Аннотация: В статье анализируется женское начало, выраженное в буддийском искусстве тханки и подчеркивается его специфика в сравнении с православной иконой. Рассмотрена символика основных изобразительных элементов, формирующих иконографию женских персонажей и их цветовое решение. Проанализирована символика света в тханкописи и иконописи. При сравнении световой символики женского образа в обоих видах религиозной живописи выявлено их несомненное сходство в восприятии света как божественного начала просветленного ума. Предметом исследования является тибетская тханка и православная икона, рассматриваемые автором в контексте развития женского божественного образа в хронологических рамках XV- XVII вв. Актуальность исследования обусловлена возрастающим интересом различных специалистов к религиозной живописи тханка. При рассмотрении сакральных образов буддийских тханок и православных икон использовались сравнительно-исторический и иконографический методы исследования, опирающиеся на философские, культурологические и искусствоведческие научные материалы. Новизна исследования заключается в том, что на основе материала тибетских тханок и православной иконы в сравнительном анализе рассмотрены традиции изображения световых манифестаций женских священных образов. В иконографическом сюжете прослежено образование света и участие его в создании женской ипостаси мудрости. Сделан вывод, что для оценки тибетского буддийского искусства тханки и православной иконы необходимо понять сущность женского начала и значимость символики света, указывающий на воплощение аспекта мудрости и любви на пути духовного восхождения.

Ключевые слова: женское начало, мудрость, свет, буддизм, православие, София, тханка, иконопись, символика, духовность

Abstract: This article analyzes the female beginning reflected in the Buddhist art of thangka, and emphasizes its specificity in comparison with the Orthodox icon. The author examines symbolism of the key visual elements that form iconography of female characters and their color solution, as well as analyzes the symbolism of light in thangka painting and painting of icons. In drawing parallels between light symbolism of a female image in both types of religious paintings, the author determines their definite similarity in perception of light as a divine beginning of enlightened mind. The subject of this study is the Tibetan thangka and the Orthodox icon, viewed in the context of evolution of the female divine image within the chronological framework of the XV – XVII centuries. The relevance is substantiated by the growing interest of various experts to the religious painting thangka. In examination of sacred images of Buddhist thangkas and Orthodox icons were applied the comparative-historical and iconographic methods that lean on philosophical, culturological and art scientific materials. The novelty consists in the fact that based comparative analysis of the material of Tibetan thangkas and Orthodox icons, the author explores the traditions of depicting light manifestations of sacred images of women. Iconographic plot traces the formation of light and its role in creation of the female guise of wisdom. The conclusion is made that for assessing the Tibetan Buddhist art of thangka and Orthodox icon it is necessary to grasp the essence of female beginning and significance of the symbolism of light that indicates the aspect of wisdom and love on the path of spiritual growth. 

Keywords: iconography, thangka, Sophia, Orthodoxy, Buddhism, light, wisdom, feminine, symbolism, spirituality

Аннотация: In the conditions of globalization with characteristic for this era sociocultural transformations, the anthropological problematic, which emphasizes the role of interrelation between creativity and personal being, comes to the forefront. The object of this study is creativity in the philosophical-cultural concept of M. Heidegger. The subject is the phenomenon of creation in M. Heidegger's existentialism. Reference to the concept of M. Heidegger is not accidental, since the problem of human and creativity is focal in his philosophical writings. In his work “The Origin of the Work of Art”, Heidegger sets an ontological vector of studying creativity in art, assigning to being as such the core position.  The article explores M. Heidegger's understanding of creation, which he describes using the terms of "being", "time", "space", "unconcealment", "truth", "thingness", "beautiful", and "beauty".The theoretical and methodological basis of the study was the cultural and historical method. The appeal to the existential-phenomenological methodology allows identifying the peculiarities of comprehension of creativity in the concept of M. Heidegger. The systemic approach serves as the foundation for examining the phenomenon of creativity as a system. It is determines that Heidegger explains creativity as the artist’s way to personal fulfillment. The conclusion is made that according to the philosopher not every work can be attributed to creation, but only those that reflect the system of views of the artist and specificity of time. For Heidegger, art is the space of existence and creation; the essence of art consists in the truth being created in creation.

Ключевые слова: being there, the truth of being, the creation of being, creation as unconcealment, thingness of a thing, the being of creation, creation, Dasein, creativity, art

Аннотация: В данной статье рассматривается влияние китайской традиционной живописи на формирование западной экспрессионистской живописи, а также трактуется влияние западной экспрессионистской живописи на китайскую живопись в экспрессивной манере разного периода. Автор раскрывает отношения взаимовлияния, а также сходства и различия между западной экспрессионистской живописью и китайской живописью в экспрессивной манере, китайской масляной живописью образов, китайской цветной живописью тушью,китайской живописью образов в западном стиле. Показали, что совместимость китайских и западных картин. Исходя из взаимосвязи между духовной идеологией живописи и художественной формой, проводится сравнительный анализ духовных и формальных факторов китайской и западной живописных систем, с тем, чтобы выяснить, как они влияют друг на друга, и как в результате их взаимовлияния формируются новые концепции живописи.Согласно структуре мазка кисти художника как основа для оценки его эстетического духа. В статье выявляется «цикличный» характер процессов взаимовлияния китайской и западной живописных систем, стимулирующих развитие человеческой цивилизации. Анализ соответствующих культурных генов позволяет оценить индивидуальные художественные характеристики живописи. Китайская и западная живописные системы вступили в период, когда духовная идеология живописи и художественные формы взаимодействуют между собой, открывая эпоху «глобализации» языка живописи.

Ключевые слова: субъективное сознание, западная экспрессионистская живопись, масляная живопись образов, живопись цветной тушью, духовные факторы, формальные факторы, европейская традиционная живопись, Китайская каллиграфия, Китайская традиционная живопись, локализация

Abstract: This article examines the impact of Chinese traditional painting upon the formation of Western expressionism, as well as interprets the influence of Western expressionism upon Chinese painting in expressionist manner of different periods. The author reveals the mutual influence, similarities and differences between Western expressionism and Chinese painting in expressionist manner, Chinese imagery oil painting, Chinese colored ink painting, and Chinese imagery painting in Western style. Based on correlation between the spiritual ideology of painting and artistic form, the author carries out a comparative analysis of spiritual and formal factors of Chinese and Western painting systems for the purpose of determination of their mutual influence, and how it affects the emergence of new concepts in painting. The structure of brush stroke of the artist defines his aesthetic spirit. The article determines the “cyclic” nature of interinfluence processes between Chinese and Western painting systems that stimulate the development of human civilization. The analysis of corresponding cultural factors allows assessing the individual artistic characteristics of painting. Both, Chinese and Western painting systems entered the period when spiritual ideology of painting interacts with the artistic forms, opening the era of “globalization” of the language of painting.

Keywords: Subject consciousness, western expressionist painting, Chinese imagery oil painting, Colored ink painting, Form factor, Spiritual factor, European traditional painting, Chinese calligraphy, Chinese traditional painting, Localization

Аннотация: В статье анализируется эстетика цвета как ответвление метафизики света, всей фотонной сферы, представление о который можно феноменологически рассматривать в качестве источника интенциональных излучений в самых различных диапазонах. Показано, что картина цвета – это и результат работы эстетического, художественного сознания, которые панорамируют мир и место человека в нем; при этом в самой апостериорной партитуре цветового восприятия важно отметить мизансцены смысла со всеми его предикатами. Особое внимание уделяется рассмотрению феноменологии цвета. Метафизически он предстает тут как событие, где цвет встречает себя в цветности, где он обретает свою перспективу. С конструированием современного феноменологического отношения к действительности как более открытой позиции появляются новые возможности для опыта работы с цветом, переосмысления красоты колористических данных. Цвет, порожденный фантазией или живописной установкой, может, если следовать Гуссерлю, являться актом жизни в эстетическом сознании. Методология историко-философского и историко-эстетического исследования, методы гуманитарных наук в теоретическом изучении явлений мировой культуры. Несмотря на богатый исследовательский материал по данной теме, специального исследования, показывающего, как происходило художественное перемещение границ участка цветового изображения относительно метафизической системы отсчета (что становится лейтмотивом, например, метафизической живописи Джорджо Де Кирико), как возможен кросс-платформенный инструментарий, работающий на нескольких аппаратных системах эстетического знания и позволяющий осуществлять анализ эстетических методов исследования самого цвета, пока нет. Статья позволяет восполнить этот пробел.

Ключевые слова: эстетика, метафизика, цвет, сознание, творчество, живопись, феноменология, Кант, трансцендентальная философия, Гуссерль

Abstract: This article analyzes the aesthetics of color as a branch of metaphysics of light and entire photonic zone, which from phenomenological perspective can be viewed as the source of intentional radiations in various bands. It is demonstrated that the image of light is the result of work of aesthetic and artistic consciousness that pan the world and place of a human therein; at the same time, it is important to underline the set-up of meaning with all its predicates in the a posteriori score of color perception itself. Special attention is given to examination of the phenomenology of color. Metaphysically, it represents an even, when the color reflect itself in the value and acquires a prospect. Structuring of modern phenomenological attitude to reality leads to the emergence of new opportunities for the experience of working with color, reconsideration of beauty of coloristic data. According to Husserl, color originated by fantasy, can be an act of life within aesthetic consciousness. Despite the rich research material on the topic, these is still no special research that would demonstrate the artistic shift of boundaries of the color image in relation to metaphysical axes of reference (which becomes a leitmotif for metaphysical painting Giorgio de Chirico), as well as possibility of existence of cross-platform toolset that works on several instrumental systems of aesthetic consciousness and allows conducting the analysis of aesthetic methods of examination of the color itself. This article helps to fulfill such gap.

Keywords: transcendental philosophy, Каnt, phenomenology, painting, creativity, consciousness, color, metaphysics, aesthetics, Husserl

Аннотация: Предметом анализа в статье является роль маски в художественной культуре Серебряного века как своеобразной эпохи «русского Ренессанса». Термин, введенный в обиход Н.А. Бердяевым, присутствует в содержании ряда работ философа. Объектом исследования является эпоха Серебряного века, и это определение воспринимается автором как понятие скорее мифологическое. В истории русской культуры «Золотым веком» принято считать пушкинскую эпоху, а «Серебряным веком» - период расцвета модернизма на рубеже XIX-XX веков, когда творческое обновление шло одновременно в изобразительном и сценическом искусствах, в литературе, музыке, сфере научной и общественной жизни. Цель работы – анализ динамики и взаимосвязи художественных поисков эпохи русского модерна и роли маски в этом процессе. Методология данной статьи базируется на источниках и исследованиях разных научных направлений: истории, культурологии, искусствоведения, философии, филологии. Автор, опираясь на историко-сравнительный метод и теоретические методы критического анализа, синтеза и обобщения, использует в статье синергетический (междисциплинарный) подход. Результаты исследования свидетельствуют о том, что в искусстве Серебряного века превалирует культ маски как своеобразного вызова, протеста против реальности, что определило ее особую роль в творчестве живописцев, сценографов, поэтов-символистов и режиссеров-авангардистов, эксперименты которых были направлены на выявление новых форм взаимоотношений искусства и общества. Актуальность темы данного исследования обусловлена «перекличкой» эпох: новыми тенденциями в развитии социокультурной сферы на рубеже XX-XXI веков, когда маска вошла в повседневную жизнь человека, а имидж (образ) личности становится неотъемлемой частью коммуникационного процесса.

Ключевые слова: художественная культура, Серебряный век, Русский Ренессанс, модернизм, культ маски, комедия дель арте, мир искусства, символизм, театральный авангард, Условный театр

Abstract: The subject of this article is the role of mas in art culture of the Silver Age as a peculiar era of the “Russian Renaissance”. The term was introduced by N. A. Berdyaev and is present in a number of hisp philosophical writings. The object of this research is the Silber Age, perceived by the author as a somewhat mythological concept. Within the history of Russian culture “Golden Age” is attributed to the time of Pushkin, while “Silver Age” is a period of the bloom of modernism at the turn of XIX-XX centuries, when creative revival coincided in the visual and scenic arts, literature, music, science, and social life. The goal of this work consists in the analysis of dynamics and interconnection between artistic pursuits of the era of Russian modernism and the role of mask in this process The research results testify to the fact that in the Silver Age art prevails the cult of mask as a so-called challenge, protest against reality, which defined its special role in the works of painters, theatrical designers, symbolist poets, avant-garde filmmakers, whose experiments were aimed at determination of the new forms of relationships between art and the public. The relevance of study is substantiated by “interchange” of eras: new trends in development of sociocultural sphere of turn of XX-XXI centuries, when mask came into the people’s everyday life, and the image (persona) becomes an intrinsic part of communication process.

Keywords: world of Art, comedy del arte, cult mask, modernism, Russian Renaissance, silver Age, art culture, symbolism, theater vanguard, Conditional Theater

Аннотация: Данная статья посвящена систематизации и анализу основных принципов социальной практики коллекционирования. Разбираясь в причинах собирательской деятельности, рассматривая мотивы и предпосылки коллекционирования, автор исследует социальный характер интеракции предмета и человека. Статья затрагивает феномен персонификации вещей и овеществления людей. Значительное внимание уделено осмыслению базовых принципов коллекционирования — вещи как таковой и времени вещи как основному условию трансформации этой вещи в предмет коллекции. Автором рассматриваются комплексные процессы культурного взаимодействия в ходе создания и использования коллекции. Характеризуя данное коммуникационное пространство, автор выявляет и подробно разбирает три сферы (поля) коммуникаций – «субъект –экспонат» (взаимодействие владельца коллекции с ее экспонатами), «субъект – субъект» (весь спектр средств коммуникационного взаимодействия, который делает коллекцию публичной и информационно насыщенной) и «коллекция – аудитория» (интерактивные мероприятия, созданные для формирования межкультурной коммуникации).

Ключевые слова: коллекционирование, собирательство, музей, коллекция, культура, антиквариат, социальный статус, самореализация, хобби, самопрезентация

Abstract: This article is dedicated to systematization and analysis of the key principles of the social practice of collecting. Analyzing the causes of collecting activity alongside motives and prerequisites for collecting, the author explores the social character of interaction between an object and a human. The article touches upon the phenomenon of personification of things and objectification of people. Significant attention is paid to comprehension of the basic principles of collecting – a thing as such, and the time as the main condition of transformation of that think into a collectable item. The article reviews the integrated processes of cultural interaction in the course of creation and utilization of collection. Giving characteristics to communication space, the author determines and scrutinizes the three fields of communication: “subject – exhibit item” (interaction between the owner of collection and its items); “subject – subject” (the entire range of means of communication interaction, which makes a collection public and information rich; and “collection – audience” (interactive events created for the formation of cross-cultural communication).

Keywords: social status, antiques, culture, collection, museum, self-realization, gathering, collecting, hobby, self-presentation

Аннотация: В статье на материале творчества семьи архитекторов и дизайнеров Фаерштейн-Зимоненко обсуждаются особенности авангарда и конструктивизма. Роман Фаерштейн и Любовь Зимоненко учились в Московском архитектурном институте и еще застали педагогов, представителей авангарда и конструктивизма. Чтобы понять природу авангарда и конструктивизма, автор характеризует цели и задачи, которые решают эти направления и концепции, а также анализирует произведения Любови Зимоненко и Романа Фаерштейна. Он показывает, что конструктивисты создают художественную реальность, противопоставляя и одновременно соединяя разные процессы и содержания, и отсылая сознание зрителя к определенной реальности. Эта закономерность характерна не только для фигуративного искусства, но и литературы. В работе реализована определенная методология исследования: постановка проблемы, ситуационный и сравнительный анализы, реконструкция произведений прикладного искусства, обобщения В результате исследования удалось выяснить некоторые особенности авангарда и конструктивизма как подхода и деятельности, а также показать, что авангард и конструктивизм как подходы предполагают и концептуализм. Роль концептуализма ‒ указание на реальность, к которой художник отсылает зрителя, а также ее разъяснение.

Ключевые слова: авангард, конструктивизм, проектирование, искусство, творчество, произведение, архитектура, дизайн, пространство, среда

Abstract: Based on the materials of the family of architects Zimonenko-Feierstein, this article examines the peculiarities of avant-garde and constructivism. Roman Feierstein and Lyubov Zimonenko graduated the Moscow University of Arctitecture and were taught by pedagogues – the representative of avant-garde and constructivism. To understand the nature of avant-garde and constructivism, the author characterizes the goals and tasks solved by these trends and concepts, as well as analyzes the works of Roman Feierstein and Lyubov Zimonenko. It is demonstrated that constructivists create artistic reality, juxtaposing and simultaneously combining various processes and contents, sending over consciousness of a spectator to a particular reality. This pattern is inherent not only to figurative art, but also literature. The article employs situational and comparative analysis, methods of reconstruction of the works of applied arts and generalization. As a result, the author was able to reveal certain peculiarities of avant-garde and constructivism as an approach and activity, as well as underline that avant-garde and constructivism as approaches also suggest conceptualism. The role of conceptualism consists in outlining and explaining of reality, created by an artist for their audience.

Keywords: architecture, piece, creativity, art, building, constructivism, avantgarde, design, space, environment

Аннотация: В статье представлены результаты исследования изобразительных и текстовых источников, связанных с образом гиппокампуса или морского коня, в европейской культуре античности и раннего нового времени. Автор рассматривает направления использования этого образа римской культурой и усвоения этого персонажа искусствами нового времени по римским образцам. В рамках исследования используются не только изобразительные источники, но и другие случаи употребления образа гиппокампуса. Особенный акцент делается на воплощениях образа гиппокампа в предметах искусства и изображениях театрализованных представлений XVI века. В данном случае были применены семиотический и комплексный методы исследования. Также были использованы традиционные для искусствоведения методы, исторический и формальный анализ. Исследование подобных частных случаев позволяет увидеть общую картину источников формирования различных форм европейского искусства нового времени. Отдельный интерес для автора представляют воплощения образа гиппокампуса в театрализованных представлениях нового времени, как одного из атрибутов морских божества, а также случаи его использования.

Ключевые слова: Гиппокампус, морской конь, театрализованное представление, Нептун, предметы искусства, античность, древний Рим, образ, Ренессанс, новое время

Abstract: This article presents the results of research of text sources associated with the image of Hippocampus or seahorse in the European culture of antiquity of the early modern age. The author examines the use of this image of Roman culture and adaptation of this character by modern arts in accordance with the Roman patterns. Within the framework of this research, the author uses not only the visual sources, but also other cases of depiction of the image of Hippocampus. Emphasis is made on impersonation of the image of Hippocampus in art objects and images of theatricalizes performances of the XVI century. The work employs semiotic and complex methods of research, as well as traditional methods of art history, historical and formal analysis. The analysis of similar cases allows observing the whole picture of the sources of formation of various form of European art of modern age. Special interest for the author presents impersonation of the image of Hippocampus in modern theatricalized performances as one of the attributes of sea deities, as well as the instances of its application.

Keywords: the ancient world, piece of art, Neptunus, theatrical performance, sea horse, hippocamp, ancient Rome, image, Renaissance, early modern period

Аннотация: В статье представлены результаты исследования изобразительных источников, связанных с восточными, и в частности турецкими женскими головными уборами и вариантами их рецепции европейскими художниками второй половины XVI-XVII веков. Предметом исследования является восприятие изобразительной и сценической европейской традициями некоторых форм турецких женских головных уборов XVI-XVII веков. Автор рассматривает различные изобразительные источники, описывающие, как источники европейских представлений о женских турецких головных уборов, так и сценические, аллегорические костюмы исследуемого периода. В случае с таким мульти-символьным образованием как театральный костюм неизбежно использование семиотического метода в исследовании. Также были использованы традиционные для искусствоведения методы, исторический и формальный анализ. Исследование подобных частных случаев позволяет увидеть общую картину источников формирования форм сценических европейских костюмов нового времени. В статье делается вывод о продолжительном и разнообразном применении форм турецких головных уборов в театрализованных и аллегорических изображениях исследуемого периода, их постепенном изменении и отходе от представления об этих формах, как чисто этнических.

Ключевые слова: Костюм, турецкий головной убор, театрализованные представления, маска, изображение, новое время, аллегория, эскиз, интерпретация, рецепция

Abstract: This article presents the results of research of visual sources related to oriental, and namely Turkish headwear, as well as varieties of its reception by the European painters of the late XVI – XVII centuries. The subject of this research is the perception of visual and scenic European traditions of certain forms of female headware of that time. The author examines different visual sources that describe the European representations on the Turkish female headwear, as well as scenic and allegorical costumes of the period in question. Such multi-symbolic item as theatrical costume requires application of semiotic method of research. The article also used the traditional for art history methods, historical and formal analysis. The study of similar instances allows seeing the overall picture of sources of creation of forms of the contemporary scenic European costumes. The conclusion is made on the positive and diverse application of the shapes of Turkish headwear in theatricalized and allegorical images of the late XVI – XVII centuries, their gradual transformation and shifting away from perceptions of these shapes as purely ethnic.

Keywords: design, allegory, early modern period, image, masque, theatrical performance, turkish headdress, Costume, interpretation, assimilation

Аннотация: Опера «Греческие пассионы», созданная по мотивам романа Никоса Казандзакиса «Христа распинают вновь», актуализирует библейскую историю в «страстях» ХХ века: впервые в России она была поставлена на сцене театра «Урал Опера Балет» в 2019 году. В статье анализируется интерпретация Мартину жанра пассионов, связанная как с музыкой, так и с народной мистериальной природой этого жанра. Рассматривается опыт взаимодействия театра в процессе постановки спектакля с представителями Русской православной церкви. Раскрывается трансформация конфликта между христианством истинным и ложным, темы внутреннего преображение человека. Анализ проводится на методологической основе современной теории и истории культуры, в сочетании культурологических, философских и театроведческих методов интерпретации. В заключении отмечается затронутая постановщиками идея о превращении христианства в часть культурной традиции, которая может вести к потере его духовного содержания. Делается вывод о том, что искусство и религия могут быть рассмотрены как равноценные способы приобщения к общезначимым гуманитарным ценностям.

Ключевые слова: искусство, опера, религия, театр, пассионы, Христос, Греция, Казандзакис, Штрассбергер, Дохнаньи

Abstract: Opera “The Greek Passion”, based upon Nikos Kazantzakis’ novel “Christ Recrucified”, demonstrated the Biblical story in “passions” of the XX century: in 2019 it was staged for the first time in Russia by Ural Opera Ballet Theatre. The article analyzes Martinu’s interpretation of the genre of passion, related to music and folk mistrial nature of this genre. Experience of interaction of the theatre in the course of staging the spectacle with representatives of the Russian Orthodox Church is reviewed. The research describes the transformation of conflict between true and false Christianity, the themes of inner transfiguration of a person. Analysis is conducted within the methodological framework of the modern theory and history of culture, in combination of culturological, philosophical and theatrological methods of interpretation. It is noted that the captured by stage directors idea on conversion of Christianity into a part of cultural tradition that can lead to the loss of its spiritual content. A conclusion is made that art and religion can be viewed as the equivalents ways of acquainting with the generally recognized humanistic values.

Keywords: Kazantzakis, Greece, Christ, passion, theater, religion, opera, art, Strassberger, Dohnany