшинств, но интерпретируют его через индивидуальную оптику, с использованием мирового художественного опыта.

Ключевые слова: Юньнань, этническая специфика, культурный ландшафт, художники, масляная живопись, изобразительное искусство, живопись, художественная школа, юньнаньский стиль, природный ландшафт

Abstract: The article is devoted to the reflection of local and ethnic specifics (mainly Yunnan Province and the Tibetan borderland) in the works of Chinese artists of the Reform and Opening Up period – Jin Shangyi, Wang Yidong, Zhang Jian Jun, Yuan Yunsheng, Ai Xuan, Zeng Xiaofeng, Ma Yun, Mao Xuhui, Zhang Xiaogang, Liao Xinxue and Liu Ziming. Various cultural codes within which ethnic and local culture is interpreted in the paintings of visiting and local artists are identified. These differences in the perception and display of ethno-local specifics are especially evident when artists paint the same ethno-local object – for example, the life of Tibetan ethnic minorities. The glamorous characters of the Tibetan cycle of Zhang Jian Jun and Ai Xuan are strikingly different from the stern Tibetan women in the paintings of Zhang Xiaogang. The main conclusion of the study is that artists of various trends have their own ideological and aesthetic intentions, so they select individual figurative dominants from the whole variety of phenomena of tradition and everyday life of the ethnic group and build them into a new cultural code. It can be argued that the exotic cultural code (the view from the outside, characteristic mainly of visiting artists) presupposes “estrangement” and the dominance of aesthetic form to the detriment of ethno-cultural specifics, while the archaic code (the view from the inside) complements modern ethno-local elements with historical-cultural (folklore) examples. Artists of the esoteric type of coding possess “double vision”: they accurately reproduce the cultural landscape of Yunnan and the “life world” of ethnic minorities, but interpret it through individual optics, using world artistic experience.

Keywords: ethnic specifics, cultural landscape, artists, oil painting, visual art, painting, art school, Yunnan style, natural landscape, Yunnan

Аннотация: Статья посвящена основным формам презентации и позиционирования русского изобразительного искусства, в частности петербургской художественной школы, в культурном пространстве современного Шанхая. Материалом исследования служат произведения изобразительного искусства художников из России, которые представлялись в указанный период на выставках и иных культурно-просветительских мероприятиях в Шанхае. Основными задачами исследования являются следующие: определить круг мероприятий в Шанхае, в которых участвовали работы российских художников в 2010–2020-х гг.; дать характеристику работам российских авторов, представленных на выставках, в том числе за счет художественного анализа последних; выявить круг авторов, тем, жанров и образов из области российской живописи, в особенности петербургской, исторических периодов, которые востребованы жителями китайского города. Теоретико-методологическим обоснованием служат труды по истории и теории советского и современного российского искусства, арт-рынка, в области философии и эстетики; фактические материалы, касающиеся художественной жизни Шанхая, в особенности представленные в анонсах и описаниях выставочных проектов и иных мероприятий с участием русской живописи; используется художественно-стилистический анализ. Новизна исследования связана с тем, что в нем освещается современная ситуация в сфере презентации российского искусства разной направленности институциями Китая на примере Шанхая – города, который традиционно славится связями с культурой северного соседа, в особенности с Санкт-Петербургом – колыбелью художественных традиций русского искусства. Посредством обращения к материалу художественных выставок 2010–2020-х гг., которые прошли в разных пространствах Шанхая, анализируется то, какие подходы предпочитают кураторы таких проектов в презентации русской живописи, как современной, так и советского периода. Проводится художественный анализ живописного материала выставок. Главная функция данных мероприятий определяется сравнением русской и китайской живописи, что важно для новых поколений мастеров.

Ключевые слова: русское изобразительное искусство, Китай, Шанхай, Санкт-Петербург, формы позиционирования, петербургская художественная школа, презентация предметов искусства, выставочная деятельность, культурное пространство, китайско-российские отношения

Abstract: The purpose of the study is to identify the main forms of presentation and positioning of Russian fine art, in particular the St. Petersburg art school, in the cultural space of modern Shanghai. The research material is the works of fine art by artists from Russia, which were presented during this period at exhibitions and other cultural and educational events in Shanghai. Tasks: to determine the range of events in Shanghai in which the works of Russian artists participated in the 2010-2020s.; to characterize the works of Russian authors presented at exhibitions, including through the artistic analysis of the latter; to identify the authors, themes, genres and images of Russian painting, and historical periods that are in demand by residents of the Chinese city. The theoretical and methodological basis of this research is the works on the history and theory of Soviet and modern Russian art, the art market, philosophy and aesthetics, as well as factual materials related to the artistic life of modern Shanghai, especially those presented in announcements and descriptions of exhibition projects and other events in Shanghai with the participation of Russian painting. The novelty of the study is due to the fact that it highlights the current situation in the field of presentation of Russian art by Chinese institutions on the example of Shanghai, a city that is traditionally famous for its ties with the culture of its northern neighbor, especially with St. Petersburg – the cradle of the artistic traditions of Russian art. By referring to the material of art exhibitions of the 2010-2020s, which took place in different spaces of Shanghai, the author analyzes which approaches the curators of such projects prefer in the presentation of Russian painting, both modern and Soviet period. An artistic analysis of the pictorial material of the exhibitions is carried out. The main function of these events is determined by the comparison of Russian and Chinese painting, which is important for new generations of masters.

Keywords: Sino-Russian relations, cultural space, exhibition activities, presentation of art objects, St. Petersburg Art School, positioning forms, St. Petersburg, Shanghai, China, Russian fine art

Аннотация: Предметом исследования предлагаемой статьи являются ранние пленэрные работы немецкой художницы-экспрессиониста Габриэле Мюнтер, впоследствии – участницы художественного объединения "Синий всадник", ученицы и подруги Василия Кандинского. Авторы статьи ставят целью рассмотреть и ввести в научный оборот ряд этюдов Мюнтер, созданных ей в период летних выездов на пленэр в 1902-1903 гг. в альпийские города Кохель и Кальмюнц с мюнхенской художественной школой "Фаланга", возглавляемой Кандинским. В статье также рассматриваются живописные пленэрные работы Кандинского, созданные им в те же годы там же, в Баварии – преимущественно пейзажи и этюды фигур в пейзаже. Авторы исследования видят своей задачей проследить влияние художественной манеры Кандинского и его роли как учителя на формирование Мюнтер-живописца. Методология исследования включает в себя формально-стилистический, сравнительный методы искусствоведческого анализа, а также комплексный историко-биографический подход. Актуальность исследования обусловлена его научной новизной: авторы статьи впервые в русскоязычной искусствоведческой литературе описывают до-экспрессионистские произведения Мюнтер периода совместных пленэров с Кандинским, прослеживают становление её художественного видения и живописной манеры, влияние на её формирование Кандинского. Развитие импрессионистической техники, общей у Мюнтер и Кандинского в начале 1900-х гг., по мнению авторов статьи, сочетается с индивидуальными поисками выразительности формы и цвета. Первым опытам пленэрной масляной живописи в особой "шпатель-технике" под руководством Кандинского сопутствуют успешные поиски Мюнтер в области графики, освоение техники печати цветной гравюры на дереве. Авторы статьи приходят к выводу, что на формирование оригинальной манеры Мюнтер в равной степени оказали влияние как живописное раскрепощение благодаря этюдной практике маслом, так и собственные опыты в рисунке и гравюре.

Ключевые слова: Габриэле Мюнтер, Василий Кандинский, графика, живопись, ксилография, Синий всадник, пейзаж, экспрессионизм, импрессионизм, этюд

Abstract: The subject of the study of the proposed article is the early plein-air works of the German expressionist artist Gabriele Munter, later a member of the Blue Horseman art association, a student and friend of Vasily Kandinsky. The authors of the article aim to review and introduce into scientific circulation a number of Munter's sketches created by her during summer trips to the plein air in 1902-1903 to the Alpine towns of Kochel and Kalmunz with the Munich art school "Phalanx", headed by Kandinsky. The article also examines the picturesque plein-air works by Kandinsky, created by him in the same years there, in Bavaria - mainly landscapes and sketches of figures in the landscape. The authors of the study see as their task to trace the influence of Kandinsky's artistic manner and his role as a teacher on the formation of a Munter painter.  The research methodology includes formal stylistic, comparative methods of art criticism analysis, as well as a comprehensive historical and biographical approach. The relevance of the study is due to its scientific novelty: the authors of the article for the first time in Russian-language art history literature describe the pre-expressionist works of Munter during the period of joint plein-airs with Kandinsky, trace the formation of her artistic vision and picturesque manner, the influence of Kandinsky on her formation. The development of the impressionistic technique common to Munter and Kandinsky in the early 1900s, according to the authors of the article, is combined with individual searches for expressiveness of form and color. The first experiments of plein-air oil painting in a special "spatula technique" under the guidance of Kandinsky were accompanied by the successful search for Munter in the field of graphics, mastering the technique of printing color woodcuts. The authors of the article come to the conclusion that the formation of the original manner of Munter was equally influenced by both pictorial emancipation through sketching practice in oil, as well as their own experiences in drawing and engraving.

Keywords: study, impressionism, expressionism, landscape, The Blue Rider, woodblock print, graphics, painting, Wassily Kandinsky, Gabriele Münter

Аннотация: Предметом исследования является одна из особенностей иконографии художников Венского Сецессиона, а именно смешение в одном произведении элементов, принадлежащих разным культурным традициям, и использование ницшеанской концепции декаданса (в первую очередь, представленной философом в работе "Казус Вагнер") для понимания причин подобного исчезновения границ. Особое внимание автора уделено сочетанию в одном произведении элементов христианского культа и античной мифологии (как в случаях "Бетховенского фриза" Г. Климта или таких работ М. Клингера как скульптура Бетховена для выставки Сецессиона 1902 года и монументальное полотно "Христос на Олимпе"). Ещё одним рассматриваемым аспектом вышеупомянутого культурного смешения оказалось стирание границы между фантастическим и реальным, что особенно видно в такой работе как "Автопортрет с русалкой" К. Мозера. Основным методом настоящей работы является иконографический анализ художественных произведений, находящихся в коллекциях музеев города Вены. Основным выводом статьи является то, что художники Венского Сецессиона, творившие в последние годы существования распадающейся в силу множества факторов Австро-Венгерской империи, несмотря на своё стремление создать новый художественный язык, способный объединить отдаляющиеся друг от друга народы страны, отразили разрушение окружающего их социального порядка в своих работах. Декаданс, который Ф. Ницше ассоциирует с распадом единого целого и утратой иерархических взаимоотношений в угоду отдельных индивидов, высвободил творческую энергию целого поколения австрийских художников, создававшего свои произведения, презрев существовавшие до этого границы между светским и религиозным и, как следствие, между христианским и языческим, реальным и воображаемым. Новизна настоящего исследования заключается в применении особой оптики, ядром которой является феномен декаданса. Через эту призму возможно рассмотреть наследие Венского Сецессиона не как особый извод европейского модерна или предтечу модернизма XX века, а как часть иного потока культурных явлений, пронизывающего культуру Европы XIX-XX веков, не связанного строгими стилистическими (модерн) или иконографическими (символизм) ограничениями.

Ключевые слова: декаданс, модерн, символизм, Австро-Венгрия, Густав Климт, Коломан Мозер, живопись, мифологические образы, религиозное искусство, Вена

Abstract: The subject of the study is one of the features of the iconography of the artists of the Viennese Secession, namely the mixing in one work of elements belonging to different cultural traditions, and the use of the Nietzschean concept of decadence (primarily presented by the philosopher in his work "Casus Wagner") to understand the reasons for such a misplacement of boundaries. The author pays special attention to the combination of elements of Christian cult and ancient Greek and Roman mythology in one work (as in the cases of the "Beethoven Frieze" by G. Klimt or such works by M. Klinger as the sculpture of Beethoven for the 1902 Secession exhibition and the monumental canvas "Christ on Olympus"). Another aspect of the above-mentioned cultural mixing was the blurring of the boundary between the fantastic and the real, which is especially evident in such a work as "Self-Portrait with a Mermaid" by K. Moser.  The main method of this work is the iconographic analysis of works of art in the collections of museums in Vienna. The conclusion of the article is that the artists of the Vienna Secession, who worked in the last years of the existence of the Austro-Hungarian Empire, which was disintegrating due to many factors, despite their desire to create a new artistic language capable of uniting the peoples of the collapsing country, reflected the destruction of the social order surrounding them in their works. Decadence, which F. Nietzsche associates with the disintegration of a single whole and the loss of hierarchical relationships in favor of individual individuals, released the creative energy of an entire generation of Austrian artists who created their works, ignoring the boundaries that existed before between secular and religious and, as a result, between Christian and pagan, real and imaginary. The novelty of this study lies in the use of special optics, the core of which is the phenomenon of decadence. Through this prism, it is possible to consider the legacy of the Vienna Secession not as a regional vesrion of European art nouveau or the forerunner of twentieth-century modernism, but as part of a different stream of cultural phenomena permeating the culture of Europe of the XIX-XX centuries, not bound by strict stylistic (art nouveau) or iconographic (symbolism) restrictions.

Keywords: myphological imageries, religious art, painting, Koloman Moser, Gustav Klimt, Austro-Hungary, symbolism, art nouveau, decadence, Vienna

Аннотация: Целью данной статьи является анализ картины П. И. Соколова (1753–1791) «Меркурий и Аргус» (1776 г.) в контексте художественных предпочтений эпохи. Задачи исследования: проанализировать подготовительные рисунки и картину; изучить архивные источники, рапорты художника; выявить процесс работы над картиной; обозначить отражение в картине эстетических идеалов эпохи и восприятие современниками. Объектом нашего внимания станет художественный процесс создания во второй половине XVIII в. исторической картины на примере произведения П. И. Соколова «Меркурий и Аргус». Предметом исследования является роль набросков, зарисовок с натуры, эскиза композиции в работе П. И. Соколова над картиной «Меркурий и Аргус». Автор рассматривает приемы изобразительной техники, характер образно-пластического языка, подготовительный графический материал, выявляя процесс работы над картиной, основывающийся на академической системе образования. Приводя цитаты из писем, рапортов и сочинений второй половины XVIII в., автор анализирует, что было характерно для искусства исследуемого периода, какие задачи ставил для себя художник, какие условия были необходимы для выразительности визуального образа и идеи картины, а также достижения ее положительной оценки современниками. В ходе изучения картины, подготовительных рисунков, а также рапортов П. И. Соколова были применены следующие методы: формальный, формально-стилистический, искусствоведческий анализ. Автор приходит к выводу, что работа над картиной на историческую тему во второй половине XVIII в. включала в себя большой планомерный творческий процесс, диктуемый академической системой образования в Императорской академии художеств. Анализ картины, подготовительных рисунков и эскиза композиции показал, что выполнение рисунков с натуры, зарисовок отдельных частей и фрагментов будущей композиции, стали основой последующего поиска лучшего образа. Историческая живопись второй половины XVIII в. отражала эстетические воззрения и идеалы эпохи, являясь художественным воплощением идей теоретических трактатов и сочинений, направленных на совершенствование изобразительного образа. Новизна исследования заключается в рассмотрении картины не только как части художественного наследия мастера, но и как отражение академической системы образования в Императорской академии художеств второй половины XVIII в. и эстетики просветительского классицизма.

Ключевые слова: историческая живопись, искусство XVIII века, академик исторической живописи, Петр Иванович Соколов, Императорская академия художеств, классицизм, подготовительный рисунок, рисунок с натуры, живопись, графика

Abstract: Purpose of this article is analysis of painting by P. I. Sokolov (1753-1791) «Mercury and Argus» (1776) in context preferences of era. Objectives of study: analyze preparatory drawings and picture; study archival sources, artist reports; reveal process of painting; represent aesthetic ideals of epoch and perception of personality. Our focus will be on artistic process of creation historical picture in second half of XVIII century on example of work by P. I. Sokolov «Mercury and Argus». Research subject is role of sketches from nature, sketch composition in work of P. I. Sokolov on picture «Mercury and Argus». Author considers of visual technique, graphic-plastic composition, preparatory graphic, identifying process of working on picture based on academic education system. Citing quotes from letters, reports and writings of second half of XVIII century author analyses what was typical for art of period under study, what tasks artist set for himself, what conditions were necessary for expressiveness of visual image and idea of picture as well as her positive evaluation by her contemporaries. During study were applied: formal, formal-stylistic, art criticism analysis. Author comes to conclusion that work on historical painting in second half of XVIII century included a large systematic creative process dictated by academic education system at Imperial Academy of Arts. Analysis showed that execution of sketches and drawings from nature became basis for subsequent search for better image. Historical painting of second half of XVIII century reflected aesthetic views and ideals of era, being an artistic embodiment of ideas of theoretical treatises aimed at improving visual image. Novelty of research lies in considering painting not only as part of artistic heritage, but also as a reflection of academic education system at Imperial Academy of Arts in second half of XVIII century and aesthetics of educational classicism.

Keywords: painting, life drawing, classicism, preparatory drawing, The Imperial Academy of arts, academician of historical painting, Petr Ivanovich Sokolov, art of XVIII century, historical painting, graphics

Аннотация: В данной работе основное внимание уделяется изучению воздействия русского реализма на китайское изобразительное искусство. Предметом исследования является то, как китайские художники адаптировали и переосмыслили эстетические концепции русского реализма в своих работах. Особенно интересен процесс взаимного обогащения культур через художественные практики, который не только обновил традиционное китайское искусство, но и внес новые элементы в понимание реализма. Автор подробно анализирует, как социальная критика и гуманистические идеалы русского реализма нашли свое отражение в китайском искусстве, освещая процессы культурной адаптации, которые способствовали формированию новых художественных форм и тем. Такой подход позволяет осмыслить, как международные художественные обмены влияют на развитие искусства, делая его более многообразным и мультикультурным. Этот процесс адаптации и инновации подчеркивает важность культурного диалога и взаимного обогащения в современном мире искусства. Исследование опирается на компаративный анализ произведений искусства и художественных традиций, а также на изучение исторических и культурных контекстов, влияющих на развитие визуального искусства в России и Китае. Научная новизна работы заключается в том, что она раскрывает механизмы культурной интеграции и инновации через призму художественного обмена между Россией и Китаем. Работа детально показывает, как русский реализм не только влиял на китайское искусство, но и способствовал созданию уникальных художественных форм, отражающих современные социальные и культурные запросы, обогащая тем самым глобальное искусственное пространство. Исследование подчеркивает, как слияние русского реализма с китайской традиционной эстетикой обогатило художественные традиции обеих стран, создав новое направление в китайском искусстве. Это направление учитывает глобальные тенденции и локальные культурные ценности, способствуя более глубокому культурному диалогу и взаимопониманию. Результатом стало обогащение обеих культур, что позволило художникам исследовать новые идеи и формы, укрепляя межкультурные связи и расширяя границы искусственного взаимодействия.

Ключевые слова: русский реализм, китайское изобразительное искусство, культурный обмен, социальная критика, гуманистические идеалы, адаптация, инновация, межкультурное взаимодействие, художественные традиции, культурная интеграция

Abstract: This paper examines the impact of Russian realism on Chinese visual art, focusing on how Chinese artists have adapted and reinterpreted Russian aesthetic concepts. The study highlights the role of cross-cultural exchanges in enriching both traditional Chinese art and the broader understanding of realism. Through a detailed analysis, the author explores the reflection of Russian realism's social criticism and humanistic ideals in Chinese artistic practices, and how these influences have fostered new artistic forms and themes within China.The research employs comparative analysis of artworks and artistic traditions alongside historical and cultural contexts of both Russia and China. This approach underscores the importance of international artistic exchanges in creating a more diverse and multicultural art world. The study's novelty lies in uncovering the mechanisms of cultural integration and innovation through artistic exchanges between the two countries, detailing how Russian realism has not only shaped Chinese art but also spurred the creation of unique forms that reflect contemporary societal and cultural demands.Significantly, the fusion of Russian realism and traditional Chinese aesthetics has led to a new artistic direction in China that melds global artistic trends with local cultural values. This synthesis has facilitated deeper cultural dialogues and mutual understanding, enriching the artistic traditions of both Russia and China. Artists have been provided with new opportunities to explore innovative ideas and forms, thus strengthening cross-cultural ties and expanding the boundaries of artistic interaction. The paper emphasizes the transformative power of this artistic merger in enriching the global art space and fostering a more inclusive and varied artistic milieu.

Keywords: Artistic traditions, Intercultural interaction, Innovation, Adaptation, Humanistic ideals, Social criticism, Cultural exchange, Chinese visual art, Russian realism, Cultural integration

Аннотация: Объект исследования: ряд произведений, которые идентифицированы различными исследователями как портреты Д. А. Голицына – видного государственного деятеля Российской империи второй половины XVIII в., проявившего себя на ниве дипломатической службы в качестве полномочного представителя Императорского двора. Интерес князя к искусству определил его особую роль в художественном мире Европы, а также в формировании коллекции Эрмитажа в России и в привлечении иностранных художников в страну. Предмет исследования: связь существующих портретных изображений с вехами судьбы Д. А. Голицына и в контексте взаимодействия с художественным миром XVIII в. Несмотря на близкие контакты князя с живописцами, скульпторами, графиками, его портретных изображение в настоящее время известно немного. Метод исследования: иконографический, выяснение главных иконографических признаков внешности князя Д. А. Голицына, которые позволят идентифицировать его изображения. Научная новизна исследования состоит в систематизации имеющегося на сегодня иконографического ряда изображений Д. А. Голицына, в результате чего его широко известный силуэтный портрет оказался созданным современным художником-графиком И. В. Голицыным на основе гравюры, изображающей сына князя, священника католической церкви Д. Д. Голицына. Подобные изображения с учетом предполагаемого внешнего сходства отца и сына представляют собой своего рода контаминацию внешности двух персон. Атрибуция одного из портретов Д. А. Голицына из коллекции наследников его дочери, немецких аристократов Сальм-Сальм, признана ошибочной, поскольку он является копией работы французского живописца первой половины XVIII в. из семейства Куапель и изображает другого человека. Определен круг безусловно бесспорных изображений князя Д. А. Голицына, к которым относятся скульптурные портреты французской художницы Мари-Анн Колло, один из которых теперь находится в частном собрании в Москве, а также профильный рисунок ее мужа Пьера Этьена Фальконе.

Ключевые слова: Дмитрий Алексеевич Голицын, Екатерина Вторая, портрет, иконография, Мари-Анн Колло, Пьер Этьен Фальконе, скульптурный бюст, силуэт, гравюра, рисунок

Abstract: Author consider a number of works that have been identified by various researchers as portraits of D. A. Golitsyn, a prominent statesman of the Russian Empire in the second half of the 18th century. The Prince's interest in art determined his special role in the artistic world of Europe, as well as in the formation of the Hermitage collection and in attracting foreign artists to the country. The subject of research is the connection of existing portrait images with the milestones of the fate of Golitsyn and in the context of interaction with the artistic world of the 18th century. Despite the prince’s close contacts with painters, sculptors, and graphic artists, few portraits of him are currently known. Research method used in the article is the iconographic elucidation of the main features of Prince Golitsyn's appearance, which allow to identify his images. The scientific novelty of the study consists in the systematization of the iconographic series of images of D. A. Golitsyn available today, as a result of which his well-known silhouette portrait turned out to be created by a modern graphic artist I. V. Golitsyn based on an engraving depicting the son of the prince, a priest of the Catholic Church D. D. Golitsyn. The attribution of one of D. A. Golitsyn's portraits from the collection of his daughter's heirs, the German aristocrats Salm-Salm, is recognized as erroneous, since it is a copy of the work of the French painter of the first half of the 18th century from the Coypel family and depicts another person. The circle of absolutely indisputable images of Prince has been determined. Golitsyn, which include sculptural portraits by French artist Marie-Anne Collot, one of which is now in a private collection in Moscow, as well as a profile drawing by her husband Pierre-Etienne Falconet.

Keywords: drawing, engraving, silhouette, sculptural bust, Pierre-Etienne Falconet, Marie-Anne Collot, iconography, portrait, Catherine the Second, Dmitry A. Golitsyn

Аннотация: В статье рассматриваются два этюда раннего периода творчества Мстислава Добужинского, относящиеся ко времени его жизни и учёбы в Германии (Мюнхене): "Улица в Мюнхене" (ок. 1899–1901 гг.) и "Мюнхен. Мастерская школы Антона Ашбе" (ок. 1900 г.). Авторы статьи, опираясь на художественно-критическую литературу, посвящённую творчеству Добужинского, а также переписку и мемуары художника и его современников, рассматривают городской пастельный пейзаж и интерьерный этюд конца 90-х гг. XIX века в контексте тех задач, которые ставил перед собой художник в период обучения за границей в школах Антона Ашбе и Шимона Холлоши, а также в русле концептуальных поисков художника как раннего, так и зрелого периодов творчества. В анализе рассматриваемых произведений авторы статьи используют формально-стилистический, описательный методы, исследование особенностей художественной манеры, характера образно-пластического языка произведений, эмоционально-эстетическую оценку. Авторы статьи обнаруживают безусловное совпадение художественных образов, настроя и фактуры ранних этюдов мюнхенского периода художника со словесными описаниями атмосферы Мюнхена конца 1890-х годов и школы Антона Ашбе и его метода, оставленных художником и его современниками в письмах, воспоминаниях, художественно-критических и исторических заметках. Подводя итоги анализу "Улицы Мюнхена" и этюда "Мюнхен. Мастерская школы А. Ашбе" Мстислава Добужинского, авторы приходят к выводу, что особое, тонкое поэтическое настроение двух рассматриваемых произведений, хмурого осеннего пейзажа и светлого солнечного интерьерного этюда, представляя ранний этап эволюции художественной манеры мастера, содержательно и образно отражают концепцию "тихой поэзии", свойственную зрелой графике и живописи художника, последовательно развиваемую им в дальнейшем творчестве

Ключевые слова: пейзаж, этюд, графика, живопись, Мир искусства, символизм, русский Мюнхен, Мстислав Добужинский, живописный этюд, мирискусники

Abstract: The article examines two studies of the early period of Mstislav Dobuzhinsky's work, relating to the time of his life and studies in Germany (Munich): "A Street in Munich" (circa 1899-1901) and "Workshop of the Anton Ashbe School" (1899). The author of the article, based on the artistic and critical literature devoted to Dobuzhinsky's work, as well as correspondence and memoirs of the artist and his contemporaries, examines the urban pastel landscape and interior sketch of the late 90s. In the context of the tasks that the artist set himself during his studies abroad at the schools of Anton Ashbe and Shimon Holloshi, as well as in line with the conceptual searches of the artist both in the early and mature periods of creativity. In the analysis of the works under consideration, the author of the article uses formal stylistic, descriptive methods, the study of the features of artistic manner, the nature of the figurative and plastic language of the works, emotional and aesthetic assessment. The author of the article discovers an unconditional coincidence of artistic images, mood and texture of the early sketches of the artist's Munich period with verbal descriptions of the atmosphere of Munich in the late 1890s and the school of Anton Ashbe and his method, left by the artist and his contemporaries in letters, memoirs, art-critical and historical notes. Summing up the analysis of the "Streets of Munich" and the "Workshop of the Anton Ashbe School" by Mstislav Dobuzhinsky, the author of the article concludes that the special, subtle poetic mood of the two works under consideration, a gloomy autumn landscape and a bright sunny interior sketch, representing the early stage of the evolution of the artistic manner of the master, thoughtfully and figuratively reflect the concept "quiet poetry", characteristic of the artist's mature graphics and paintings, consistently developed by him in his further work.

Keywords: World of Art artists, painting study, Mstislav Dobuzhinsky, Russian Munich, Mir iskusstva, symbolism, painting, graphics, study, landscape

Аннотация: Реалистические идеи и революционные концепции, характерные для советской масляной живописи, имели особое значение для развития искусства в Китае в XX веке. В частности, в 1950-е годы руководители Коммунистической партии Китая высоко оценивали и пропагандировали советскую живопись на государственном уровне, что во многом способствовало формированию идеи реалистической живописи и научной системы преподавания масляной живописи в китайском обществе. В данной статье рассматриваются основные ценности социализма, воплощенные в советской масляной живописи, и их производные; прослеживается развитие масляной живописи в Китае; фиксируется значительная роль социалистических черт в развитии масляной живописи с разных точек зрения; объясняется влияние советской системы художественного образования на развитие масляной живописи в Китае. Научная новизна исследования определяется тем, что большая часть предыдущих исследований в значительной степени была сосредоточена на наследии китайских и советских методов и концепций живописи. Глубина большинства исследований неизбежно ограничивается сменой стиля художественного творчества либо столкновением художественных течений, принадлежащих к разным религиям и разным традиционным культурам. Наследие советского реалистического искусства в Китае по существу является «единственным» выбором для конкретного исторического периода, а также специфической художественной концепцией, адаптированной к китайскому контексту. Будь то во время антияпонской войны или в начале становления Нового Китая, национальные лидеры безотлагательно нуждались в той форме искусства, которая могла бы удовлетворить эстетическому вкусу публики и вызвать эмоциональный отклик, способствуя формированию национального имиджа. В данной работе всесторонне рассматриваются положительное влияние советской живописи на развитие китайского художественного образования, способствовавшая развитию современного китайского искусства с точки зрения художественного творчества, художественной организации и построения системы художественного образования.

Ключевые слова: история искусства, развитие искусства, советская масляная живопись, реалистическая масляная живопись, художественное образование, китайская масляная живопись, искусство соцреализма, социалистический реализм, Изобразительное искусство, художественное развитие

Abstract: The realist ideas and revolutionary concepts characteristic of Russian oil painting were of special significance for the development of art in China in the 20th century. In particular, in the 1950s, the leaders of the Chinese Communist Party praised and promoted Russian and Soviet painting at the state level, which greatly contributed to the formation of the idea of realist painting and the scientific system of teaching oil painting in Chinese society. This paper examines the core values of socialism embodied in Russian oil painting and their derivatives; traces the development of oil painting in China; records the significant role of socialist features in the development of oil painting from different perspectives; and explains the influence of the Soviet art education system on the development of oil painting in China. This paper comprehensively examines the positive impact of Soviet painting on the development of Chinese art education, which contributed to the development of modern Chinese art in terms of artistic creativity, artistic organization and the construction of a system of art education.

Keywords: art education, Chinese oil painting, art of socialist realism, socialist realism, Fine Arts, artistic development, Soviet oil painting, realistic oil painting, art development, art history

Аннотация: В статье проводится анализ международной деятельности выдающегося представителя китайского мира искусства Сюй Бэйхуна. Предметом рассмотрения становятся поездки художника в страны Европы, Юго-Восточной Азии и СССР в 30-х – начале 40-х годов XX века. Особое внимание уделяется тому, как живописец организовывал участие китайских художников в выставочных проектах международного уровня. Дается детальная характеристика наиболее значимым из них. Акцент делается на том, как Сюй Бэйхун отбирал произведения для выставочных проектов, которые можно было бы назвать "чистым и репрезентативным китайским искусством". Также выявляется роль Сюй Бэйхуна в деле популяризации китайского искусства. В статье впервые раскрываются этапы и особенности деятельности выдающегося китайского художника Сюй Бэйхуна, ориентированной на популяризацию китайского изобразительного искусства и культуры за пределами Китая. В качестве вывода утверждается и аргументируется положение о том, что деятельность Сюй Бэйхуна за рубежом, включавшая в себя многообразие форм представления китайской живописи – выставки, лекции, мастер-классы, научные доклады, информационные платформы и пр., стала первым серьезным шагом, который позволил показать наследие китайской художественной культуры широкой общественности за пределами Китая, вывести китайскую живопись на международную арену.

Ключевые слова: китайское искусство, международные выставки, китайская живопись, Сюй Бэйхун, культурные обмены, выставочный проект, живопись, Китай, китайский художник, история

Abstract: The article analyzes the international activities of the outstanding representative of the Chinese art world Xu Beihong. The subject of consideration is the artist's trips to the countries of Europe, Southeast Asia and the USSR in the 30s - early 40s of the XX century. Special attention is paid to how the painter organized the participation of Chinese artists in international exhibition projects. A detailed description of the most significant of them is given. The emphasis is on how Xu Beihong selected works for exhibition projects that could be called "pure and representative Chinese art." The role of Xu Beihong in the popularization of Chinese art is also revealed. The article reveals for the first time the stages and features of the activities of the outstanding Chinese artist Xu Beihong, focused on the popularization of Chinese fine art and culture outside China. As a conclusion, it is argued and argued that Xu Beihong's activities abroad, which included a variety of forms of representation of Chinese painting – exhibitions, lectures, master classes, scientific reports, information platforms, etc., was the first serious step that allowed showing the heritage of Chinese art culture to the general public outside China, to bring Chinese painting to the international arena.

Keywords: chinese artist, China, painting, exhibition project, cultural exchanges, Xu Beihong, chinese painting, international exhibitions, chinese art, history

Аннотация: В статье рассматриваются вопросы зарождения и становления женского искусства в Китае. Развитие данного художественного направления было обусловлено радикальными социальными преобразованиями, происходившими в стране в ходе реализации политики «открытых дверей», начиная с 1978 года. На материале творчества Ли Хун, Цуй Сювэнь, Фэн Цзяли, Юань Яоминь и др. рассматриваются основные особенности эволюции женского искусства. Поиск и обретение женской идентичности, разрушение психологических барьеров, навязанных традиционными представлениями и стереотипами о женщине, ее телесности, красоте и пр., исследование гендерных различий, отображение женской субъективности, утверждение нового статуса женщины в современном обществе – все это составляет содержание произведений женщин-художников в Китае.   Новизна исследования заключается в том, что в статье изучаются произведения достаточно авторитетных китайских художниц, не представленные раннее российской искусствоведческой науке. Настоящая статья призвана внести вклад в изучение процессов раскрепощения сознания китайцев и повышения статуса женщины в обществе, в том числе как художницы. Размышления о личном опыте, социальных проблемах и исторических судьбах определяют специфику художественного языка женских произведений. Ввиду активных феминистских движений современности, повышения внимания к внутреннему миру женщины и критики в адрес патриархальных устоев обращение к данной теме представляется сегодня весьма актуальным.

Ключевые слова: китайское искусство, китайская живопись, женское искусство Китая, феминистское искусство, художественный язык, телесность, женская субъективность, женская идентичность, женский образ, новая женщина

Abstract: The article discusses the origin and evolution of women's visual art in China. The development of this artistic direction was due to the radical social transformations since the beginning of the Open Door Policy in 1978. Analysis of the art by Li Hong, Cui Xiuwen, Feng Jiali, Yuan Yaomin and others reveals main features of the evolution of women's creativity in China. The search and acquisition of female identity, the destruction of psychological barriers imposed by traditional ideas and stereotypes about a woman, her physicality, beauty, etc., the study of gender differences, the reflection of female subjectivity, the assertion of a new status for women in modern society - all this makes the content of Chinese women's art. The novelty of the research lies in the fact that the article studies the works of quite reputable Chinese artists who were not presented earlier in Russian art history science. This article is intended to contribute to the study of the processes of emancipation of the consciousness of the Chinese and raising the status of women artists in society. Reflections on personal experience, social problems and historical destinies determine the specifics of the artistic language of women's works. In view of the active feminist movements of our time, increasing attention to the inner world of women and criticism of patriarchal foundations, addressing this topic seems very relevant today.

Keywords: female image, female identity, female subjectivity, physicality, artistic language, feminist art, women's art of china, chinese painting, chinese art, a new woman

Аннотация: Статья посвящена изучению творчества современных китайских и российских художников, в работах которых отобразились образы ландшафтов Китая. Сравнительный анализ пейзажных работ китайских и русских художников, посвященных Китаю, позволяет выявить важнейшие тенденции и закономерности в методах воплощения ландшафтов Китая в живописи в России и Китая конца XX – начала XXI в. Целью данного исследования является определение основных пересечений в подходах художников двух стран. Специфика художественно-выразительного языка китайских и русских художников-пейзажистов в воплощении ландшафтов Китая определяется в первую очередь влиянием современной национальной школы живописи, а также стремлением развивать и обновлять существующие традиции, находя вдохновение в зарубежном опыте, соприкасаясь с чужой культурой и художественной традицией. Основными выводами исследования является то, что пейзажная живопись художников России и Китая обнаруживает сходство в формальном плане: представители обеих стран используют приемы, техники, выразительные особенности, как реалистической школы, так и импрессионизма. Научная новизна определяется тем, что раскрывается механизм интеграции китайскими живописцами принципов реализма и импрессионизма западной. в том числе русской школы живописи, но с целью подчеркнуть особенности национального видения объекта творчества - пейзажных образов, посвященных Китаю. Автор, вводя в российскую науку обширный корпус художественных материалов российских и китайских живописцев, отмечает на основе их анализа наличие пересечений и принципиальных различий, что указывает на сложность механизмов культурного обмена между двумя странами.

Ключевые слова: пейзажная живопись, современная китайская живопись, современная русская живопись, Лавренко, Тянь Хайбо, Хонг Леунг, Буртов, Васильева, Яо Лу, культурный обмен

Abstract: The article is devoted to the study of Chinese landscapes painting by Chinese and Russian artists. Comparative analysis of landscape painting by Chinese and Russian artists dedicated to China allows to identify the most important trends and patterns in the methods of landscapes painting in Russia and China of the late XX в - early XXI century. The purpose of this study is to determine the main intersections in the approaches of artists of the two countries. The specificity of the artistic and expressive language of Chinese and Russian landscape artists in the embodiment of landscapes of China is determined primarily by the influence of the modern national school of painting, as well as the desire to develop and update existing traditions, finding inspiration in foreign experience, coming into contact with foreign culture and artistic tradition. The main conclusions of the study are that landscape painting by artists of Russia and China reveals similarities in formal terms: artists of both countries use techniques of both, realistic school and impressionism. Scientific novelty is determined by the fact that the mechanism of integration of the principles of realism and Western impressionism by Chinese painters is revealed. The author introduces an extensive body of artistic materials of Russian and Chinese painters into Russian science, notes that there are significant differences between the artists of the two countries.

Keywords: Yao Lu, Vasilyeva, Burtov, Tian Haibo, Hong Leung, Lavrenko, modern russian painting, modern chinese painting, landscape painting, cultural exchange

Аннотация: Предметом исследования является такое средство гармонизации композиции изображения на плоскости, как контраст. В статье оценитвается возможность и условия использования контраста с целью повышения привлекательности проектируемого фотографического изображения. Рассматриваются примеры фотографий с удачным использованием контраста. Приводятся данные исследования по восприятию контраста системой визуального восприятия человека. Рассматривается связь контраста с условиями существования гармоничной композиции. Рассматривается связь свойств композиционных элементов фотографии и составляющих визуального восприятия, отмеченных Р. Бартом в своей работе «Camera lucida». Анализ фотографических изображений. Сравнение эмпирических данных исследования восприятия контраста человеком, применение индукции и дедукции при анализе результатов исследования и сопоставлении их с условиями существования гармоничной композиции. Особым вкладом автора в исследование темы является сопоставление результатов эмпирического исследования восприятия контраста человеком в части зависимости чувствительности визуальной системы человека к размерам наблюдаемых чередующихся контрастных полос с размером доминантного относительно поля изображения объекта композиции. Предложено для гармонизации композиции проектируемого изображения использовать высокий контраст элементов деталировки.

Ключевые слова: тональный контраст, свет и тьма, гармоничная композиция, деталировка, фокус внимания, проектирование изображения, восприятие контраста, яркая точка, фотография, визуальное восприятие

Abstract: The subject of this research is such a means of harmonization of composition of the image in a plane as the contrast. The article assesses the possibility and factors of using contrast for increasing the attractiveness of the designed photographic image. The author reviews the examples of photo images with appropriate use of contrast; provides the research data on the perception[WU1]  of contrast by human visual system.; explores correlation between contrast and the conditions for a harmonious composition; as well as reviews the connection between the properties of compositional elements of photography and the components of visual perception, discovered by R. Barthes in his work “Camera Lucida”. The author carries out the analysis of photographic images; compares the empirical data on the study of perception of contrast by a human; applies the methods of induction and deduction in analyzing the acquitted results and comparing them with the characteristics of a harmonious composition. The author’s special contribution consists in comparison of the results of empirical research of perception of contrast by a human in the context of dependence of the sensitivity of human visual system on the size of observable alternating contrast lines and the size of the dominant in relation to the image field object of composition. It is proposed to use high contrasts of the elements of detail drawing for reaching harmonization of composition of the designed image elements.  [WU1]

Keywords: photography, bright dot, contrast perception, image projecting, focus of attention, detailed drafting, harmonious composition, light and darkness, tonal contrast, visual perception

Аннотация: В статье проанализированы отдельные примеры формального соответствия общемировым тенденциям в отечественной печатной графике XX — начала XXI в. Предмет исследования — сравнительные характеристики русской и общемировой практики в области современного графического искусства. В этом контексте прежде всего выделены стилистические характеристики экспрессионизма (1910–1920-гг.) и неоэкспрессионизма (1960–1980-е гг.). Методом компаративного анализа определены точки взаимодействия российских примеров западным аналогам, а также качества их оригинальности, внеположные формальным соответствиям. Акцентированы источники определения своеобразия графики как вида искусства в истории отечественного искусствознания.   В процессе исследования выделены, в частности, примеры «экспрессивной» графики в творчестве Н. Н. Купреянов и А. И. Кравченко в соотношении с гравюрой немецкого экспрессионизма и некоторые новейшие образцы российской графики (петербургские художники П. С. Белый, П. М. Швецов) в сравнении с графическими опытами А. Кифера. Итоговые выводы базируются на определении своеобразной традиции отечественного реализма (В. А. Ветрогонский и В. И. Шистко), что, по мнению автора материала, следует считать определяющим фактором идентичности русской графики в противовес нивелирующим национально-культурные различия трендам международного актуального искусства.

Ключевые слова: петербургское искусство, русская графика, современное русское искусство, реализм, неоэкспрессионизм, экспрессионизм, печатная графика, история графики, интерпретация, идентичность

Abstract: This article analyzes the examples of formal compliance with global trends in Russian print design of the XX – early XXI centuries. The subject of this research is the comparative characteristics of Russian and world practice in the area of contemporary graphic art. In this context, the author highlights the stylistic characteristics of expressionism (1910 – 1920) and neo-expressionism (1960s – 1980s).  Comparative analysis allows determining the points of intersection of Russian examples to Western analogues, as well as their originalities outlying the formal criteria. Emphasis is placed on the sources of determination of the uniqueness of graphics as a form of art within the history of Russian art studies. In the course of this research, the author brings the examples of “expressive” graphics in the works of N. N. Kupreyanov and A. I. Kravchenko in relation to printmaking of German expressionism, and some recent examples of Russian graphics (Saint Petersburg artists P. S. Bely, P. M. Shvetsov) in comparison to the graphic experiments of A. Kiefer. The conclusions lie in determination of the unique tradition of Russian realism (V. A. Vetrogonsky and V. I. Shistko), which in the author’s opinion, should be considered the crucial actor in the identity of Russian graphics against the trends leveling national cultural differences of international contemporary art.

Keywords: St. Petersburg art, Russian graphics, contemporary Russian art, Realism, Neo-Expressionism, Expressionism, printed graphics, history of graphics, interpretation, identity

Аннотация: В данной статье рассматривается влияние китайской традиционной живописи на формирование западной экспрессионистской живописи, а также трактуется влияние западной экспрессионистской живописи на китайскую живопись в экспрессивной манере разного периода. Автор раскрывает отношения взаимовлияния, а также сходства и различия между западной экспрессионистской живописью и китайской живописью в экспрессивной манере, китайской масляной живописью образов, китайской цветной живописью тушью,китайской живописью образов в западном стиле. Показали, что совместимость китайских и западных картин. Исходя из взаимосвязи между духовной идеологией живописи и художественной формой, проводится сравнительный анализ духовных и формальных факторов китайской и западной живописных систем, с тем, чтобы выяснить, как они влияют друг на друга, и как в результате их взаимовлияния формируются новые концепции живописи.Согласно структуре мазка кисти художника как основа для оценки его эстетического духа. В статье выявляется «цикличный» характер процессов взаимовлияния китайской и западной живописных систем, стимулирующих развитие человеческой цивилизации. Анализ соответствующих культурных генов позволяет оценить индивидуальные художественные характеристики живописи. Китайская и западная живописные системы вступили в период, когда духовная идеология живописи и художественные формы взаимодействуют между собой, открывая эпоху «глобализации» языка живописи.

Ключевые слова: субъективное сознание, западная экспрессионистская живопись, масляная живопись образов, живопись цветной тушью, духовные факторы, формальные факторы, европейская традиционная живопись, Китайская каллиграфия, Китайская традиционная живопись, локализация

Abstract: This article examines the impact of Chinese traditional painting upon the formation of Western expressionism, as well as interprets the influence of Western expressionism upon Chinese painting in expressionist manner of different periods. The author reveals the mutual influence, similarities and differences between Western expressionism and Chinese painting in expressionist manner, Chinese imagery oil painting, Chinese colored ink painting, and Chinese imagery painting in Western style. Based on correlation between the spiritual ideology of painting and artistic form, the author carries out a comparative analysis of spiritual and formal factors of Chinese and Western painting systems for the purpose of determination of their mutual influence, and how it affects the emergence of new concepts in painting. The structure of brush stroke of the artist defines his aesthetic spirit. The article determines the “cyclic” nature of interinfluence processes between Chinese and Western painting systems that stimulate the development of human civilization. The analysis of corresponding cultural factors allows assessing the individual artistic characteristics of painting. Both, Chinese and Western painting systems entered the period when spiritual ideology of painting interacts with the artistic forms, opening the era of “globalization” of the language of painting.

Keywords: Subject consciousness, western expressionist painting, Chinese imagery oil painting, Colored ink painting, Form factor, Spiritual factor, European traditional painting, Chinese calligraphy, Chinese traditional painting, Localization

Аннотация: Предметом данного исследования являются основные нестойкие пигменты, используемые в станковой масляной живописи на разных этапах ее истории (киноварь, ультрамарин, свинцовые белила, ярь-медянка, аурипигмент, желтый хром). В зависимости от своего химического состава, деградация пигментов может протекать по трем основным механизмам, освященным в представленной статье. Группирование нестойких пигментов по механизмам деградации позволяет более точно скорректировать методики превентивной консервации живописных произведений с целью торможения процессов изменения колористических характеристик красочного слоя. Для проведения исследования были использованы метод анализа, исторический метод, логический метод, а также метод индукции и дедукции. Особым вкладом авторов в исследование темы является разделение дегенеративных процессов на пассивные и активные, что способствует четкому структурированию проблематики изменения цвета произведений, написанных в технике масляной живописи. В результате исследования было выявлено, что все варианты дегенеративных механизмов встречаются на протяжении всей истории станковой масляной живописи. Также в статье приведены общие рекомендации по хранению, экспонированию и реставрации произведений живописи, склонных к деградации цветовых характеристик в связи с физико-химическими свойствами красочного слоя.

Ключевые слова: масляная живопись, станковая живопись, западноевропейская масляная живопись, деградация материалов, деградация цвета, нестойкие пигменты, пигменты живописи, деградация живописи, превентивная консервация, изменение цвета живописи

Abstract: The subject of this research is the main fugitive pigments used in easel oil painting at the various stages of its evolution (cinnabar, ultramarine blue, white lead, verdigris, orpiment, yellow chrome). Depending of its chemical composition, the degradation of pigments may vary based on the three main mechanisms described in the article. Grouping of fugitive pigments in accordance with degradation mechanism allow to more accurately rectify the methods of preventative conservation of paintings for obstructing the process of changing of coloristic characteristics of the paint layer. The author’s main contribution consists in demarcation of degenerative processes into passive and active, which results in precise structuring of problematic of the change of color of the paintings carried out in oil technique. It is determined all options of degenerative mechanisms occur throughout the entire history of easel oil painting. The article also provides general recommendation on storage, exhibition and restoration of paintings prone to degeneration of color characteristics due to the physical-chemical properties of the paint layer.

Keywords: pigments in paintings, unstable pigments, color degradation, material degradation, Western European oil painting, easel painting, oil painting, paintings degradation, conservation, painting’s color change

Аннотация: Предметом исследовательского внимания является определение окружности, как способа пространственной и композиционной организации изобразительного материала. В статье излагается тезис о том, что пластическое движение, возникающее при использовании округлой геометрической формы в образном строе, определяет механику зрительного восприятия. Окружность, являясь формообразующим элементом композиции, обладает способностью усиливать не только художественную, но и смысловую выразительность изображения. В статье обращается внимание на приоритетное значение окружности в композиционном построении живописных произведений Рафаэля. Посредством аналитического рассмотрения особенностей художественного языка и композиционных приемов ряда произведений итальянского мастера определяются закономерности пластического построения. На основе проведённого исследования автор приходит к выводу, что окружность, доминируя в композиционной организации картин живописца, остаётся пространственно нейтральной. Архитектоническое применение окружности как фигуры плоскостной позволяет соотнести искусство Рафаэля, как с традициями Средневековой живописи, так и с наследием Пьетро Перуджино.

Ключевые слова: Рафаэль, окружность, архитектоника, живопись, зрительное восприятие, пространственное построение, композиция, полукруг, Перуджино, картинная плоскость

Abstract: The subject of the research attention is the determination of a circle as a method of spatial and compositional organization of visual material. The article presents the thesis that a plastic movement, arising from the use of a rounded geometric shape in the figurative structure, determines the mechanics of visual perception. A circle, being a styling element of a composition, possesses an ability to enhance both artistic and conceptual expression of the image. The article draws attention to the priority value of the circle in the compositional construction of paintings by Raphael. The regularities of plastic construction are determined by the analytical consideration of the peculiarities of the artistic language and compositional techniques of a number of works of the Italian master. Based on the conducted research, the author comes to the conclusion that a circle, dominating in a compositional organization of the artist's works, remains spatially neutral. Architectonical use of a circle as a planar figure allows relating the art of Raphael, both with the traditions of medieval painting and with the heritage of Pietro Perugino.  

Keywords: composition, spatial construction, visual perception, painting, architectonics, circle, Raphael, semicircle, Perugino, picture plane

Аннотация: В статье обсуждается понятие «художественное пространство», которое противопоставляется обычному пониманию пространства. Автор предлагает анализировать становление и этапы развития художественного пространства в рамках учения о схемах, понятие которых он кратко характеризует. Рассматриваются четыре этапа формирования в культуре представлений о художественном пространстве. На первом, в архаической культуре создаются схемы, с помощью которых воссоздавались и собирались виды животных и людей. На втором, в следующей культуре Древних царств складывается способ изображения протяженных пространств способом наслаивания одних видов на другие. На третьем в эпоху Возрождения формируется концепция прямой перспективы. На четвертом ‒ концепция обратной перспективы. Обсуждаются культурные обстоятельства и схемы, обусловившие формирование художественного пространства на этих четырех этапах. В исследовании использована следующая методология: постановка проблем, ситуационный анализ, компаративный анализ, построение понятий, реконструкция формирования, аргументация визуальным рядом. В результате проведенного исследования удалось охарактеризовать представление и понятие «художественное пространство», наметить четыре этапа формирования художественного пространства, показать зависимость представлений о художественном пространстве от культурных обстоятельств (картин мира и коммуникации), а также схематизации пространства (схем и способов действия с ними).

Ключевые слова: пространство, схема, искусство, становление, формирование, вид, предмет, протяженность, личность, культура

Abstract: The article is devoted to the definition of 'art space' that is usually opposed to a traditional concept of space. Rozin analyzes the process and stages of the development of art space as part of the scheme theory. In particular, Rozin studies four stages of how views on art space have developed. At the first stage the archaic culture created schemes that described various kinds of animals and humans. The second stage was the stage of ancient kingdoms that developed the method of depicting extended spaces by layering one kinds over others. The third stage, the era of Renaissance, represented the concept of one-point perspective, and the concept of reverse perspective was developed at the fourth stage. Rozin also focuses on cultural circumstances and schemes that contributed to the development of art space at all four stages. The researcher has used the following methods: problem statement, situtional analysis, comparative analysis, statement of definitions and description of the process and visual imagery argumentation. As a result of the research, the author has defined the term 'art space' and described four stages of its development as well as demonstrated the dependence of ideas about art space on the cultural environment (worldview and type of communication) as well as space schematization (schemes and means of operation with it). 

Keywords: length, subject, type, formation, becoming, art, scheme, space, personality, culture

Аннотация: Предметом исследования являются современные арт-практики, рассматриваемые автором в контексте неомифологизма и тенденций постгуманизма. В статье проводится анализ современного подхода к созданию произведений искусства с использованием новейших цифровых технологий на примере работ российских и западных художников Е. Острова, К. Худякова, Б. Виолы, группы AES-F. Распространение VR технологий становится новым способом вести диалог с художественными образами прошлого, переосмысливать культурную традицию и определять в ней собственное место. В качестве методологической базы активно используется современный искусствоведческий и эстетический дискурс, а также концепции постмодернизма. Основные выводы: авангардное отрицание традиции привело к остранению, архивированию культуры, и разрушению связи между прошлым и будущим. Индивидуальный неомиф, создаваемый современным художником, - своего рода, компенсаторный механизм, попытка поместить в контекст нарастающих тенденций постгуманизма "тени" художественных образов прошлого. Особый вклад автора состоит в разработке концепции неомифологизма применительно к визуальным искусствам XX-XXI вв. Новизна исследования заключается в выявлении специфических неомифологических черт изобразительного искусства, характерного для новейшего периода.

Ключевые слова: искусство, современное, неомифологизм, VR технологии, цифровое искусство, видео-инсталляции, видео-арт, миф, модернизм, постмодернизм

Abstract: The subject of the study is contemporary art practices, examined by the author in the context of neo-mythologism and tendencies of posthumanism. In the article, the contemporary approach to the creation of pieces of art using the latest digital technology on the example of works of Russian and foreign artists E. Ostrova, K. Khudyakova, B. Viola, AES-F group, is analyzed. The spread of VR technology becomes a new method of conducting a dialogue with art images of the past, reconsidering a cultural tradition, and defining an own place in it. Contemporary art criticism and aesthetic discourse, as well as the concept of postmodernism, are actively used as a methodological basis. The main conclusions: avant-garde denial of tradition led to the exclusion, archiving of culture, and the destruction of the connection between the past and the future. Individual neo-myth, created by a modern artist - is a kind of compensatory mechanism, an attempt to put "shadows" of artistic images of the past in the context of the growing trends of posthumanism. The author's special contribution consists in the development of the concept of neo-mythologism in relation to the visual arts of the XX-XXI centuries. The novelty of the study is due to the detection of specific features of neo-mythologism in visual art, customary for the modern period. 

Keywords: video-art, video installations, digital art, VR technology, neo-mythologism, contemporary, art, myth, modernism, postmodernism

Аннотация: В статье каллиграфия рассматривается как синтетическое искусство, связанное со временем, поэтому характер движения штриха и знака в целом оказывается одним из важнейших критериев оценки каллиграфического произведения. Поскольку эстетика движения письма разработана наиболее глубоко в каллиграфии Дальнего Востока, цель исследования заключается в анализе движения как категории, обуславливающей идентичность письма Китая, Кореи и Японии с тем, чтобы в перспективе опыт дальневосточной каллиграфии мог быть переосмыслен и применён в европейском письме. Методологическую основу исследования составляют: постановка проблем, систематизация эстетических категорий, сравнительно-исторический и аксиологический анализ, иконологический метод. В результате исследования автор приходит к выводу, что композиционное движение знаков в дальневосточной каллиграфии связывается напрямую и символически со свободным движением тела [и духа] человека в пространстве, но поскольку понимание «движения духа» и пространства в Китае, Корее и Японии разное, характер движения знаков в каллиграфии этих стран так же различен.

Ключевые слова: эстетика движения, бытовое письмо, каллиграфия кистью, китайская каллиграфия, корейская каллиграфия, японская каллиграфия, пустота, фэнлю, мот, моно-но аварэ

Abstract: In her research Aganina analyzes calligraphy as a time-related intermedia and this is why the nature of the line movement and the sign pattern in general is one of the main criteria for evaluating the caligraphic piece. Considering that the aesthetics of the handwriting movement is more developed in the calligraphy of the Far East, the purpose of this research is to analyze movement as a category that creates the identity of Chinese, Korean and Japanese handwriting in order to review and to use the experience of Far Eastern calligraphy in the European writing. The methodological basis of the research involves the following: the problem statement, classification of aesthetic categories, comparative historical and axiological analysis, and iconological method. As a result of the research, the author concludes that the compositional movement of signs in the Far Eastern calligraphy directly and symbolically relates to the free movement of human body (and spirit) through the space. The fact that China, Korea and Japan have different concepts of the movement of spirit dictates differences in the nature of the sign pattern in the calligraphy of these countries. 

Keywords: Japanese calligraphy, Korean calligraphy, Chinese calligraphy, ink brush calligraphy, handwriting, aesthetics of movement, white space, fengliu, meot, mono-no aware

Аннотация: Объектом настоящего исследования является иконографическая программа живописного ансамбля купола ранне христианского мавзолея, известного под названием «капелла Исхода» (некрополь Багават, Харга, Египет). Предметом исследования являются композиционные и семантические взаимосвязи между тремя сценами, расположенными на западной стене мавзолея. Автор подробно рассматривает такие аспекты, как взаиморасположение, иконографию и семиотические взаимоотношения между композициями. Особое внимание уделяется происхождению иконографических типов, последовательности создания данной группы сцен, их интерпретации и месту в кругу современных им памятников Египта и Восточного Средиземноморья. Особенности объекта исследования обусловили выбор иконологического подхода, метода исторической контекстуализации и семиотического анализа в качестве основных методов исследования. Основным выводом проведенного исследования является обоснованная гипотеза о том, что в первоначальном замысле фигура оранта входила в сцену Жертвоприношения Авраама и представляла собой Исаака. Впоследствии, в связи с формированием в затесненном изобразительном пространстве группы композиций, объединенных по гендерному признаку и признаку девственности, фигура оранта была включена во вновь написанную сцену, скорее всего посвященную усопшей. Особым вкладом автора в исследование темы является изучение влияния магистральных и местных художественных традиций на ранне христианское погребальное искусство оазиса Харга. Новизна работы заключается в выявлении вероятных стадий создания группы сцен, уточнения высказанных ранее гипотез об их семантике, а также оценки роли памятника в истории развития коптского искусства.

Ключевые слова: раннее христианское искусство, Жертвоприношение Авраама, святая Фекла, орант, коптское искусство, Эль-Багават, Мавзолей, композиция, группа композиций, иконографические типы

Abstract: The object of this research is the iconographic composition of the dome of an early Christian mausoleum that is often referred to as the Exodus Chapel (Bagawat necropolis, Kharga, Egypt). The subject of the research is the compositional and semantic interactions between three compositions depicted on the western wall of the mausoleum. The author of the article examines such aspects of the topic as the mutual location, iconography and semiotic relations between these compositions. She pays special attention to the origin of iconographic types, sequence of how those compositions were created, their interpretation and the place they take in a range of Egyptian and Eastern Mediterranean memorials of those times. Particular features of the research matter predetermined the author's choice of methods, in particular, the author applied the iconographic approach and methods of historical contextualisation and semiotic analysis as the main research methods. The main conclusion of the research is the author's proved hypothesis that initially the orant entered the Sacrifice of Abraham scene and it was Isaac. Later, as a result of compositions being drawn in a limited space and united according to the gender and virginity features, the orant figure was depicted in a new composition that was most likely to be devoted to the deceased. The author's special contribution to the topic is her analysis of the influence of the mainstream and local artistic traditions on early Christian funeral art of the Kharga Oasis. The novelty of the research is caused by the fact that the author defines probable stages of creation of that group of compositions and clarifies precedent hypotheses about their semantics. The author also evaluates the role of the memorial in the history of the Coptic Art development.

Keywords: Mausoleum, Al Bagawat, Coptic Art, Orant, Saint Thekla, Sacrifice of Abraham, Early Christian Art, composition, group of compositions, iconographic types

Аннотация: Статья посвящена выявлению и характеристике метода моделировки в живописи Леонардо да Винчи. Детальный анализ ряда картин художника позволил выявить этот уникальный метод, ключевой характерной особенностью которого является горизонтальное или наклонное положение модели при позировании. Присущий исключительно творчеству да Винчи, данный метод являлся основой для создания в его произведениях сложных контрапостов и светотеней, отражения неуловимых настроений и эмоций, отличающих живопись мастера. Тема новаторства и отличительных особенностей художественного языка Леонардо достаточно глубоко изучена и представлена в работах отечественных и зарубежных искусствоведов. Неповторимость его индивидуального стиля, основанного на применении новых живописных и композиционных приемов, казалось бы, должна способствовать распознанию и определению по манере письма его картин и отличию их от произведений других авторов. Но проблема заключается в том, что в современном искусствознании до настоящего времени окончательно так и не решен вопрос атрибуции многих его картин. Не смотря на использование современных методов технологической экспертизы, специалистам пока не удается определить, какие из приписываемых Леонардо произведений действительно принадлежат кисти великого живописца, за исключением нескольких, однозначно признанных его работ, представленных, в основном, в Лувре. И поскольку во многих случаях этот вопрос остается дискуссионным, главной целью данного исследования является раскрытие дополнительных, ранее не выявленных характерных особенностей индивидуального стиля художника, определение которых на его картинах, вероятно, сможет оказать влияние на решение этой проблемы. Объектом исследования в данной работе являются картины «Джоконда» и «Иоанн Креститель» Леонардо да Винчи, копия его картины «Леда и лебедь» неизвестного автора, хранящаяся в галерее Боргезе и картина «Коломбина» Франческо Мельци. Предметом исследования — созданные на этих картинах контрапосты. Основным методом в данном исследовании является детальный анализ картин. Для подтверждения выдвинутого предположения о горизонтальном позировании был проведен проверочный эксперимент по натурной постановке. Так как установление основной характеристики метода моделировки – горизонтального позирования – непосредственно связано с изучением улыбки Джоконды, в статье представлен краткий обзор искусствоведческих теорий и научных гипотез, объясняющих феномен этой загадочной улыбки с разных позиций. Особое внимание уделено анализу исторических документов, содержащих информацию о картине «Джоконда». В результате проведенного исследования впервые выявлен оригинальный авторский метод работы Леонардо да Винчи над созданием произведения и дана характеристика приемов моделирования натуры, составляющих его основу. Теоретическая значимость исследования заключается в создании кардинально новых концепций картин «Иоанн Креститель» и «Джоконда». Детальный анализ картины «Коломбина» позволил сделать вывод о том, что данное произведение первоначально имело иной сюжетный замысел, который так и не был завершен художником, и на основании этого вывода выдвинуть гипотезу о местонахождении подлинного портрета «Мона Лиза» в музее Государственный Эрмитаж. Основной областью практического применения результатов исследования может являться атрибуция картин художника. Возможность использования признаков горизонтального позирования в качестве наиболее существенной отличительной черты стиля Леонардо да Винчи при атрибуции его картин представляет главную ценность открытия метода моделировки.

Ключевые слова: натурная постановка, горизонтальное позирование, метод моделировки, тайна улыбки, Джоконда, атрибуция, контрапост, ракурс, сфумато, воздушная перспектива

Abstract: The present article is devoted to defining and describing the modelling method used by Leonardo da Vinci in his painting. The author's detailed analysis of a number of Leonardo da Vinci's paintings has allowed to define this unique method which key feature is the horizontal or inclined position of a model. Being typical only for da Vinci's creative work, this method was the basis for creating complex contrappostos and light-and-shade effects as well as reflections of the artist's emotions and mood which were so typical for his creative work. The topic of innovations and singularities of Leonardo da Vinci's artistic language is very well studied and presented in both Russian and foreign researches on art history. As it seems, his individual style based on applying new painting and compositional techniques should have made his paintings quite recognizable. However, the question about attributions of his paintings still remains unresolved in Russian art history. Despite availability of modern expertise methods, experts still cannot define which paintings were actually created by Leonardo except for very few paintings kept mostly in the the Louvre. Considering the fact that it is still a rather debatable question in most cases, the purpose of the present research was to discover additional, never before discovered singularities of the artist's individual style which may help to solve the above mentioned problem. The object of the research is Leonardo da Vinci's paintings Gioconda and St. John the Baptist, the copy of his painting Leda and the Swan made by an uknown artist and kept in the Galleria Borghese and Francesco Melzi's painting Colombina. The subject of the research is contrappostos in these paintings. The main method of the research is a detailed analysis of paintings. To prove the thesis about the horizontal posing, the author of the article has carried out a testing experiment based on drawing from nature. Taking into account that the main feature of the modelling method (horizontal posing) is directly related to the research of Gioconda's smile, the author of the article provides a brief analysis of art history theories and hypotheses the explain the phenomenon of that mysterious smile from different points of view. Special attention is paid to analyzing historical sources containing information about Gioconda painting. As a result of the research, for the first time in the academic literature the author defines a unique painting method typical for Leonardo da Vinci's creative work as well as describes his methods of painting from nature as the basis of the aforesaid method. The theoretical importance of teh research is caused by the fact that the author offers totally new concepts and interpretations of The St. John the Baptist and Gioconda as paintings. The detailed analysis of Colombina has also allowed to conclude that that painting initially had another painting plot which was not completed by the artist. Based on that, the author makes a hypothesis that the true portrait of Mona Liza is kept in the State Hermitage. The research results can be used to make an attribution of the artist's paintings. The horizontal posing can be used as an essential feature of Leonardo da Vinci's unique style when attributing and analyzing his paintings. 

Keywords: modelling method, horizontal posing, painting from nature, contrapposto, perspective, sfumato, aerial perspective , mystery of a smile, Gioconda , attribution

Аннотация: В статье рассматривается уникальный оттиск портрета великого князя Павла Петровича, хранящийся в собрании ГМИИ им. А.С. Пушкина. Гравюра была исполнена и напечатана в технике офорта и резца немецким мастером И.Э. Нильсоном в Аугсбурге предположительно в последней трети XVIII века и имеет сложную аллегорическую программу. Однако, помимо сопровождающих образ текстов и аллегорических изображений, этот эстамп привлекает внимание тем, что по всей поверхности листа сделаны небольшие надрезы, которые образуют самостоятельный декоративный рисунок, изящно дополняющий изображение. Это отличает рассматриваемый портрет среди памятников подобного рода и вызывает особенный интерес. Обращаясь к стилистическому и иконологическому методам исследования, автор предпринимает попытку расшифровать программу изображения, определить обстоятельства и причины создания надрезов, тем самым приблизившись к личности того, кто сподобился их произвести. Сделанные на листе надрезы тонко связаны с зашифрованным в изображении смыслом. Имя владельца гравюры, столь остроумно усовершенствовавшего композицию, пока остается загадкой. Однако, на основании сохранившихся свидетельств, автор статьи предпринимает попытку составить его «портрет», а также реконструировать культурный и политический контекст, в котором гравюра создавалась и существовала. Введение в научный оборот столь необычного памятника представляется особенно ценным и расширяет наше представление о культуре эпохи.

Ключевые слова: гравюра, портрет, XVIII век, немецкое искусство, русское искусство, масонство, Екатерина II, Павел I, Дмитрий Александрович Ровинский, офорт

Keywords: engraving, portrait, 18 century, German art, Russian art, freemasonry, Catherine II, Paul I, Dmitry Rovinsky, etching

Аннотация: Статья посвящена эволюции фрактальной образности в фотографии как эстетического приема и парадигмы творчества в искусстве ХХ века. Предметом исследования являются способы репрезентации рекурсивной бесконечности в аналоговой и цифровой художественной фотографии. Выявляются параллели между фрактальной рекурсией в фотографии и в произведениях традиционного и постмодернистского изобразительного искусства (средневековой иконографии mise en abime, живописи С. Дали, Дж. Поллока, гравюрах М. Эшера, рекламном графическом дизайне). Особое внимание уделяется креативному и когнитивному значению фрактальных форм в разных фотографических жанрах. Эстетика рекурсивной бесконечности в фотографии рассматривается с позиций междисциплинарного подхода, интегрирующего понятия философии, теории искусства, истории искусства, теории хаоса, концепции фрактальности и компьютерных технологий. На основе анализа обширного фотографического материала, включающего как произведения российских и зарубежных профессиональных фотохудожников, так и полупрофессиональные работы членов неформальных арт-сообществ, выделены типы репрезентации фрактальной рекурсии в художественной фотографии: фиксация фрактальных форм реального мира; конструирование фракталов особыми фотографическими техниками; фрактализация образов с помощью цифровой пост-обработки; алгоритмическое конструирование фрактальных композиций. Делается вывод, что первые фотографические опыты репрезентации фрактальных рекурсий осуществлялись намеренно анахроническим способом, а источником фрактальной образности была природная среда как она есть, но со временем образы бесконечной рекурсивности в фотографии стали результатом специфических цифровых техник, а сама «фрактальная зона» поиска переместилась в область человеческой природы и культуры.

Ключевые слова: фрактальное искусство, художественная фотография, эстетика бесконечности, фрактальный супрематизм, фрактальная абстракция, эффект Дросте, фрактал, рекурсия, пост-обработка изображения, цифровое искусство

Keywords: khudozhestvennaya fotografiya, estetika beskonechnosti, effekt Droste, fraktal, rekursiya, post-obrabotka izobrazheniya, tsifrovoe iskusstvo

Аннотация: Статья представляет собой комментарии на известную книгу Н.Волкова «Цвет в живописи», который пытается построить теорию, сравнимую с теориями в музыковедении. Сравнение цвета в живописи и музыкального звука показывает, что это вряд ли возможно. Автор обращает внимание, что Волков разводит цвет как художественную форму и колористические художественные события, которые относятся к художественной реальности. Обсуждаются особенности художественной реальности в живописи, а также сравниваемые Волковым две системы цвета – Ньютона и Гете. Выдвигается и обосновывается гипотеза, что роль этих систем в живописи сравнима с концепцией «прямой перспективы». Другая гипотеза связана с анализом автором статьи искусствоведческой концепции «выражения» чувств и идей человека. Автор проблематизирует эту концепцию и показывает, что скорее все наоборот: именно развитие искусства, в том числе «цветопрактики» конституирует эмоциональную жизнь человека, а затем и изучение ее. Полученные в статье результаты предполагали использование таких методов как сравнительный анализ, проблематизацию, обращение к авторскому учению о психических реальностей, а также к его исследованиям искусства и музыки. В результате ему удалось в определенной мере развести музыку и цветопрактику, содержательно прокомментировать книгу Н.Волкова, обратив внимание на интересные положения этой работы, обсудить особенности художественной реальности, в построении событий которой используется цвет, сформулировать гипотезу о роли объяснения цвета в системах Ньютона и Гете.

Ключевые слова: цвет, звук, музыка, цветопрактика, произведение, искусствознание, теория, система, живопись, музыковедение

Abstract: The article presents commentaries on a famous book written by N. Volkov ‘The Color in Painting’. In his book Volkov tried to create the theory comparable to the theories in music studies. However, comparison of color in painting with the musical sound shows that it is rather impossible. Rozin points out that Volkov distinguishes between the color as an art form and coloristic art events which refer to artistic reality. Rozin discusses peculiarities of artistic reality in painting and analyzes the two color systems (offered by Newton and Goethe) compared by Volkov. Rozin also establishes and substantiates the hypothesis about the role of these color systems in painting being comparable to the ‘single point perspective’ concept. The other hypothesis is based on Rozin’s analysis of the concept of ‘expression’ of human feelings and ideas as it is presented in art studies. Rozin questions this concept and proves quite the opposite. Based on Rozin, the development of art and ‘color practice’ constitute the emotional life of human but not vice versa. The research article is based on such methods as the comparative analysis, problematization, reference to the author’s teaching about psychic (mental) realities as well as his studies of art and music. As a result, Rozin has managed, in some ways, to distinguish between music and color practice, provide a substantive commentary on N. Volkov’s book emphasizing the most interesting provisions of that book, discuss peculiarities of artistic reality which events are described based on the color and establish the hypothesis about the role of the color concepts offered by Newton and Goethe.

Keywords: Color, sound, music, color practice, creation, art studies, theory, system, painting, music studies.

Аннотация: анализ поздних произведений А. А. Пластова выявляет их основные образные и смысловые акценты. Внутренняя гармония, свойственная произведениям мастера, не исчезает под натиском новых веяний в общественной и художественной жизни страны. Работы последнего десятилетия жизни Пластова отражают суть его мировоззренческих установок. Сюжетная наполненность, выбор тем, жанровые предпочтения в его творчестве неразрывно связаны с решением живописных задач. Выступавший против этюдности в картине, художник в некоторых поздних произведениях использует выразительные возможности быстрой работы с натурой. В статье особое внимание уделено работе художника над портретами и картинами «Бабушка Катерина и Таня Юдина» «Смерть дерева», «Слепые», «Апрель», особенностям их композиционного и живописного решения. В поздних произведениях отражается мировоззрение мастера, где царят традиционные для русской культуры религиозные и эстетические взгляды, основанные на целостном восприятии мира.

Ключевые слова: искусствоведение, А. А. Пластов, религиозные основы творчества, христианская система ценностей, традиционный крестьянский быт, композиционная структура, образносмысловые акценты, слепые, дети в искусстве, живопись.

Abstract: Analyzing Arkady Plastov’s late works, we can define the main images and meanings there. Internal harmony typical for work by this master, does not disappear under the influence of new ideas and events in the country’s social and art life. Work created by Plastov during his last ten years of life reflected his attitude to the word. Narrative , selected topics and his preferences in genres were closely connected to his art goals. Opposing to sketches in painting, the artist used expressive opportunities of ‘fast work with nature’ in some of his late works. The author of the article pays special attention at such Arkady Plastov’s portraits and paintings as ‘Grandma Katerina and Tanya Yudina’, ‘Death of the tree’, ‘The Blinds’ and ‘April’. In his late paintings, Arkady Plastov shared his own perception of the world that is based on traditional Russian religious and esthetical views and holistic perception of the world.

Keywords: art history, Arkady Plastov, religious grounds of creative work, Christian system of values, traditional peasant life, composite structure, emphasis on image and meanings, blind, children in art, fine art.

Аннотация: в статье раскрывается специфика образа революционера-народника в русской живописи конца XIX – начала XX вв., его трансформация под влиянием происходивших в России исторических событий. Основное внимание акцентируется на творчестве художников-передвижников И. Е. Репина, его ученика Н. И. Верхотурова, а также Н. А. Касаткина.

Ключевые слова: искусствоведение, революционер-народник, «Народная воля», эсер, пролетарий, Музей революции, первая русская революция 1905–1907 гг., интеллигент-разночинец, живопись, передвижники.

Abstract: The article reveals peculiarities of the image of a revolutionary – populist in fi ne arts at the end of the 19th – beginning of the 20th century and its transformation under the infl uence of events ongoing in Russia in those times. Special attention is paid at the creative works by Iterinants such as I. E. Repin and his follower N. I. Verkhoturov as well as N. A. Kasatkin.

Keywords: art history, revolutionary – populist, ‘Popular Will; socialist revolutionary, proletarian, Museum of the Revolution, fi rst Russian revolution in 1905-1907, intellectual – commoner, fi ne art, Iterinants.

Аннотация: Статья посвящена анализу аллегорического портрета герцога Козимо I Медичи, изображенного в виде Орфея, кисти Аньоло Бронзино. Как образец влюбленного и как основатель орфизма Орфей стал для Марсилио Фичино и его последователей символом мудреца, приобщающего людей к добродетельной и полезной для общества жизни. В статье высказывается предположение о воздействии на программу создания портрета диалога Платона «Пир». Флорентийский гуманист Козимо Бартоли рассматривается как возможный автор иконографии произведения.

Ключевые слова: культурология, Возрождение, герцог Козимо I Медичи, Орфей, Козимо Бартоли, «Пир» Платона, живопись, гуманизм, неоплатонизм, гармония.

Abstract: The article is devoted to the analysis of an allegoric portrait of the Duke Cosimo I de’Medici featured as Orpheus (artwork by Agnolo Bronzino). Being an example of a man in love and a founder of orphism, for Marsilio Ficino and his followers Orpheus became a symbol of wisdom teaching people a virtuous and beneficial to society life. The author of the article makes a suggestion that Plato’s Symposium influenced creation of the portrait. Florentine humanist Cosimo Bartoli is viewed as a potential author of the iconography version of the portrait.

Keywords: cultural studies, Renaissance, Duke Cosimo I de’Medici, Orpheus, the Symposium by Plato, fi ne arts, humanism, neoplatonism, harmony.